Art - Art


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De gauche à en haut à gauche: un auto-portrait par Van Gogh ; une figure ancêtre féminin par un Chokwe artiste; détail de la naissance de Vénus par Sandro Botticelli ; et un Okinawan lion Shisa .

Art est un large éventail d' activités humaines dans la création visuelle, auditive artefacts ou d' effectuer ( œuvres d' art ), exprimant l'auteur imaginatif , conceptuel idée compétences ou techniques, destinés à être appréciés pour leur beauté ou de la puissance émotionnelle. Dans leur forme la plus générale , ces activités comprennent la production d'œuvres d'art, la critique de l' art, l'étude de l'histoire de l' art et la diffusion esthétique de l' art.

Les trois branches classiques de l' art sont la peinture , la sculpture et l' architecture . Musique , théâtre , cinéma , danse et autres arts de la scène , ainsi que la littérature et d' autres médias tels que les médias interactifs , sont inclus dans une définition plus large des arts . Jusqu'au 17ème siècle, l' art fait référence à une compétence ou la maîtrise et n'a pas été différenciée de l' artisanat ou les sciences . Dans l' usage moderne après le 17ème siècle, où les considérations esthétiques sont primordiales, les beaux - arts sont séparés et distingués des compétences acquises en général, comme les décoratifs ou les arts appliqués .

Bien que la définition de ce qui constitue l' art est contesté et a changé au fil du temps, des descriptions générales mentionnent une idée de compétence imaginative ou technique découlant de l' activité humaine et de la création. La nature de l' art et des concepts connexes, tels que la créativité et l' interprétation, sont explorées dans une branche de la philosophie dite esthétique .

art créatif et art

Les œuvres d'art peuvent raconter des histoires ou simplement exprimer une vérité esthétique ou un sentiment. Panorama d'une section de Mille Li de montagnes et des rivières , une peinture du 12ème siècle par dynastie des Song artiste Wang Ximeng .

Dans la perspective de l'histoire de l' art, les œuvres artistiques existent depuis presque aussi longtemps que l' humanité: à partir du début l' art préhistorique à l' art contemporain ; Cependant, certaines théories restreignent le concept des « œuvres artistiques » aux sociétés occidentales modernes. L' un des premiers sens de la définition de l' art est étroitement lié à l'ancien sens latin, qui signifie grosso modo « compétences » ou « métier » , comme associée à des mots tels que « artisan ». Mots anglais dérivés de ce sens comprennent artefact , artificiel , artifice , arts médicaux et arts militaires . Cependant, il y a beaucoup d' autres usages familiers du mot, toutes avec une certaine relation avec son étymologie .

bouteille Rwanda du 20e siècle. Les oeuvres artistiques peuvent servir des fonctions pratiques, en plus de leur valeur décorative.

Au fil du temps, des philosophes comme Platon , Aristote , Socrate et Kant , entre autres, mis en doute la signification de l' art. Plusieurs dialogues de Platon abordent des questions sur l' art: Socrate dit que la poésie est inspirée par les muses , et n'est pas rationnel. Il parle approbateur de cela, et d' autres formes de la folie divine ( l' ivresse, l' érotisme, et le rêve) dans le Phèdre (265a-c), et encore en République veut hors la loi du grand art poétique d'Homère, et le rire aussi. En Ion , Socrate ne donne aucune indication de la désapprobation d'Homère qu'il exprime dans la République . Le dialogue Ion suggère que Homer l » Iliade a fonctionné dans l'ancien monde grec comme la Bible le fait aujourd'hui dans le monde chrétien moderne: l'art littéraire d' inspiration divine qui peut fournir une orientation morale, si seulement il peut être correctement interprétée.

En ce qui concerne l'art littéraire et les arts musicaux, Aristote considérait la poésie épique , la tragédie, la comédie, la poésie dithyrambe et de la musique pour être mimétique art ou imitative, chacun variant à l' imitation par le milieu, l' objet, et la manière. Par exemple, la musique imite avec les médias du rythme et de l' harmonie, alors que la danse imite avec le rythme seul, et la poésie avec le langage. Les formes se distinguent également par leur objet d'imitation. Comédie, par exemple, est une imitation dramatique des hommes pires que la moyenne; alors que la tragédie imite les hommes un peu mieux que la moyenne. Enfin, les formes diffèrent dans leur façon de récit imitation par ou caractère, par le changement ou pas de changement, et par le théâtre ou pas de drame. Aristote croyait que l' imitation est naturelle à l' humanité et constitue l' un des avantages de l' humanité sur les animaux.

La seconde, et plus récemment, le sens du mot art comme une abréviation de l' art créatif ou art a émergé au début du 17ème siècle. D' art se réfère à une compétence utilisée pour exprimer la créativité de l'artiste, ou d'engager des sensibilités esthétiques du public, ou pour attirer le public vers l' examen des plus raffinés ou plus fine œuvre d'art.

Au sein de ce dernier sens, le mot art peut se référer à plusieurs choses: (i) une étude d'une compétence créatrice, (ii) un processus d'utilisation du savoir - faire créatif, (iii) un produit de la compétence créatrice, ou (iv) l'expérience de l' auditoire avec le savoir - faire créatif. Les arts créatifs ( art comme discipline) sont une collection de disciplines qui produisent des œuvres d' art ( art comme des objets) qui sont contraints par un lecteur personnel (art comme activité) et de transmettre un message, l' humeur ou le symbolisme du perceiver à interpréter (art expérience). L' art est quelque chose qui stimule les pensées, les émotions, les croyances ou des idées d'un individu par les sens. Les œuvres d'art peuvent être explicitement fait à cet effet ou interprétées sur la base d'images ou d' objets. Pour certains chercheurs, comme Kant , les sciences et les arts pourraient être distingués en prenant la science comme représentant le domaine des connaissances et des arts comme représentant le domaine de la liberté d'expression artistique.

Souvent, si la compétence est utilisée de manière commune ou pratique, les gens vont considérer un métier au lieu de l' art. De même, si la compétence est utilisée à des fins commerciales ou industrielles, il peut être considéré comme l' art commercial au lieu de beaux - arts. D'autre part, l' artisanat et le design sont parfois considérés comme des arts appliqués . Certains adeptes de l' art ont fait valoir que la différence entre art et art appliqué a plus à faire avec des jugements de valeur faits sur l'art que toute différence définitoire. Cependant, même art a souvent des objectifs au - delà de la pure créativité et l' expression de soi. Le but des œuvres d'art peut être de communiquer des idées, comme dans l' art politique, spirituel ou philosophique motivé; pour créer un sens de la beauté (voir l' esthétique ); pour explorer la nature de la perception; pour le plaisir; ou pour générer de fortes émotions . Le but peut également être apparemment inexistante.

