Art nouveau -Art Nouveau

Art Nouveau
Abbesses.JPG
Alfons Mucha - F. Champenois Imprimeur-Éditeur.jpg
Louis comfort tiffany, lampada da tavolo pomb lily, 1900-10 ca..JPG
Louis Majorelle - Armoire Murale - Walters 6587.jpg
Tassel House escalier.JPG
Dans le sens des aiguilles d'une montre à partir du haut à gauche : station de métro parisienne Abbesses , par Hector Guimard (1900) ; Lithographie d' Alphonse Mucha (1898) ; Armoire murale de Louis Majorelle ; Intérieur de l' hôtel Tassel à Bruxelles , par Victor Horta (1892-1893) ; Lampe de Louis Comfort Tiffany (1900-1910).
Années actives c.  1883–1914
Pays L'occident

L'Art Nouveau ( / ˌ ɑː r t n ˈ v , ˌ ɑː r / ; français :  [aʁ nuvo] ) est un style international d'art, d'architecture et d'art appliqué , en particulier les arts décoratifs . Le style est connu sous différents noms dans différentes langues : Jugendstil en allemand, Stile Liberty en italien, Modernisme en catalan, et également connu sous le nom de Modern Style en anglais. Il fut populaire entre 1890 et 1910 à la Belle Époque , et fut une réaction contre l' art académique , l'éclectisme et l'historicisme de l'architecture et de la décoration du XIXe siècle. Il s'inspire souvent de formes naturelles telles que les courbes sinueuses des plantes et des fleurs. D'autres caractéristiques de l'Art nouveau étaient un sens du dynamisme et du mouvement, souvent donnés par des lignes d'asymétrie ou de coup de fouet , et l'utilisation de matériaux modernes, en particulier le fer, le verre, la céramique et plus tard le béton, pour créer des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts.

L'un des principaux objectifs de l'Art nouveau était de briser la distinction traditionnelle entre les beaux-arts (en particulier la peinture et la sculpture) et les arts appliqués. Il était le plus largement utilisé dans la décoration d'intérieur, les arts graphiques, le mobilier, l'art du verre, les textiles, la céramique, la joaillerie et le travail du métal. Le style a répondu aux principaux théoriciens du XIXe siècle, tels que l'architecte français Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814-1879) et le critique d'art britannique John Ruskin (1819-1900). En Grande-Bretagne, il a été influencé par William Morris et le mouvement Arts and Crafts . Les architectes et designers allemands recherchaient un Gesamtkunstwerk ("œuvre d'art totale") spirituellement édifiant qui unifierait l'architecture, le mobilier et l'art à l'intérieur dans un style commun, pour élever et inspirer les résidents.

Les premières maisons et décorations intérieures Art Nouveau apparaissent à Bruxelles dans les années 1890, dans l'architecture et l'aménagement intérieur des maisons conçues par Paul Hankar , Henry van de Velde , et surtout Victor Horta , dont l'Hôtel Tassel est achevé en 1893. Il passe rapidement à Paris, où il a été adapté par Hector Guimard , qui a vu le travail de Horta à Bruxelles et a appliqué le style pour les entrées du nouveau métro parisien . Il a atteint son apogée à l' Exposition internationale de Paris de 1900 , qui a présenté le travail Art nouveau d'artistes tels que Louis Tiffany . Il apparaît dans les arts graphiques dans les affiches d' Alphonse Mucha , et la verrerie de René Lalique et Émile Gallé .

De Belgique et de France, l'Art nouveau s'est répandu dans le reste de l'Europe, prenant des noms et des caractéristiques différents dans chaque pays (voir la section Dénomination ci-dessous). Il apparaît souvent non seulement dans les capitales, mais aussi dans les villes en plein essor qui veulent asseoir des identités artistiques ( Turin et Palerme en Italie ; Glasgow en Ecosse ; Munich et Darmstadt en Allemagne), ainsi que dans les foyers des mouvements indépendantistes ( Helsinki en Finlande , alors partie de l'Empire russe ; Barcelone en Catalogne , Espagne).

