Musique classique du XXe siècle - 20th-century classical music

La musique classique du XXe siècle décrit la musique artistique qui a été écrite nominalement de 1901 à 2000, inclusivement. Le style musical a divergé au cours du 20e siècle comme jamais auparavant. Ce siècle était donc sans style dominant. Le modernisme , l' impressionnisme et le post-romantisme remontent tous aux décennies précédant le début du XXe siècle, mais peuvent être inclus car ils ont évolué au-delà des limites musicales des styles du XIXe siècle qui faisaient partie de la période de pratique courante antérieure . Le néoclassicisme et l' expressionnisme sont apparus principalement après 1900. Le minimalisme a commencé beaucoup plus tard dans le siècle et peut être considéré comme un passage de l'ère moderne à l'ère post-moderne, bien que certains datent du post-modernisme dès 1930 environ. Aléatoire , atonalité , sérialisme , la musique concrète , la musique électronique et la musique conceptuelle se sont toutes développées au cours du siècle. Le jazz et la musique folklorique ethnique sont devenus des influences importantes sur de nombreux compositeurs au cours de ce siècle.

Histoire

Au tournant du siècle, la musique était typiquement de style romantique tardif. Des compositeurs tels que Gustav Mahler , Richard Strauss et Jean Sibelius repoussaient les limites de l' écriture symphonique post-romantique . Parallèlement, le mouvement impressionniste , mené par Claude Debussy , se développe en France. Debussy détestait en effet le terme impressionnisme : « J'essaie de faire 'quelque chose de différent - en quelque sorte des réalités - ce que les imbéciles appellent 'impressionnisme' est un terme aussi mal utilisé que possible, notamment par les critiques d'art ». La musique de Maurice Ravel , également souvent qualifiée d'impressionniste, explore la musique dans de nombreux styles qui ne lui sont pas toujours liés (voir la discussion sur le néoclassicisme, ci-dessous).

Arnold Schoenberg, Los Angeles, 1948

De nombreux compositeurs ont réagi aux styles post-romantique et impressionniste et ont pris des directions assez différentes. Le moment le plus important dans la définition du cours de la musique tout au long du siècle a été la rupture généralisée avec la tonalité traditionnelle, effectuée de diverses manières par différents compositeurs au cours de la première décennie du siècle. De là est née une « pluralité linguistique » sans précédent de styles, de techniques et d'expression. À Vienne , Arnold Schoenberg développa l' atonalité , issue de l' expressionnisme né au début du XXe siècle. Il développa plus tard la technique dodécaphonique qui fut développée plus avant par ses disciples Alban Berg et Anton Webern ; des compositeurs ultérieurs (dont Pierre Boulez ) l'ont encore développé. Stravinsky (dans ses dernières œuvres) a également exploré la technique dodécaphonique, comme l'ont fait de nombreux autres compositeurs ; en effet, même Scott Bradley a utilisé cette technique dans ses partitions pour les dessins animés de Tom et Jerry .

Igor Stravinski

Après la Première Guerre mondiale, de nombreux compositeurs ont commencé à retourner dans le passé pour s'inspirer et ont écrit des œuvres qui en tirent des éléments (forme, harmonie, mélodie, structure). Ce type de musique est ainsi devenu étiqueté néoclassicisme . Igor Stravinsky ( Pulcinella ), Sergei Prokofiev ( Symphonie classique ), Ravel ( Le tombeau de Couperin ), Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro ) et Paul Hindemith ( Symphonie : Mathis der Maler ) ont tous produit des œuvres néoclassiques.

Des compositeurs italiens tels que Francesco Balilla Pratella et Luigi Russolo ont développé le futurisme musical . Ce style essayait souvent de recréer des sons du quotidien et de les placer dans un contexte « futuriste ». La "Machine Music" de George Antheil (à commencer par sa deuxième sonate, " The Airplane ") et d' Alexander Mosolov (plus notoirement sa fonderie de fer ) s'est développée à partir de cela. Le processus d'extension du vocabulaire musical en explorant toutes les tonalités disponibles a été poussé plus loin par l'utilisation de Microtones dans des œuvres de Charles Ives , Julián Carrillo , Alois Hába , John Foulds , Ivan Wyschnegradsky , Harry Partch et Mildred Couper, entre autres. Les microtons sont ces intervalles qui sont plus petits qu'un demi - ton ; les voix humaines et les cordes non frettées peuvent facilement les produire en allant entre les notes "normales", mais d'autres instruments auront plus de difficulté - le piano et l'orgue n'ont aucun moyen de les produire, à part le réaccordage et/ou la reconstruction majeure.