La nature de l' art a été décrit par le philosophe Richard Wollheim comme « l' un des plus insaisissable des problèmes traditionnels de la culture humaine ». L' art a été défini comme un véhicule pour l'expression ou la communication des émotions et des idées, un moyen pour explorer et d' apprécier les éléments formels pour eux-mêmes, et comme mimesis ou représentation . L' art comme mimesis a des racines profondes dans la philosophie d' Aristote . Léon Tolstoï a identifié l' art comme une utilisation des moyens indirects pour communiquer d'une personne à l' autre. Benedetto Croce et Collingwood avancé l' idéaliste vue que l' art exprime des émotions, et que l'œuvre d'art existe donc essentiellement dans l'esprit du créateur. La théorie de l' art comme forme a ses racines dans la philosophie de Kant , et a été développé au début du XXe siècle par Roger Fry et Clive Bell . Plus récemment, les penseurs influencés par Martin Heidegger ont interprété l' art comme les moyens par lesquels une communauté se développe pour lui - même un moyen d'expression de soi et l' interprétation. George Dickie a offert une théorie institutionnelle de l' art qui définit une œuvre d'art comme tout objet sur lequel une personne qualifiée ou des personnes agissant au nom de l'institution sociale communément appelée « le monde de l' art » a conféré « le statut de candidat à l' appréciation ». Larry Shiner a décrit art comme « non une essence ou un destin , mais quelque chose que nous avons fait. L' art comme nous l' avons généralement compris est une invention européenne à peine deux cents ans. »

L' art peut être caractérisé en termes de mimesis (sa représentation de la réalité), récit (narration), l' expression, la communication de l' émotion, ou d' autres qualités. Au cours de la période romantique , l' art est venu à être considéré comme « une faculté particulière de l'esprit humain à classer avec la religion et la science ».

L'histoire

Vénus de Willendorf , environ 24,000-22,000  BP

Les formes les plus anciennes documentées d'art sont les arts visuels , qui comprennent la création d'images ou d' objets dans les domaines , y compris la peinture d'aujourd'hui, la sculpture, la gravure , la photographie, et d' autres médias visuels. Sculptures, peintures rupestres , des peintures rupestres et pétroglyphes du paléolithique supérieur datant il y a environ 40000 années ont été trouvés, mais la signification précise de cet art est souvent contestée parce que peu de données sur les cultures qui les ont produites. Les plus anciens objets d'art dans le monde une série de coquilles d'escargots minuscules, forés environ 75.000 ans, ont été découverts dans une caverne sud - africaine. Les conteneurs qui peuvent avoir été utilisés pour maintenir les peintures ont été trouvés datant d' aussi loin que 100.000 ans. Coquilles par décapées Homo erectus de 430.000 et il y a 540.000 ans ont été découverts en 2014.

Peinture rupestre d'un cheval des Lascaux grottes, environ 16 000 BP

De nombreuses grandes traditions de l'art ont une base dans l'art de l' une des grandes civilisations antiques: l' Egypte ancienne , la Mésopotamie , la Perse , l' Inde, la Chine, la Grèce antique, Rome, ainsi que Inca , Maya et olmèque . Chacun de ces centres de première civilisation a développé un style unique et caractéristique dans son art. En raison de la taille et la durée de ces civilisations, plus de leurs œuvres d'art ont survécu et plus de leur influence a été transmise à d' autres cultures et les temps plus tard. Certains ont également fourni les premiers disques de la façon dont les artistes ont travaillé. Par exemple, cette période de l' art grec a vu une vénération de la forme physique humaine et le développement des compétences équivalentes pour montrer la musculature, l' équilibre, la beauté et les proportions anatomiquement correctes.

En byzantin et l' art médiéval du Moyen Age occidental, beaucoup d' art axé sur l'expression des sujets sur la culture biblique et religieux, et les styles utilisés qui ont montré la gloire plus d'un monde céleste, comme l'utilisation de l' or dans l'arrière - plan de peintures, ou de verre de mosaïques ou de fenêtres, qui présentaient également des chiffres dans des formes idéalisées, modelé (plat). Néanmoins, une tradition réaliste classique a persisté dans de petites œuvres byzantines, et le réalisme n'a cessé de croître dans l'art de l' Europe catholique .

Art de la Renaissance avait un accent beaucoup plus sur la représentation réaliste du monde matériel, et la place de l' homme en elle, reflétée dans la corporéité du corps humain, et le développement d'une méthode systématique de point de vue graphique pour représenter la récession en trois dimensions espace d'image.

La signature stylisée du sultan Mahmud II de l' Empire ottoman a été écrit dans la calligraphie islamique . Il lit « Mahmud Khan fils de Abdulhamid est toujours victorieux ».
La Grande Mosquée de Kairouan en Tunisie, aussi appelée la mosquée de Oqba, est l' un des meilleurs, des exemples les plus significatifs et les mieux préservés artistiques et architecturales des premières grandes mosquées. Fait dans son état actuel du 9ème siècle, il est l'ancêtre et le modèle de toutes les mosquées dans les terres islamiques occidentales.

Dans l'est, l' art islamique rejet » de l' iconographie a conduit à l' accent sur des motifs géométriques , la calligraphie et l' architecture . Plus à l' est, la religion a dominé les styles et formes artistiques aussi. L' Inde et le Tibet ont vu l' accent sur des sculptures peintes et la danse, tandis que la peinture religieuse emprunte de nombreuses conventions de sculpture et avaient tendance à des couleurs vives contrastant avec l' accent sur les contours. La Chine a vu l'épanouissement de nombreuses formes d'art: la sculpture de jade, bronzes, poteries (y compris la magnifique armée en terre cuite de l' empereur Qin), la poésie, la calligraphie, la musique, la peinture, le théâtre, fiction, etc. styles chinois varient considérablement d' une époque à l' autre et chaque on est traditionnellement nommé d' après la dynastie régnante. Ainsi, par exemple, la dynastie des Tang peintures sont monochromes et rares, mettant l' accent sur les paysages idéalisés, mais la dynastie Ming peintures sont très occupés et coloré, et se concentrer sur raconter des histoires via les réglages et la composition. Le Japon nomme ses styles après dynasties impériales aussi, et ont également vu interaction beaucoup plus entre les styles de calligraphie et de la peinture. L' impression xylographique est devenu important au Japon après le 17ème siècle.

Peinture par dynastie des Song artiste Ma Lin, vers 1250. 24.8 × 25.2 cm

L'ouest des Lumières au 18ème siècle a vu des représentations artistiques de certitudes physiques et rationnelles de l'univers horloger, ainsi que des visions politiques révolutionnaires d'un monde post-monarchiste, comme Blake portrait de Newton comme geometer divine, ou David « s peintures propagandísticas. Cela a conduit à romantiques refus de ce en faveur des images du côté émotionnel et l' individualité de l'être humain, illustrés dans les romans de Goethe . La fin du 19ème siècle vit alors une foule de mouvements artistiques tels que l' art académique , le symbolisme , l' impressionnisme et le fauvisme entre autres.

L'histoire de l' art du XXe siècle , est un récit des possibilités infinies et la recherche de nouvelles normes, chacun étant démolis successivement par l'autre. Ainsi , les paramètres de l' impressionisme , l' expressionnisme , le fauvisme , le cubisme , le dadaïsme , le surréalisme , etc. ne peuvent pas être maintenus très bien au - delà du temps de leur invention. L' augmentation globale interaction durant cette période a vu une influence équivalente d'autres cultures dans l' art occidental. Ainsi, des estampes japonaises (eux - mêmes influencés par Western Renaissance draftsmanship) ont eu une immense influence sur l' impressionisme et le développement ultérieur. Plus tard, des sculptures africaines ont été reprises par Picasso et dans une certaine mesure par Matisse . De même, dans les 19e et 20e siècles , l'Occident a eu d' énormes répercussions sur l' art de l' Est avec l' origine des idées occidentales comme le communisme et postmodernisme exercent une influence puissante.