Vers 1914, et avec le début de la Première Guerre mondiale , l'Art nouveau est largement épuisé. Dans les années 1920, il a été remplacé comme style d'art architectural et décoratif dominant par l'Art Déco puis le Modernisme . Le style Art nouveau a commencé à recevoir une attention plus positive de la part des critiques à la fin des années 1960, avec une grande exposition de l'œuvre d' Hector Guimard au Musée d'art moderne en 1970.

Appellation

Le terme Art nouveau a été utilisé pour la première fois dans les années 1880 dans la revue belge L'Art Moderne pour décrire l'œuvre des Vingt , vingt peintres et sculpteurs en quête de réforme par l'art. Le nom a été popularisé par la Maison de l'Art Nouveau ("Maison de l'Art Nouveau"), une galerie d'art ouverte à Paris en 1895 par le marchand d'art franco-allemand Siegfried Bing . En Grande-Bretagne, le terme français Art nouveau était couramment utilisé, tandis qu'en France, il était souvent appelé par le terme Style moderne (semblable au terme britannique Modern Style ), ou Style 1900 . En France, on l'appelait aussi parfois Style Jules Verne (d'après le romancier Jules Verne ), Style Métro (d'après les bouches de métro en fer et en verre d' Hector Guimard ), Art Belle Époque , ou Art fin de siècle .

L'Art nouveau est lié, mais pas identique, aux styles qui ont émergé dans de nombreux pays d'Europe à peu près à la même époque. Leurs noms locaux étaient souvent utilisés dans leurs pays respectifs pour décrire l'ensemble du mouvement.

  • En Belgique, il était parfois appelé Style coup de fouet ("style Whiplash"), Paling Stijl ("style anguille") ou Style nouille ("style nouille") par ses détracteurs.
  • En Grande-Bretagne , outre l'Art nouveau, il était connu sous le nom de style moderne ou, à cause des œuvres de l'école de Glasgow , sous le nom de style Glasgow .
  • Le terme Modern est également utilisé en Azerbaïdjan , au Kazakhstan , en Russie et en Ukraine , et Modernas en Lituanie . Pour la peinture, le nom du mouvement Mir Iskusstva ("Monde de l'art") a également été utilisé.
  • En Allemagne et en Scandinavie, il s'appelait Reformstil ("style réformé"), ou Jugendstil ("style jeunesse"), d'après le célèbre magazine d'art allemand de ce nom, ainsi que Wellenstil ("style vague") ou Lilienstil (" façon lys"). Il s'appelle maintenant Jugend en Finlande, en Suède et en Norvège, Juugend en Estonie et Jūgendstils en Lettonie . En Finlande, on l'appelait aussi Kalevala Style .
  • Au Danemark, il est connu sous le nom de Skønvirke ("Œuvre de beauté").
  • En Autriche et dans les pays voisins faisant alors partie de l' Empire austro-hongrois , Wiener Jugendstil , ou Secessionsstil ("style Sécession"), d'après les artistes de la Sécession viennoise ( hongrois : szecesszió , tchèque : secese , slovaque : secesia , polonais : secesja ).
  • En Italie, on l'appelait souvent le style Liberty , du nom d' Arthur Lasenby Liberty , le fondateur de Liberty & Co à Londres , dont les créations textiles étaient populaires. On l'appelait aussi parfois Stile floreale («style floral») ou Arte nuova («nouvel art»).
  • Aux États-Unis, en raison de son association avec Louis Comfort Tiffany , on l'appelait parfois le "style Tiffany".
  • Aux Pays-Bas, il s'appelait Nieuwe Kunst ("New Art"), ou Nieuwe Stijl ("New style").
  • Au Portugal, Arte nova .
  • En Espagne, Modernismo , Modernisme (en catalan) et Arte joven ("Jeune Art").
  • En Suisse, Style Sapin ("style sapin").
  • Au Japon, Shiro-Uma .
  • En Roumanie , Arta 1900 ("Art 1900"), Arta Nouă ("Art nouveau") ou Noul Stil ("Nouveau style").