Dans les années 40 et 50, des compositeurs, notamment Pierre Schaeffer , ont commencé à explorer l'application de la technologie à la musique dans la musique concrète . Le terme musique électroacoustique a ensuite été inventé pour inclure toutes les formes de musique impliquant des bandes magnétiques , des ordinateurs , des synthétiseurs , des multimédias et d'autres appareils et techniques électroniques. Musique électronique en direct Live utilise des sons électroniques dans une performance (par opposition aux sons prétraitées qui sont overdubbed au cours d' une performance), John Cage de cartouche musique est un exemple précoce. La musique spectrale ( Gérard Grisey et Tristan Murail ) est un développement ultérieur de la musique électroacoustique qui utilise des analyses de spectres sonores pour créer de la musique. Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt , Luigi Nono et Edgard Varèse ont tous écrit de la musique électroacoustique.

À partir du début des années 1950, Cage introduit des éléments de hasard dans sa musique. Process music ( Karlheinz Stockhausen Prozession , Aus den sieben Tagen ; et Steve Reich Piano Phase , Clapping Music ) explore un processus particulier qui est essentiellement mis à nu dans l'œuvre. Le terme musique expérimentale a été inventé par Cage pour décrire des œuvres qui produisent des résultats imprévisibles, selon la définition « une action expérimentale est une action dont le résultat n'est pas prévu ». Le terme est également utilisé pour décrire la musique au sein de genres spécifiques qui repoussent leurs limites ou leurs définitions, ou dont l'approche est un hybride de styles disparates, ou incorpore des ingrédients peu orthodoxes, nouveaux et distinctement uniques.

D'importantes tendances culturelles ont souvent influencé la musique de cette période, romantique, moderniste, néoclassique, postmoderne ou autre. Igor Stravinsky et Sergei Prokofiev ont été particulièrement attirés par le primitivisme au début de leur carrière, comme exploré dans des œuvres telles que Le Sacre du printemps et Chout . D'autres Russes, notamment Dmitri Chostakovitch , ont reflété l'impact social du communisme et ont ensuite dû travailler dans les limites du réalisme socialiste dans leur musique. D'autres compositeurs, tels que Benjamin Britten ( War Requiem ), ont exploré des thèmes politiques dans leurs œuvres, bien qu'entièrement de leur propre gré. Le nationalisme était également un moyen d'expression important au début du siècle. La culture des États-Unis d'Amérique, en particulier, a commencé à informer un style vernaculaire américain de musique classique, notamment dans les œuvres de Charles Ives , John Alden Carpenter et (plus tard) George Gershwin . Musique folklorique (Vaughan Williams Cinq variantes de Dives et Lazare , Gustav Holst 's A Rhapsody Somerset ) et Jazz (Gershwin, Leonard Bernstein , Darius Milhaud de La création du monde ) ont également été influents.

Dans le dernier quart du siècle, l' éclectisme et le polystylisme prirent de l' importance. Ceux-ci, ainsi que le minimalisme , la nouvelle complexité et la nouvelle simplicité , sont explorés plus en détail dans leurs articles respectifs.

modes

Style romantique

A la fin du 19ème siècle (souvent appelé la Fin de siècle ), le style romantique commençait à s'effondrer, suivant divers cours parallèles, tels que l' impressionnisme et le post-romantisme . Au 20e siècle, les différents styles qui ont émergé de la musique du siècle précédent ont incité les compositeurs à suivre de nouvelles tendances, parfois en réaction à cette musique, parfois comme une extension de celle-ci, et les deux tendances ont coexisté jusqu'au 20e siècle. . Les anciennes tendances, telles que l' expressionnisme, sont discutées plus tard.