Modernisme , la recherche de la vérité idéaliste, a cédé la place dans la seconde moitié du 20e siècle à une réalisation de son inaccessibilité. Theodor W. Adorno a dit en 1970: « Il est maintenant pris pour acquis que rien de ce qui concerne l' art peut être pris pour acquis plus: ni l' art lui - même, ni l' art par rapport à l'ensemble, ni même le droit de l' art d'exister. » Relativisme a été accepté comme une vérité inévitable, ce qui a conduit à la période de l' art contemporain et la critique post - moderne , où les cultures du monde et de l' histoire sont considérées comme des formes changeantes, qui peuvent être appréciées et tirer seulement avec scepticisme et d' ironie. En outre, la séparation des cultures est de plus en plus floue et certains soutiennent qu'il est plus approprié de penser en termes d'une culture mondiale, plutôt que de les régionaux.

Dans L'origine de l'œuvre d'art , Martin Heidegger , philosophe allemand et un penseur séminal, décrit l'essence de l' art en termes de concepts d'être et de la vérité. Il fait valoir que l' art est non seulement une façon d'exprimer l'élément de la vérité dans une culture, mais les moyens de créer et fournir un tremplin à partir duquel « ce qui est » peut être révélé. Les œuvres d'art ne sont pas seulement des représentations de la façon dont les choses sont, mais produisent effectivement la compréhension commune d'une communauté. Chaque fois qu'une nouvelle illustration est ajoutée à une culture, le sens de ce qu'il est d'exister est intrinsèquement changé.

Formulaires, genres, les médias et les styles

Napoléon Ier sur son trône impérial par Ingres (français, 1806), huile sur toile

Les arts créatifs sont souvent divisés en catégories plus spécifiques, généralement le long des catégories distinctes perceptuel telles que les médias , le genre, les styles , et la forme. Forme d'art se réfère aux éléments d'art indépendants de son interprétation ou de l' importance. Elle porte sur les méthodes adoptées par l'artiste et la physique composition de l'œuvre, principalement les aspects non-sémantiques du travail (c. -à- Figurae ), tels que la couleur , contour , dimension , moyenne , mélodie , l' espace , la texture et la valeur . Formulaire peut également inclure des principes de conception visuelle , comme arrangement, l' équilibre , le contraste , l' accent , l' harmonie , la proportion , la proximité et le rythme.

En général , il y a trois écoles de philosophie en ce qui concerne l' art, en se concentrant respectivement sur la forme, le contenu et le contexte. Extreme Formalisme est le point de vue que toutes les propriétés esthétiques de l' art sont formelles (qui est une partie de la forme d'art). Philosophes rejettent presque toujours ce point de vue et soutiennent que les propriétés et l' esthétique de l' art vont au - delà des matériaux, des techniques et de la forme. Malheureusement, il y a peu de consensus sur la terminologie de ces propriétés informelles. Certains auteurs parlent de sujet et de contenu - c. -à- dénotations et connotations - tandis que d' autres préfèrent des termes tels que le sens et la signification .

Extreme intentionnalisme estime que l' intention authorial joue un rôle décisif dans le sens d'une œuvre d'art, transmettre le contenu ou l' idée principale essentielle, alors que toutes les autres interprétations peuvent être mis au rebut. Elle définit le sujet comme les personnes ou idée représentée, et le contenu comme l'expérience de ce sujet de l'artiste. Par exemple, la composition de Napoléon Ier sur son trône impérial est en partie empruntée à la Statue de Zeus à Olympie . Comme en témoigne le titre, le sujet est Napoléon , et le contenu est Ingres représentation de Napoléon comme « Empereur-Dieu au - delà du temps et de l' espace ». De même formalisme extrême, les philosophes rejettent généralement intentionnalisme extrême, parce que l' art peut avoir plusieurs significations ambiguës et intention de l' auteur peut être inconnaissable et donc hors de propos. Son interprétation restrictive est « socialement malsaine, philosophiquement irréel, et politiquement peu judicieux ».

Enfin, la théorie du développement post-structuralisme étudie l'importance de l' art dans un contexte culturel, comme les idées, les émotions et les réactions suscitées par un travail. Le contexte culturel réduit souvent les techniques et les intentions de l'artiste, dans laquelle l' analyse de cas applique les mêmes au formalisme et intentionnalisme. Cependant, dans d' autres cas , les conditions historiques et matérielles peuvent prédominer, telles que les convictions religieuses et philosophiques, des structures économiques et socio - politiques, ou même le climat et la géographie. La critique d'art continue de grandir et se développer aux côtés de l' art.

Savoir-faire et l'artisanat

Adam . Détail de Michel - Ange fresque de la chapelle Sixtine (1511)

L' art peut connoter un sentiment de capacité ou une formation maîtrise d'un moyen . L' art peut également se référer simplement à l'utilisation développée et efficace d'un langage pour transmettre un sens avec l' immédiateté et ou la profondeur. L' art peut être défini comme un acte de l' expression des sentiments, des pensées et des observations.

Il y a une compréhension qui est atteinte avec le matériau à la suite de la manipulation, ce qui facilite ses processus de pensée. Une vision commune est que l' épithète « art », notamment dans son sens élevé, exige un certain niveau d'expertise créative de l'artiste, que ce soit une démonstration de la capacité technique, une originalité dans l' approche stylistique, ou une combinaison de ces deux. Traditionnellement compétences d'exécution a été considérée comme une qualité inséparable de l' art et donc nécessaires à son succès; pour Leonardo da Vinci , l' art, ni plus ni moins que ses autres activités, était une manifestation de compétence. Rembrandt travail de maintenant loué pour ses vertus éphémères, était le plus apprécié par ses contemporains pour sa virtuosité. Au tournant du 20e siècle, les performances adroites de John Singer Sargent ont été tour à tour admirés et avec scepticisme pour leur aisance manuelle, mais à peu près en même temps l'artiste qui deviendrait le plus reconnu et péripatéticienne iconoclaste, de l'époque Pablo Picasso , était remplir une formation académique traditionnelle au cours de laquelle il a excellé.

Détail de Leonardo da Vinci de Mona Lisa , montrant la technique de la peinture de sfumato

Une critique commune contemporaine de certains art moderne se produit le long des lignes de objectant à l'absence apparente de compétence ou la capacité nécessaire à la production de l'objet artistique. Dans l' art conceptuel, Marcel Duchamp « de Fountain » est parmi les premiers exemples de pièces où l'artiste a utilisé des objets trouvés ( « ready-made ») et exercé aucun ensemble traditionnellement reconnu des compétences. Tracey Emin 's My Bed , ou Damien Hirst est l'impossibilité physique de la mort dans l'esprit d' une personne vivant suivre cet exemple et de manipuler aussi les médias. Emin a dormi (et engagé dans d' autres activités) dans son lit avant de placer le résultat dans une galerie comme œuvre d'art. Hirst est venu avec la conception de l'œuvre , mais a laissé la majeure partie de la création éventuelle de nombreux ouvrages aux artisans employés. La célébrité de Hirst est fondée entièrement sur sa capacité à produire des concepts choquants. La production réelle dans de nombreuses œuvres conceptuelles et d'art contemporain est une question d'assemblage d'objets trouvés. Cependant, il y a beaucoup d' artistes modernistes et contemporains qui continuent d'exceller dans les compétences du dessin et de la peinture et dans la création de mains sur des œuvres d'art.