Histoire

Origines

Le nouveau mouvement artistique a ses racines en Grande-Bretagne, dans les motifs floraux de William Morris et dans le mouvement Arts and Crafts fondé par les élèves de Morris. Les premiers prototypes du style incluent la Red House avec des intérieurs de Morris et une architecture de Philip Webb (1859), et la somptueuse Peacock Room de James Abbott McNeill Whistler . Le nouveau mouvement est aussi fortement influencé par les peintres préraphaélites , dont Dante Gabriel Rossetti et Edward Burne-Jones , et surtout par les graphistes britanniques des années 1880, dont Selwyn Image , Heywood Sumner , Walter Crane , Alfred Gilbert , et surtout Aubrey. Beardsley . La chaise conçue par Arthur Mackmurdo a été reconnue comme un précurseur du design Art nouveau.

En France, il a été influencé par le théoricien et historien de l'architecture Eugène Viollet-le-Duc , ennemi déclaré du style architectural historique des Beaux-Arts , dont les théories sur le rationalisme sont issues de son étude de l'art médiéval :

  • La fonction doit définir la forme.
  • Unité des arts et abolition de toute distinction entre art majeur (architecture) et arts mineurs (arts décoratifs).
  • La logique de la nature est le modèle à utiliser pour l'architecture.
  • L'architecture doit s'adapter à l'environnement et aux besoins de l'homme.
  • Utilisation de technologies et de matériaux modernes.

Viollet-le-Duc est lui-même un précurseur de l'Art nouveau : en 1851, à Notre-Dame de Paris , il réalise une série de peintures murales typiques du style. Ces peintures ont été supprimées en 1945 car jugées non académiques. Au château de Roquetaillade dans la région bordelaise , ses décorations intérieures datant de 1865 anticipent également l'Art Nouveau. Dans son livre Entretiens sur l'architecture de 1872, il écrit : « Utiliser les moyens et les connaissances que nous donne notre temps, sans les traditions intermédiaires qui ne sont plus viables aujourd'hui, et ainsi inaugurer une nouvelle architecture. Pour chaque fonction sa matière ; à chaque matière sa forme et son ornement. » Ce livre a influencé une génération d'architectes, dont Louis Sullivan , Victor Horta , Hector Guimard et Antoni Gaudí .

Les peintres français Maurice Denis , Pierre Bonnard et Édouard Vuillard ont joué un rôle important dans l'intégration de la peinture des beaux-arts à la décoration. "Je crois qu'avant tout un tableau doit décorer", écrivait Denis en 1891. "Le choix des sujets ou des scènes n'est rien. C'est par la valeur des tons, la surface colorée et l'harmonie des lignes que je peux atteindre l'esprit et réveiller les émotions." Ces peintres ont tous fait à la fois de la peinture traditionnelle et de la peinture décorative sur écrans, sur verre et sur d'autres supports.

Une autre influence importante sur le nouveau style était le japonisme . Ce fut une vague d'enthousiasme pour l'impression japonaise sur bois , en particulier les œuvres de Hiroshige , Hokusai et Utagawa Kunisada , qui furent importées en Europe à partir des années 1870. L'entreprenant Siegfried Bing fonde une revue mensuelle, Le Japon artistique en 1888, et publie trente-six numéros avant de se terminer en 1891. Il influence à la fois les collectionneurs et les artistes, dont Gustav Klimt . Les traits stylisés des estampes japonaises sont apparus dans les graphismes, la porcelaine, les bijoux et les meubles de l'Art nouveau. Dès le début de 1860, une influence extrême-orientale se manifeste soudain. En 1862, les amateurs d'art de Londres ou de Paris pouvaient acheter des œuvres d'art japonaises , car cette année-là, le Japon apparaissait pour la première fois comme exposant à l' Exposition internationale de Londres. Toujours en 1862, à Paris, le magasin La Porte Chinoise , rue de Rivoli , est ouvert, où sont vendus des ukiyo-e japonais et d'autres objets d'Extrême-Orient. En 1867, les exemples d'ornements chinois par Owen Jones sont apparus, et en 1870 Art et industries au Japon par R. Alcock, et deux ans plus tard, OH Moser et TW Cutler ont publié des livres sur l'art japonais. Certains artistes de l'Art nouveau, comme Victor Horta , possédaient une collection d'art extrême-oriental, notamment japonais.