Au début du XXe siècle, de nombreux compositeurs ont écrit une musique qui était une extension de la musique romantique du XIXe siècle, et les groupes instrumentaux traditionnels tels que l' orchestre et le quatuor à cordes sont restés les plus typiques. Les formes traditionnelles telles que la symphonie et le concerto sont restées en usage. Gustav Mahler et Jean Sibelius sont des exemples de compositeurs qui ont repris les formes symphoniques traditionnelles et les ont retravaillées. (Voir Musique romantique .) Certains auteurs soutiennent que l'œuvre de Schoenberg s'inscrit carrément dans la tradition du romantisme tardif de Wagner et Brahms et, plus généralement, que « le compositeur qui relie le plus directement et complètement la fin de Wagner et le 20e siècle est Arnold Schoenberg ».

Néoclassicisme

Le néoclassicisme était un style cultivé entre les deux guerres mondiales, qui cherchait à faire revivre les formes équilibrées et les processus thématiques clairement perceptibles des XVIIe et XVIIIe siècles, dans une répudiation de ce qui était considéré comme des gestes exagérés et sans forme du romantisme tardif. Parce que ces compositeurs ont généralement remplacé la tonalité fonctionnelle de leurs modèles par une tonalité, une modalité ou une atonalité étendue, le terme est souvent interprété comme impliquant une parodie ou une distorsion du style baroque ou classique. Des exemples célèbres incluent la Symphonie classique de Prokofiev et la Pulcinella de Stravinsky , la Symphonie des psaumes et le Concerto en mi bémol "Dumbarton Oaks" . Paul Hindemith ( Symphonie : Mathis der Maler ), Darius Milhaud , Francis Poulenc ( Concert champêtre ) et Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro , Concerto pour clavecin ) ont également utilisé ce style. Maurice Ravel de Le Tombeau de Couperin est souvent considérée comme néo-baroque (un terme architectural), bien que la distinction entre les termes ne sont pas toujours fait.

Composition classique influencée par le jazz

George Gershwin

Un certain nombre de compositeurs ont combiné des éléments de l' idiome du jazz avec des styles de composition classiques, notamment :

Mouvements

Impressionnisme

Claude Debussy (1908)

L'impressionnisme a commencé en France comme une réaction, dirigée par Claude Debussy , contre l'exubérance émotionnelle et les thèmes épiques du romantisme allemand illustrés par Wagner . De l'avis de Debussy, l'art était une expérience sensuelle, plutôt qu'intellectuelle ou éthique. Il exhorte ses compatriotes à redécouvrir les maîtres français du XVIIIe siècle, pour qui la musique est censée charmer, divertir et servir de "fantaisie des sens".

D'autres compositeurs associés à l'impressionnisme incluent Maurice Ravel , Albert Roussel , Isaac Albéniz , Paul Dukas , Manuel de Falla , Charles Martin Loeffler , Charles Griffes , Frederick Delius , Ottorino Respighi , Cyril Scott et Karol Szymanowski . De nombreux compositeurs français ont continué la langue de l'impressionnisme à travers les années 1920 et plus tard, y compris Albert Roussel , Charles Koechlin , André Caplet et, plus tard, Olivier Messiaen . Les compositeurs de cultures non occidentales, tels que Tōru Takemitsu , et les musiciens de jazz tels que Duke Ellington , Gil Evans , Art Tatum et Cecil Taylor ont également été fortement influencés par le langage musical impressionniste.

Modernisme

Futurisme

Filippo Tommaso Marinetti

A sa conception, le Futurisme était un mouvement artistique italien fondé en 1909 par Filippo Tommaso Marinetti ; il fut rapidement adopté par l'avant-garde russe. En 1913, le peintre Luigi Russolo publie un manifeste, L'arte dei rumeuri (L'art des bruits), appelant à l'incorporation de bruits de toutes sortes dans la musique. Outre Russolo, les compositeurs directement associés à ce mouvement sont les Italiens Silvio Mix, Nuccio Fiorda, Franco Casavola et Pannigi (dont le Ballo meccanico de 1922 comprenait deux motos), et les Russes Artur Lourié, Mikhail Matyushin et Nikolai Roslavets .

Bien que peu d'œuvres futuristes de ces compositeurs soient jouées aujourd'hui, l'influence du futurisme sur le développement ultérieur de la musique du XXe siècle a été énorme. Sergueï Prokofiev , Maurice Ravel , Igor Stravinsky , Arthur Honegger , George Antheil , Leo Ornstein et Edgard Varèse font partie des compositeurs notables de la première moitié du siècle qui ont été influencés par le futurisme. Les caractéristiques de la musique de la fin du XXe siècle avec des origines futuristes incluent le piano préparé , le sérialisme intégral , les techniques vocales étendues, la notation graphique, l' improvisation et le minimalisme .