Objectif

Un tapis Navajo fait vers 1880
Mozarabe Beatus miniature . Espagne, fin du 10ème siècle

L'art a eu un grand nombre de fonctions différentes tout au long de son histoire, ce qui rend son objectif difficile à quantifier abstrait ou à un seul concept. Cela ne signifie pas que le but de l'art est « vague », mais qu'il a eu de nombreuses raisons uniques, différentes pour être créé. Certaines de ces fonctions d'art sont prévues dans le schéma suivant. Les différents objets de l'art peuvent être regroupés en fonction de ceux qui sont non motivés, et ceux qui sont motivés (Lévi-Strauss).

Fonctions non motivées

Les buts non motivés d'art sont ceux qui font partie intégrante de l'être humain, transcender l'individu, ou ne remplissent pas un but externe spécifique. En ce sens, l'art, la créativité, est quelque chose que les humains doivent faire par leur nature même (c.-à aucune autre espèce crée l'art), et est donc au-delà de l'utilité.

  1. L' instinct humain de base pour l' harmonie, l' équilibre, le rythme . Art à ce niveau ne constitue pas une action ou un objet, mais une appréciation interne deéquilibre etharmonie (beauté), et donc un aspect deêtre humain audelàutilité.

    L'imitation est donc un instinct de notre nature. Ensuite, il y a l'instinct de « harmonie » et le rythme, à quelques mètres étant des sections manifestement de rythme. Les personnes, donc, à commencer par ce don naturel développé par degrés leurs aptitudes spéciales, jusqu'à ce que leurs improvisations grossiers ont donné naissance à la poésie. - Aristote

  2. L' expérience de la mystérieuse. Art offre un moyen d'expérimenter soi - même par rapport à l'univers. Cette expérience peut souvent venir démotivés, comme on apprécie l' art, la musique ou la poésie.

    La chose la plus belle que nous pouvons expérimenter est le mystère. Il est la source de tout art véritable et de la science. - Albert Einstein

  3. L' expression de l'imagination. Art offre un moyen d'exprimer l'imagination d' une manière non qui ne sont pas grammaticales liées à la formalité de la langue parlée ou écrite. Contrairement à mots, qui viennent dans des séquences et qui ont chacun un sens défini, l' art offre une gamme de formes, des symboles et des idées avec des significations qui sont malléables.

    l'aigle de Jupiter [comme un exemple de l'art] est pas, comme logique (esthétique) les attributs d'un objet, le concept de la sublimité et la majesté de la création, mais plutôt quelque chose d'autre, quelque chose qui donne à l'imagination une incitation à étendre son vol sur une hôte de représentations parenté qui provoquent plus de réflexion que d'expression dans admet un concept déterminé par des mots. Ils fournissent une idée esthétique, qui sert l'idée rationnelle ci-dessus comme un substitut à la présentation logique, mais avec le bon fonctionnement, cependant, d'animer l'esprit en ouvrant pour une perspective dans un champ de parenté représentations Débordant son ken. - Emmanuel Kant

  4. Fonctions ritualistes et symboliques. Dans de nombreuses cultures, l' art est utilisé dans des rituels, des spectacles et des danses comme une décoration ou un symbole. Bien que ceux - ci ont souvent aucun but utilitaire (motivé) spécifique, les anthropologues savent qu'ils servent souvent un but au niveau du sens dans une culture particulière. Ce sens n'est pas fourni par une seule personne, mais est souvent le résultat de plusieurs générations de changement et d'une relation cosmologique dans la culture.

    La plupart des chercheurs qui traitent des peintures rupestres ou des objets récupérés dans des contextes préhistoriques qui ne peuvent être expliqués en termes utilitaires et sont donc classés comme décoratif, rituel ou symbolique, sont conscients du piège posé par le terme « art ». - Silva Tomášková

fonctions motivé

fins Motivés d'art font référence à des actions intentionnelles, conscientes de la part des artistes ou créateur. Ceux-ci peuvent être d'apporter des changements politiques, de commenter un aspect de la société, de transmettre une émotion ou de l'humeur spécifique, pour aborder la psychologie personnelle, pour illustrer une autre discipline, à (avec les arts commerciaux) vendre un produit, ou tout simplement comme une forme de communication.

  1. La communication. Art, à sa plus simple, est une forme de communication. Comme la plupart des formes de communication ont l'intention ou l' objectif dirigé vers une autre personne, c'est un but motivé. Arts illustratives, comme l' illustration scientifique, sont une forme d'art que la communication. Les cartes sont un autre exemple. Cependant, le contenu ne doit pas être scientifique. Les émotions, les humeurs et les sentiments sont communiqués par l' art.

    [Art est un ensemble d'objets ou d'images] avec des significations symboliques comme moyen de communication. - Steve Mithen

  2. Art en tant que divertissement . L' art peut chercher à provoquer une émotion particulière ou de l' humeur, dans le but du spectateur se détendre ou se divertir. Cela est souvent la fonction des industries d'art de Motion Pictures et jeux vidéo.
  3. Le Avante-Garde. Art pour le changement politique. L' une des fonctions de définition de l'art ancien du XXe siècle a été d'utiliser des images visuelles pour provoquer un changement politique. Les mouvements artistiques qui ont eu cette goal- dadaïsme , le surréalisme , constructivisme russe , et l' expressionnisme abstrait , entre autres, sont collectivement appelés les Avante-garde des arts.

    En revanche, l'attitude réaliste, inspirée du positivisme, de Saint Thomas d'Aquin à Anatole France, me semble clairement être hostile à tout progrès intellectuel ou moral. Je déteste, car il est composé de la médiocrité, la haine et l'orgueil terne. Il est cette attitude qui, aujourd'hui, donne naissance à ces livres ridicules, ces pièces insultant. Il se nourrit constamment et tire sa force des journaux et abrutit la science et de l'art en flattant assidument le plus bas des goûts; clarté en bordure de la stupidité, la vie d'un chien. - André Breton (Surréalisme)