Les nouvelles technologies d'impression et d'édition ont permis à l'Art nouveau d'atteindre rapidement un public mondial. Les revues d'art, illustrées de photographies et de lithographies en couleurs , ont joué un rôle essentiel dans la vulgarisation du nouveau style. Le Studio en Angleterre, Arts et idées et Art et décoration en France, et Jugend en Allemagne permettent au style de se répandre rapidement aux quatre coins de l'Europe. Aubrey Beardsley en Angleterre, et Eugène Grasset , Henri de Toulouse-Lautrec et Félix Vallotton ont acquis une reconnaissance internationale en tant qu'illustrateurs. Avec les affiches de Jules Chéret pour la danseuse Loie Fuller en 1893, et d' Alphonse Mucha pour l'actrice Sarah Bernhardt en 1895, l'affiche devient non seulement une publicité, mais une forme d'art. Sarah Bernhardt a mis de côté un grand nombre de ses affiches pour les vendre aux collectionneurs.

Développement – ​​Bruxelles (1893–1898)

Les premiers hôtels particuliers Art Nouveau, la Maison Hankar de Paul Hankar (1893) et l' Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893), sont construits presque simultanément à Bruxelles . Ils étaient similaires dans leur originalité, mais très différents dans leur conception et leur apparence.

Victor Horta était parmi les architectes les plus influents du début de l'Art nouveau, et son Hôtel Tassel (1892–1893) à Bruxelles est l'un des monuments du style. Horta a suivi une formation d'architecte en tant qu'assistant d' Alphonse Balat , architecte du roi Léopold II , construisant les monumentales serres royales de fer et de verre de Laeken . Il était un grand admirateur de Viollet-le-Duc , dont il s'identifiait complètement aux idées. En 1892-1893, il mit cette expérience à un tout autre usage. Il a conçu la résidence d'un éminent chimiste belge, Émile Tassel, sur un site très étroit et profond. L'élément central de la maison était l'escalier, non clos de murs, mais ouvert, orné d'une rampe en fer forgé à volutes, et placé sous une haute lucarne. Les sols étaient soutenus par de fines colonnes de fer comme des troncs d'arbres. Les sols et les murs en mosaïque étaient décorés d' arabesques délicates aux formes florales et végétales, qui sont devenues la signature la plus populaire du style. En peu de temps, Horta construit trois autres maisons de ville, toutes avec des intérieurs ouverts et toutes avec des lucarnes pour un maximum de lumière intérieure : l' Hôtel Solvay , l' Hôtel van Eetvelde (pour Edmond van Eetvelde ) et la Maison & Atelier Horta . Tous les quatre font maintenant partie d'un site du patrimoine mondial de l'UNESCO .

Paul Hankar était également un innovateur du début de l'Art nouveau. Né à Frameries , dans le Hainaut , fils d'un maître tailleur de pierre, il avait étudié la sculpture ornementale et la décoration à l' Académie royale des beaux-arts de Bruxelles de 1873 à 1884, tout en travaillant comme sculpteur ornemaniste. De 1879 à 1904, il travaille dans l'atelier de l'éminent architecte Henri Beyaert , maître de l'architecture éclectique et néoclassique . Grâce à Beyaert, Hankar est également devenu un admirateur de Viollet-le-Duc. En 1893, Hankar conçoit et construit la Maison Hankar, sa propre résidence à Bruxelles. Dans le but de créer une synthèse des beaux-arts et des arts décoratifs, il réunit le sculpteur René Janssens et le peintre Albert Ciamberlani pour décorer l'intérieur et l'extérieur de sgraffites , ou peintures murales. La façade et les balcons présentaient une décoration en fer et des lignes de curling dans des motifs floraux stylisés, qui sont devenus une caractéristique importante de l'Art nouveau. Sur la base de ce modèle, il construit plusieurs maisons pour ses amis artistes. Il a également conçu une série de vitrines en verre innovantes pour les boutiques, restaurants et galeries bruxelloises, dans ce qu'un critique local a qualifié de "véritable délire d'originalité". Il mourut en 1901, alors que le mouvement commençait à être reconnu.