Dissonance libre et expérimentalisme

Au début du XXe siècle, Charles Ives a intégré les traditions américaines et européennes ainsi que les styles vernaculaires et religieux, tout en utilisant des techniques innovantes dans son rythme, son harmonie et sa forme. Sa technique comprenait l'utilisation de la polytonalité , de la polyrythmie , des groupes de tons , des éléments aléatoires et des quarts de tons . Edgard Varèse a écrit des pièces hautement dissonantes qui utilisaient des sonorités inhabituelles et des noms futuristes à consonance scientifique. Il a été le pionnier de l'utilisation de nouveaux instruments et de ressources électroniques (voir ci-dessous).

Expressionnisme

À la fin des années 1920, bien que de nombreux compositeurs aient continué à écrire d'une manière vaguement expressionniste, il était supplanté par le style plus impersonnel de la Neue Sachlichkeit allemande et du néoclassicisme . Parce que l'expressionnisme, comme tout mouvement qui avait été stigmatisé par les nazis, a été reconsidéré avec sympathie après la Seconde Guerre mondiale, la musique expressionniste a refait surface dans des œuvres de compositeurs tels que Hans Werner Henze , Pierre Boulez , Peter Maxwell Davies , Wolfgang Rihm et Bernd Alois Zimmermann .

Musique postmoderne

Le postmodernisme est une réaction au modernisme, mais il peut aussi être considéré comme une réponse à un changement profond d'attitude de la société. Selon ce dernier point de vue, le postmodernisme a commencé lorsque l'optimisme historique (par opposition à personnel) s'est transformé en pessimisme, au plus tard en 1930.

John Cage est une figure éminente de la musique du XXe siècle, revendiquée avec une certaine justice à la fois pour le modernisme et le postmodernisme, car les intersections complexes entre modernisme et postmodernisme ne sont pas réductibles à de simples schémas. Son influence n'a cessé de croître au cours de sa vie. Il utilise souvent des éléments de hasard : Imaginary Landscape No. 4 pour 12 récepteurs radio, et Music of Changes pour piano. Sonatas and Interludes (1946–48) est composé pour un piano préparé : un piano normal dont le timbre est considérablement modifié en plaçant soigneusement divers objets à l'intérieur du piano en contact avec les cordes. Actuellement, le postmodernisme comprend des compositeurs qui réagissent contre l'avant-garde et les styles expérimentaux de la fin du 20e siècle tels que Astor Piazzolla , Argentine et Miguel del Aguila , États-Unis.

Minimalisme

À la fin du 20e siècle, des compositeurs tels que La Monte Young , Arvo Pärt , Philip Glass , Terry Riley , Steve Reich et John Adams ont commencé à explorer ce qu'on appelle aujourd'hui le minimalisme , dans lequel l'œuvre est réduite à ses caractéristiques les plus fondamentales ; la musique comporte souvent des répétitions et des itérations. Un premier exemple est In C de Terry Riley (1964), une œuvre aléatoire dans laquelle de courtes phrases sont choisies par les musiciens à partir d'une liste établie et jouées un nombre arbitraire de fois, tandis que la note C est répétée en croches (croches) derrière eux. .

Les œuvres de Steve Reich Piano Phase (1967, pour deux pianos) et Drumming (1970-71, pour percussions, voix de femmes et piccolo) utilisent la technique appelée phasing dans laquelle une phrase jouée par un joueur maintenant un rythme constant est jouée simultanément par un autre. mais à un rythme un peu plus rapide. Cela amène les joueurs à se "déphaser" les uns avec les autres et la performance peut continuer jusqu'à ce qu'ils reviennent en phase. Selon Reich, « Le tambour est l'expansion et le raffinement finals du processus de mise en phase, ainsi que la première utilisation de quatre nouvelles techniques : (1) le processus de substitution progressive des battements aux silences (ou des silences aux battements) ; (2) le changement progressif de timbre tandis que le rythme et la hauteur restent constants ; (3) la combinaison simultanée d'instruments de timbre différent; et (4) l'utilisation de la voix humaine pour faire partie de l'ensemble musical en imitant le son exact des instruments ». Le tambour était la dernière utilisation par Reich de la technique de mise en phase.