  4. L' art comme une « zone franche » , retiré de l'action de la censure sociale. Contrairement aux avant-garde des mouvements, qui voulaient effacer les différences culturelles afin de produire de nouvelles valeurs universelles, l' art contemporain a amélioré sa tolérance envers les différences culturelles, ainsi que ses fonctions essentielles et libératrices (enquête sociale, l' activisme, la subversion, ... déconstruction ), devenant ainsi un lieu plus ouvert pour la recherche et l' expérimentation.
  5. Art pour l' enquête sociale, la subversion et / ou l' anarchie. Bien que similaire à l' art pour le changement politique, l' art subversif ou déconstructiviste peut chercher à remettre en question les aspects de la société sans but politique spécifique. Dans ce cas, la fonction de l' art peut être simplement de critiquer certains aspects de la société. L' art du graffiti et d' autres types d' art de la rue sont des graphiques et des images qui sont peints à la bombe ou au pochoir sur les murs, les bâtiments publics visibles, les bus, les trains et les ponts, le plus souvent sans autorisation. Certaines formes d'art, comme les graffitis, peuvent aussi être illégaux lorsqu'ils enfreignent les lois (dans ce cas , le vandalisme).
  6. Art pour des causes sociales. L' art peut être utilisé pour sensibiliser le public à une grande variété de causes. Un certain nombre d'activités artistiques ont pour but de sensibiliser l' autisme , le cancer, la traite des personnes , et une variété d'autres sujets, tels que la conservation des océans, les droits de l' homme au Darfour , assassiné et femmes autochtones disparues, maltraitance des personnes âgées et la pollution. Trashion , en utilisant les déchets pour faire de la mode, pratiqué par des artistes tels que Marina Debris est un exemple d'utiliser l' art pour sensibiliser la population à la pollution.
  7. Art à des fins psychologiques et de guérison. L' art est également utilisé par des thérapeutes d'art, psychothérapeutes et psychologues cliniciens comme l'art - thérapie . La série de diagnostic dessin , par exemple, est utilisé pour déterminer la personnalité et le fonctionnement émotionnel d'un patient. Le produit final n'est pas le principal objectif dans ce cas, mais plutôt un processus de guérison, par des actes de création, est recherchée. La pièce résultante d'œuvres d'art peut également offrir un aperçu des problèmes vécus par le sujet et peut suggérer des méthodes appropriées à utiliser dans des formes plus classiques de thérapie psychiatrique.
  8. Art de propagande, ou mercantilisme. L' art est souvent utilisé comme une forme de propagande, et peut donc être utilisé pour influencer subtilement les conceptions populaires ou de l' humeur. De la même manière, l' art qui tente de vendre un produit influe également sur l' humeur et l' émotion. Dans les deux cas, le but de l' art est ici de manipuler subtilement le spectateur dans une réponse émotionnelle ou psychologique particulier vers une idée ou un objet particulier.
  9. L' art comme un indicateur de remise en forme. On a fait valoir que la capacité du cerveau humain dépasse de loin ce qui était nécessaire pour la survie dans l'environnement ancestral. Une psychologie évolutionniste explication est que le cerveau humain et les traits associés (comme la capacité artistique et la créativité) sont l'équivalent humain du paon queue. Le but de la queue extravagante du paon mâle a été dit être pour attirer les femelles (voir aussi fishe- emballement et principe handicap ). Selon cette théorie l' exécution supérieure d'art était l' évolution importante car elle a attiré copains.

Les fonctions de l'art décrites ci-dessus ne sont pas mutuellement exclusifs, comme beaucoup d'entre eux peuvent se chevaucher. Par exemple, l'art dans le but de divertissement peut également chercher à vendre un produit, à savoir le jeu vidéo ou vidéo.

Accès publique

Versailles: Louis Le Vau a ouvert la cour intérieure pour créer l'entrée vaste cour d'honneur , puis copié dans toute l'Europe.

Depuis les temps anciens, une grande partie des plus beaux art a représenté un affichage délibéré de richesse ou de pouvoir, souvent réalisé en utilisant l'échelle massive et des matériaux coûteux. art Beaucoup a été commandé par les dirigeants politiques ou des établissements religieux, avec des versions plus modestes ne sont disponibles que pour les plus riches de la société.

Néanmoins, il y a eu de nombreuses périodes où l' art de très haute qualité étaient disponibles, en termes de propriété, à travers une grande partie de la société, surtout dans les médias bon marché tels que la poterie, qui persiste dans le sol, et des médias périssables tels que le textile et le bois . Dans de nombreuses cultures différentes, les céramiques des peuples autochtones des Amériques se trouvent dans un large éventail de tombes qu'ils étaient manifestement pas limité à une élite sociale , bien que d' autres formes d'art peuvent avoir été. Méthodes de reproduction tels que les moules fabriqués en grande série plus facile, et ont été utilisés pour apporter de haute qualité de la poterie antique romaine et grecque figurines de Tanagra à un marché très large. Joints cylindres étaient à la fois artistique et pratique, et très largement utilisé par ce qu'on peut appeler sans serrer la classe moyenne dans le Proche - Orient ancien . Une fois que les pièces ont été largement utilisés, ceux - ci sont également devenus une forme d'art qui a atteint le plus large éventail de la société.

Une autre innovation importante est venue au 15ème siècle en Europe, où la gravure a commencé avec de petites gravures sur bois , principalement religieux, qui étaient souvent très petites et coloriée à la main, et abordable , même par les paysans qui les collés aux murs de leurs maisons. Les livres imprimés ont d' abord été très coûteux, mais ont cessé de baisser dans le prix jusqu'à ce que le 19ème siècle , même les plus pauvres pouvaient se permettre certaines avec illustrations imprimées. Estampes populaires de nombreuses sortes différentes ont des maisons décorées et d' autres lieux depuis des siècles.

Bâtiments publics et monuments , laïques et religieux, par leur nature , traitent normalement l'ensemble de la société, et les visiteurs en tant que spectateurs, et l' affichage au grand public a longtemps été un facteur important dans leur conception. Temples égyptiens sont typiques en ce que le plus grand et la décoration la plus somptueuse a été placée sur les parties qui pourraient être vus par le grand public, plutôt que les zones vus que par les prêtres. De nombreuses régions de palais royaux, les châteaux et les maisons de l'élite sociale étaient souvent accessibles à tous , et une grande partie des collections d'art de ces gens pouvaient souvent être vu, que ce soit par personne, soit par ceux qui peuvent payer un petit prix, ou ceux porter des vêtements corrects, peu importe qui ils étaient, comme au château de Versailles , où les accessoires supplémentaires appropriés (boucles de chaussures d'argent et une épée) pourraient être loués à l' extérieur des magasins.

Des dispositions particulières ont été prises pour permettre au public de voir de nombreuses collections royales ou privées placées dans des galeries, comme la Collection Orléans principalement logé dans une aile du Palais Royal à Paris, ce qui pourrait être visité pour la plupart du 18e siècle. En Italie , le tourisme d'art du Grand Tour est devenu une industrie importante depuis la Renaissance, et les gouvernements et les villes a fait des efforts pour rendre leurs travaux accessibles clés. Les Britanniques Collection Royale reste distincte, mais des dons importants comme la vieille Bibliothèque royale ont été faites à partir au British Museum , créé en 1753. La Galerie des Offices à Florence a ouvert entièrement comme une galerie en 1765, bien que cette fonction avait pris progressivement le bâtiment au- dessus de bureaux des fonctionnaires d' origine pendant longtemps avant. Le bâtiment actuellement occupé par le Prado à Madrid a été construit avant la révolution française pour l'affichage public des pièces de la collection d'art royal, et des galeries royales similaires ouverts au public existait à Vienne , Munich et d' autres capitales. L'ouverture du Musée du Louvre pendant la Révolution française (en 1793) en tant que musée public pour une grande partie de l'ancienne collection royale française a certainement marqué une étape importante dans le développement de l' accès du public à l' art, le transfert de propriété à un état républicain, mais était la poursuite des tendances déjà bien établie.

La plupart des musées publics modernes et des programmes d'éducation artistique pour les enfants dans les écoles remonte à cette impulsion d'avoir l' art accessible à tous. Musées aux États-Unis ont tendance à être des cadeaux de la très riche aux masses. ( Le Metropolitan Museum of Art à New York, par exemple, a été créé par John Taylor Johnston , un dirigeant de chemin de fer dont la collection d' art personnelle ensemencé le musée.) Mais malgré tout cela, au moins l' une des fonctions importantes de l' art dans le 21 siècle demeure comme marqueur de la richesse et le statut social.

Performance par Joseph Beuys , 1978: Tout le monde un artiste - Sur le chemin de la forme libertaire de l'organisme social

Il y a eu des tentatives par des artistes pour créer de l' art qui ne peut pas être acheté par les riches comme un objet d'état. Était de créer un art qui ne pouvait pas être acheté et vendu l' un des premiers facteurs de motivation d' origine d' une grande partie de l'art des années 1960 et 1970. Il est « nécessaire de présenter quelque chose de plus que de simples objets » , dit la grande guerre après l' artiste allemand Joseph Beuys. Cette période a vu la montée de choses telles que l' art de la performance , l' art vidéo et l' art conceptuel . L'idée était que si l'œuvre était une performance qui laisserait rien derrière, ou était tout simplement une idée, il ne pouvait pas être achetée et vendue. « Préceptes démocratiques gravitant autour de l'idée qu'une œuvre d'art est un produit de l'innovation esthétique poussés qui a germé au milieu des années 1960 et a été récolté dans les années 1970. Artistes largement identifiés sous la rubrique de l' art conceptuel ... activités de remplacement de la performance et de l' édition pour un engagement à la fois le matériel et matérialiste de la forme des préoccupations peintes ou sculpturale ... [ont] essayé de saper l'objet condition objet d'art « .

Dans les décennies qui ont, ces idées ont été quelque peu perdu que le marché de l'art a appris à vendre des DVD en édition limitée d'œuvres vidéo, des invitations à des oeuvres d'art exclusives de performance, et les objets qui restent de pièces conceptuelles. Un grand nombre de ces performances créent des œuvres qui ne sont comprises par l'élite qui ont été formés pour expliquer pourquoi une idée ou une vidéo ou un morceau de déchets apparents peuvent être considérés comme art. Le marqueur de l'état devient la compréhension du travail au lieu de posséder nécessairement, et l'œuvre d'art reste une activité de classe supérieure. « Avec l'utilisation généralisée de la technologie d'enregistrement DVD au début des années 2000, des artistes, et le système de galerie qui tire ses bénéfices de la vente d'œuvres d'art, a gagné un important moyen de contrôler la vente de vidéo et d'œuvres d'art informatiques en éditions limitées à des collectionneurs. »

controverses

L' art a longtemps été controversée, c'est - à - dire par détestée certains téléspectateurs, pour une grande variété de raisons, bien que la plupart des controverses pré-modernes sont faiblement enregistrées, ou complètement perdu une vue moderne. Iconoclasme est la destruction de l' art qui est détestée pour diverses raisons, y compris les religieux. Aniconisme est une aversion générale soit de toutes les images figuratives, ou celles souvent juste religieux, et a été un fil dans de nombreuses grandes religions. Il a été un facteur crucial dans l'histoire de l' art islamique , où les représentations de Mahomet restent particulièrement controversés. Art Beaucoup a été détestée purement parce qu'il décrit ou autrement pour se dirigeants impopulaires, des partis ou d' autres groupes. Conventions artistiques ont souvent été conservatrice et pris très au sérieux par les critiques d'art , bien que souvent beaucoup moins par un plus large public. Le iconographique contenu de l' art pourrait susciter la controverse, comme la fin des représentations médiévales du nouveau motif de la Swoon de la Vierge dans les scènes de la crucifixion de Jésus . Le jugement dernier par Michel - Ange a été controversée pour diverses raisons, y compris les violations de la bienséance par la nudité et l' Apollo La pose du Christ.

Le contenu de l' art beaucoup plus formelle à travers l' histoire a été dictée par le patron ou le commissaire plutôt que l'artiste, mais avec l'avènement du romantisme , et les changements économiques dans la production de l' art, la vision des artistes est devenu le déterminant habituel du contenu de son l' art, l' augmentation de l'incidence des controverses, mais réduisant souvent leur signification. De fortes incitations pour l' originalité et la publicité perçue des artistes aussi encouragés à courtiser la controverse. Théodore Géricault de Radeau de la Méduse (c. 1820), était en partie un commentaire politique sur un événement récent. Édouard Manet est Le Déjeuner sur l'herbe (1863), était considéré comme scandaleux non pas à cause de la nue femme, mais parce qu'elle est assise à côté des hommes tout habillé dans les vêtements du temps, plutôt que dans des robes longues du monde antique. John Singer Sargent de Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884), a provoqué une controverse sur le rose rougeâtre utilisé pour colorer le lobe de l' oreille de la femme, considérée comme beaucoup trop suggestif et ruiner soi - disant la réputation du modèle haute société. L'abandon progressif du naturalisme et la représentation des représentations réalistes de l'aspect visuel des sujets dans les 19e et 20e siècles conduit à une controverse au roulement durable depuis plus d' un siècle. Au XXe siècle, Pablo Picasso de Guernica (1937) a utilisé l' arrestation cubistes techniques et austères huiles monochromes , pour décrire les conséquences déchirantes d'un attentat à la bombe contemporaine d'une ancienne petite ville basque. Leon Golub d » Interrogation III (1981), représente un détenu nu, femme à capuchon attaché à une chaise, ses jambes ouvertes pour révéler ses organes sexuels, entourés de deux tourmenteurs vêtus de vêtements de tous les jours. Andres Serrano est Piss Christ (1989) est une photographie d'un crucifix, sacré pour la religion chrétienne et représentant le Christ ' le sacrifice et la souffrance finale, immergé dans un verre d'urine de l'artiste. Le tumulte a résulté a conduit à des commentaires au Sénat des États-Unis sur le financement public des arts.

Théorie

Avant le modernisme, l' esthétique de l'art occidental était très préoccupé par la réalisation de l'équilibre entre les différents aspects du réalisme ou de la vérité à la nature et l' idéal ; des idées quant à ce que l'équilibre est déplacé ont çà et là au fil des siècles. Cette préoccupation est largement absente dans d' autres traditions de l' art. Le théoricien esthétique John Ruskin , qui a défendu ce qu'il a vu comme le naturalisme de J. M. W. Turner , a vu le rôle de l' art comme la communication par l' artifice d'une vérité essentielle qui ne pouvait être trouvé dans la nature.

La définition et l' évaluation de l' art est devenu particulièrement problématique depuis le 20e siècle. Richard Wollheim distingue trois méthodes d'évaluation de la valeur esthétique de l' art: le Réaliste , où la qualité esthétique est un organisme indépendant de la valeur absolue de toute vue humaine; le objectiviste , par laquelle il est une valeur absolue, mais dépend de l'expérience humaine générale; et relativiste la position , par laquelle il est pas une valeur absolue, mais dépend et varie avec l'expérience humaine des humains différents.