1 + 1 de Philip Glass (1968) utilise le processus additif dans lequel de courtes phrases sont lentement développées. Les Compositions de La Monte Young 1960 utilisent des tons très longs, des volumes exceptionnellement élevés et des techniques extra-musicales telles que "tracer une ligne droite et la suivre" ou "construire un feu". Michael Nyman soutient que le minimalisme était une réaction et rendu possible par le sérialisme et l'indéterminisme. (Voir aussi musique expérimentale .)

Technique

Atonalité et technique dodécaphonique

Arnold Schoenberg est l'une des figures les plus marquantes de la musique du XXe siècle. Alors que ses premières œuvres étaient dans un style romantique tardif influencé par Wagner ( Verklärte Nacht , 1899), cela a évolué vers un idiome atonal dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale ( Drei Klavierstücke en 1909 et Pierrot Lunaire en 1912). En 1921, après plusieurs années de recherche, il développa la technique de composition dodécaphonique , qu'il décrivit pour la première fois en privé à ses associés en 1923. Sa première œuvre à grande échelle entièrement composée à l'aide de cette technique fut le Quintette à vent , op. 26, écrit en 1923-1924. Les exemples ultérieurs incluent les Variations pour orchestre , op. 31 (1926-1928), les troisième et quatrième quatuors à cordes (1927 et 1936, respectivement), le concerto pour violon (1936) et le concerto pour piano (1942). Des années plus tard, il revient par intermittence à un style plus tonal ( Kammersymphonie n° 2 , commencée en 1906 mais achevée seulement en 1939 ; Variations sur un récitatif pour orgue en 1941).

Il a enseigné à Anton Webern et Alban Berg et ces trois compositeurs sont souvent désignés comme les principaux membres de la deuxième école viennoise (Haydn, Mozart et Beethoven - et parfois Schubert - étant considérés comme la première école viennoise dans ce contexte). Webern a écrit des œuvres en utilisant une méthode dodécaphonique rigoureuse et a influencé le développement du sérialisme total . Berg, comme Schoenberg, a utilisé une technique à douze tons dans un style romantique tardif ou post-romantique ( Concerto pour violon , qui cite un choeur de Bach et utilise la forme classique). Il a écrit deux grands opéras ( Wozzeck et Lulu ).

Musique électronique

Edgard Varèse, l'un des pionniers de la musique électronique

Le développement de la technologie d'enregistrement a rendu tous les sons disponibles pour une utilisation potentielle comme matériel musical. La musique électronique fait généralement référence à un répertoire de musique artistique développé dans les années 1950 en Europe, au Japon et dans les Amériques. La disponibilité croissante de la bande magnétique au cours de cette décennie a fourni aux compositeurs un support permettant d'enregistrer les sons et de les manipuler ensuite de diverses manières. Toute la musique électronique dépend de la transmission via des haut-parleurs, mais il en existe deux grands types : la musique acousmatique , qui n'existe que sous forme enregistrée destinée à l'écoute par haut-parleur, et la musique électronique en direct, dans laquelle des appareils électroniques sont utilisés pour générer, transformer ou déclencher des sons pendant performances de musiciens utilisant des voix, des instruments traditionnels, des instruments électroacoustiques ou d'autres appareils. À partir de 1957, les ordinateurs sont devenus de plus en plus importants dans ce domaine. Lorsque le matériau source était des sons acoustiques du monde de tous les jours, le terme musique concrète était utilisé ; lorsque les sons étaient produits par des générateurs électroniques, on l' appelait musique électronique . Après les années 1950, le terme « musique électronique » a été utilisé pour les deux types. Parfois, cette musique électronique était combinée à des instruments plus conventionnels, l' Hymne de Stockhausen , les Déserts d' Edgard Varèse et la série Synchronisms de Mario Davidovsky en sont trois exemples.

Autres compositeurs notables du XXe siècle

Divers compositeurs éminents du XXe siècle ne sont associés à aucun mouvement de composition largement reconnu. La liste ci-dessous comprend certains d'entre eux, ainsi que plusieurs compositeurs classifiables notables qui ne sont pas mentionnés dans les parties précédentes de cet article :

Voir également

Les références

Citations
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Liens externes