Arrivée du Modernisme

Composition II en rouge, bleu et jaune (1930) par Piet Mondrian (Pays - Bas, 1872-1944)

L'arrivée du modernisme en tête fin du XIXe siècle , à une rupture radicale dans la conception de la fonction de l' art, puis à nouveau à la fin du XXe siècle avec l'avènement de la postmodernité . Clement Greenberg article de 1960 « La peinture moderniste » définit l' art moderne comme « l'utilisation des méthodes caractéristiques d'une discipline de critiquer la discipline elle - même ». Greenberg appliqué à l' origine de cette idée au mouvement expressionniste abstrait et utilisé comme un moyen de comprendre et de justifier à plat (non illusionnistes) peinture abstraite:

art réaliste, naturaliste avait désassemblé le moyen, en utilisant l'art de dissimuler l'art; le modernisme utilisé l'art d'attirer l'attention à l'art. Les limites qui constituent le moyen de la peinture à la surface plane, la forme du support, les propriétés du pigment ont été traités par les maîtres anciens facteurs négatifs qui pourraient être reconnus que de façon implicite ou indirectement. Sous ces mêmes limites Modernisme sont venus à être considérés comme des facteurs positifs, et ont été reconnus ouvertement.

Après Greenberg, plusieurs théoriciens de l' art importants ont émergé, tels que Michael Fried , J. T. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin et Griselda Pollock , entre autres. Bien que prévu à l' origine comme un moyen de comprendre un ensemble spécifique d'artistes, la définition de Greenberg de l' art moderne est important à plusieurs des idées d'art au sein des différents mouvements artistiques du 20ème siècle et au début du 21e siècle.

Les artistes pop comme Andy Warhol est devenu à la fois remarquable et influent par le travail , y compris et peut - être critiquer la culture populaire, ainsi que le monde de l' art . Les artistes des années 1980, 1990 et 2000 a élargi cette technique d'auto-critique au - delà de l' art haut à image prise culturelle, y compris les images de la mode, des bandes dessinées, des panneaux d' affichage et la pornographie.

Duchamp a proposé une fois que l' art est une activité de tout tout kind-. Cependant, la façon dont sont classés aujourd'hui que certaines activités comme l' art est une construction sociale. Il y a des preuves qu'il peut y avoir un élément de vérité à ce sujet . L'invention de l' art: Une histoire culturelle est un livre d'histoire de l' art qui examine la construction du système moderne des arts à savoir beaux - arts. Shiner trouve des preuves que l'ancien système des arts avant que notre système moderne (art) a tenu l' art d'être une activité humaine qualifiée -à- dire l' ancienne société grecque ne possédait pas l'art à long terme , mais technè . Technè peut être comprise ni comme l' art ou l' artisanat, la raison étant que les distinctions de l' art et l' artisanat sont des produits historiques qui sont venus plus tard dans l' histoire humaine. Technè inclus la peinture, la sculpture et la musique , mais aussi; la cuisine, la médecine, l' équitation , la géométrie , la menuiserie , la prophétie , et l' agriculture , etc.

Nouvelle Critique et la « erreur intentionnelle »

À la suite de Duchamp au cours de la première moitié du XXe siècle, un changement important à la théorie esthétique générale a eu lieu qui a tenté d'appliquer la théorie esthétique entre les différentes formes d'art, y compris les arts littéraires et les arts visuels, les uns aux autres. Cela a donné lieu à la montée de la nouvelle critique l' école et le débat concernant l'erreur intentionnelle . La question était la question de savoir si les intentions esthétiques de l'artiste dans la création de l'œuvre d'art, quelle que soit sa forme spécifique, doit être associé à la critique et l' évaluation du produit final de l'œuvre d'art, ou, si l'œuvre d'art devrait être évalué sur ses mérites propres , indépendamment des intentions de l'artiste.

En 1946, William K. Wimsatt et Monroe Beardsley a publié un nouvel essai critique classique et controversé intitulé « La Intentional Fallacy », dans lequel ils ont fait valoir fortement contre la pertinence d'une intention de l' auteur , ou « sens voulu » dans l'analyse d'une œuvre littéraire . Pour Wimsatt et Beardsley, les mots sur la page étaient tout ce qui comptait; importation des significations de l' extérieur du texte a été considéré comme non pertinent, et potentiellement source de distraction.

Dans un autre essai, « Le Affective sophisme » , qui a servi comme une sorte d'essai de soeur « Le sophisme Intentional » Wimsatt et Beardsley également actualisés réaction personnelle / affective du lecteur à une œuvre littéraire comme un moyen valable d'analyser un texte. Cette erreur serait plus tard désavoué par les théoriciens du lecteur-réponse école de la théorie littéraire. Ironie du sort, l' un des principaux théoriciens de cette école, Stanley Fish , lui - même a été formé par de nouvelles critiques. Le poisson critique Wimsatt et Beardsley dans son essai « La littérature dans le lecteur » (1970).

Comme le résume par Gaut et Livingston dans leur essai « La création d'art »: « structuralistes et post-structuralistes théoriciens et les critiques ont été très critiques de nombreux aspects de la nouvelle critique, à commencer par l'accent mis sur l'appréciation esthétique et la soi-disant autonomie de l'art , mais ils ont réitéré l'attaque sur l'hypothèse de critiques biographiques que les activités et l'expérience de l'artiste ont été un sujet critique privilégié « . Ces auteurs soutiennent que:. « Anti-intentionnalistes, comme formalistes, soutiennent que les intentions impliquées dans le So détails de faire de l'art ne sont pas pertinents ou périphérique pour interpréter correctement l'art l'acte de création d'une œuvre, mais peut-être d'intérêt en eux-mêmes, ont aucune incidence sur l'interprétation correcte de l'œuvre « .

Gaut et Livingston définissent les intentionnalistes comme distincte de formalistes indiquant que: « intentionnalistes, à la différence formalistes, maintenez cette référence aux intentions est essentielle pour fixer l'interprétation correcte des travaux. » Ils citent Richard Wollheim comme indiquant que, « La tâche de la critique est la reconstruction du processus de création, où le processus de création doit à son tour être considéré comme quelque chose de ne pas arrêter court, mais se terminant sur, l'œuvre d'art elle - même. »

« Tournant linguistique » et le débat

La fin du 20ème siècle a favorisé un vaste débat connu comme la controverse tournant linguistique, ou le « débat des yeux innocents », et généralement appelé le structuralism- poststructuralisme débat dans la philosophie de l' art. Ce débat a discuté de la rencontre de l'œuvre d'art comme étant déterminé par la mesure par rapport à laquelle la rencontre conceptuelle avec l'œuvre d'art domine sur la rencontre avec perceptive l'œuvre d'art.

Décisive pour le débat tournant linguistique dans l' histoire de l' art et les sciences humaines sont les œuvres d'une autre tradition, à savoir le structuralisme de Ferdinand de Saussure et le mouvement qui a suivi de poststructuralisme . En 1981, l'artiste Mark Tansey a créé une œuvre d'art intitulé « The Innocent Eye » comme une critique du climat qui prévaut de désaccord dans la philosophie de l' art au cours des dernières décennies du 20ème siècle. Les théoriciens sont influents Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault et Jacques Derrida . La puissance du langage, plus précisément de certains tropes rhétoriques, dans l' histoire de l' art et le discours historique a été exploré par Hayden White . Le fait que le langage est pas un milieu transparent de la pensée a été soulignée par une forme très différente de la philosophie du langage qui trouve son origine dans les œuvres de Johann Georg Hamann et Wilhelm von Humboldt . Ernst Gombrich et Nelson Goodman dans son livre Langages de l' art: une approche à une théorie des symboles sont venus à considérer que la rencontre conceptuelle avec l'œuvre d'art prédominait exclusivement sur la rencontre perceptive et visuelle avec l'œuvre d'art au cours des années 1960 et 1970. Il a été contesté sur la base de la recherche effectuée par le psychologue lauréat du Prix Nobel Roger Sperry qui a soutenu que la rencontre visuelle humaine ne se limite pas aux concepts représentés dans le langage seul (le tournant linguistique) et que d' autres formes de représentations psychologiques de l'œuvre d'art étaient tout aussi défendable et démontrable. La vue de Sperry a finalement prévalu à la fin du 20ème siècle , avec les philosophes esthétiques tels que Nick Zangwill défendre fortement un retour à modéré formalisme esthétique parmi d' autres alternatives.

conflits de classification

L'original Fontaine de Marcel Duchamp , 1917, photographiée par Alfred Stieglitz au 291 après la 1917 Société des artistes indépendants exposition. Stieglitz a utilisé une toile de fond Les Guerriers de Marsden Hartley pour photographier l'urinoir. L'étiquette d'entrée de l' exposition est clairement visible.

Les différends quant à savoir si ou non de classer quelque chose comme une œuvre d'art sont appelés classification des arts. Les litiges classificatoires du 20e siècle ont inclus cubistes et impressionnistes peintures, Duchamp de Fontaine , les films, les imitations superlatifs de billets de banque , art conceptuel , et les jeux vidéo . Le philosophe David Novitz a fait valoir que le désaccord sur la définition de l' art sont rarement au cœur du problème. Au contraire, « les préoccupations et les intérêts passionnés que les humains acquises dans leur vie sociale » sont « tellement une partie de tous les différends classificatoires sur l' art » (Novitz, 1996). Selon Novitz, les litiges classificatoires sont plus souvent des litiges sur les valeurs sociétales et où la société tente d'aller qu'ils sont sur la théorie correcte. Par exemple, lorsque le Daily Mail a critiqué Hirst « s et Emin travail » en prétendant « Pour 1000 ans d' art a été l' une de nos grandes forces civilisatrices. Aujourd'hui, les moutons décapés et les lits souillés menacent de faire des barbares de nous tous » , ils ne sont pas faire avancer une définition ou de la théorie de l' art, mais en doute la valeur du travail de Hirst et de Emin. En 1998, Arthur Danto , a suggéré une expérience de pensée montrant que « l'état d'un artefact que le travail des résultats d'art des idées une culture s'applique à elle, plutôt que ses qualités physiques ou sensibles inhérentes. Interprétation culturelle (une théorie de l' art d'une sorte ) est donc constitutive de arthood d'un objet « .

Anti-art est un label pour l' art qui remet en question intentionnellement les paramètres établis et les valeurs de l' art; il est associé à terme dadaïsme et attribué à Marcel Duchamp juste avant la Première Guerre mondiale, quand il faisait l' art à partir d' objets trouvés . L' un d' entre eux, Fontaine (1917), un urinoir ordinaire, a atteint une importance considérable et l' influence sur l' art. Anti-art est une caractéristique de travail par l' Internationale situationniste , mouvement artistique Mail lo-fi, et les Young British Artists , bien que ce soit une forme encore rejetée par les Stuckists , qui se décrivent comme anti-anti-art .

L' architecture est souvent inclus comme l' un des arts visuels; Cependant, comme les arts décoratifs , ou de la publicité, il implique la création d'objets où les considérations pratiques d'utilisation sont essentielles d'une manière qu'ils ne sont généralement pas dans un tableau, par exemple.

Jugement de valeur

Tombes journaux creux autochtones. National Gallery, Canberra , Australie

Un peu par rapport à ce qui précède, le mot art est également utilisé pour appliquer des jugements de valeur, comme dans des expressions telles que « ce repas était une œuvre d'art » (le cuisinier est un artiste), ou « l'art de la tromperie », ( le niveau très atteint des compétences de l'imposteur est loué). Il est cette utilisation du mot comme une mesure de haute qualité et de grande valeur qui donne le terme sa saveur de subjectivité. Faire des jugements de valeur , il faut une base pour la critique. Au niveau le plus simple, un moyen de déterminer si l'impact de l'objet sur les sens répond aux critères à considérer l' art est de savoir si elle est perçue comme attractive ou répulsive. Bien que la perception est toujours colorée par l' expérience, et est nécessairement subjective, il est communément admis que ce n'est pas une certaine façon satisfaisante esthétiquement ne peut pas être l' art. Cependant, « bon » art est pas toujours ou même régulièrement appel esthétiquement à la majorité des téléspectateurs. En d' autres termes, la principale motivation d'un artiste ne doit pas être la poursuite de l'esthétique. De plus, l' art représente souvent terribles images faites pour des raisons sociales, morales ou stimulantes raisons. Par exemple, Francisco Goya peinture de représentant les fusillades espagnols du 3 mai 1808 est une représentation graphique d'un peloton d'exécution exécutant plusieurs civils plaidant. Pourtant , en même temps, les images horribles démontre la capacité artistique de Goya vif dans la composition et l' exécution et produit l' indignation sociale et politique approprié. Ainsi, le débat se poursuit à ce mode de satisfaction esthétique, le cas échéant, est nécessaire pour définir « l' art ».

L'hypothèse de nouvelles valeurs ou la rébellion contre accepté les notions de ce qui est esthétiquement besoin supérieur ne se produire simultanément avec un abandon complet de la poursuite de ce qui est esthétiquement attrayant. En effet, l'inverse est souvent vrai, que la révision de ce qui est généralement conçue comme esthétique permet une redynamisation de la sensibilité esthétique, et une nouvelle appréciation pour les normes de l' art lui - même. D' innombrables écoles ont proposé leurs propres façons de définir la qualité, mais ils semblent tous d' accord sur au moins un point: une fois que leurs choix esthétiques sont acceptés, la valeur de l'œuvre d'art est déterminée par sa capacité à dépasser les limites de son milieu choisi de frapper une corde sensible universelle par la rareté de la compétence de l'artiste ou dans sa réflexion précise dans ce qu'on appelle l' air du temps . L' art est souvent destiné à un recours et à se connecter avec l' émotion humaine. Il peut éveiller esthétiques ou moraux sentiments, et peut être compris comme un moyen de communiquer ces sentiments. Les artistes expriment quelque chose pour que leur public est excité dans une certaine mesure, mais ils ne doivent pas le faire consciemment. L' art peut être considéré comme une exploration de la condition humaine ; c'est-ce qu'il est d'être humain.

Voir également

Remarques

Bibliographie

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Liens externes