Henry van de Velde , né à Anvers , est une autre figure fondatrice de la naissance de l'Art nouveau. Les conceptions de Van de Velde comprenaient l'intérieur de sa résidence à Bruxelles, le Bloemenwerf (1895). L'extérieur de la maison s'inspire de la Maison Rouge , résidence de l'écrivain et théoricien William Morris , fondateur du mouvement Arts and Crafts . Peintre de formation, Van de Velde se tourne vers l'illustration, puis vers le design de mobilier, et enfin vers l'architecture. Pour le Bloemenwerf, il a créé les textiles, papiers peints, argenterie, bijoux et même vêtements, qui correspondaient au style de la résidence. Van de Velde est allé à Paris, où il a conçu des meubles et des décorations pour le marchand d'art franco-allemand Siegfried Bing , dont la galerie parisienne a donné son nom au style. Il était également l'un des premiers théoriciens de l'Art nouveau, exigeant l'utilisation de lignes dynamiques, souvent opposées. Van de Velde a écrit : "Une ligne est une force comme toutes les autres forces élémentaires. Plusieurs lignes accolées mais opposées ont une présence aussi forte que plusieurs forces". En 1906, il quitte la Belgique pour Weimar (Allemagne), où il fonde l'École grand-ducale des arts et métiers, où l'enseignement des styles historiques est interdit. Il joua un rôle important dans le Werkbund allemand , avant de revenir en Belgique.

Les débuts de l'architecture Art nouveau à Bruxelles s'accompagnent d'une vague d'Art décoratif dans le nouveau style. Parmi les artistes importants figuraient Gustave Strauven , qui utilisait le fer forgé pour obtenir des effets baroques sur les façades bruxelloises ; le créateur de mobilier Gustave Serrurier-Bovy , connu pour ses chaises et ses meubles métalliques articulés très originaux ; et le créateur de bijoux Philippe Wolfers , qui a créé des bijoux en forme de libellules, papillons, cygnes et serpents.

L' Exposition internationale de Bruxelles tenue en 1897 a attiré l'attention internationale sur le style; Horta, Hankar, Van de Velde et Serrurier-Bovy, entre autres, ont participé à la conception de la foire et Henri Privat-Livemont a créé l'affiche de l'exposition.

Paris - Maison de l'Art nouveau (1895) et Castel Béranger (1895-1898)

Le marchand d'art et éditeur franco-allemand Siegfried Bing a joué un rôle clé dans la diffusion du style. En 1891, il fonde une revue consacrée à l'art du Japon, qui contribue à faire connaître le japonisme en Europe. En 1892, il organise une exposition de sept artistes, parmi lesquels Pierre Bonnard , Félix Vallotton , Édouard Vuillard , Toulouse-Lautrec et Eugène Grasset , qui comprend à la fois de la peinture moderne et des travaux décoratifs. Cette exposition est présentée à la Société nationale des beaux-arts en 1895. La même année, Bing ouvre une nouvelle galerie au 22 rue de Provence à Paris, la Maison de l'Art Nouveau , consacrée aux œuvres nouvelles dans les beaux et les beaux-arts. art décoratif. L'intérieur et le mobilier de la galerie ont été conçus par l'architecte belge Henry van de Velde , l'un des pionniers de l'architecture Art Nouveau. La Maison de l'Art nouveau présentait des peintures de Georges Seurat , Paul Signac et Toulouse-Lautrec , du verre de Louis Comfort Tiffany et d'Émile Gallé , des bijoux de René Lalique et des affiches d' Aubrey Beardsley . Les œuvres qui y sont présentées n'ont pas du tout un style uniforme. Bing écrivait en 1902 : « L'Art Nouveau, à l'époque de sa création, n'aspirait nullement à avoir l'honneur de devenir un terme générique. C'était simplement le nom d'une maison ouverte comme point de ralliement pour tous les jeunes et artistes ardents impatients de montrer la modernité de leurs tendances."

Le style est vite remarqué en France voisine. Après avoir visité l'Hôtel Tassel d'Horta, Hector Guimard fait construire entre 1895 et 1898 le Castel Béranger , parmi les premiers immeubles parisiens du nouveau style. Les Parisiens se plaignent de la monotonie de l'architecture des boulevards construits sous Napoléon III par Georges-Eugène Haussmann. . Le Castel Béranger était un curieux mélange de néo-gothique et d'Art nouveau, avec des lignes courbes en coup de fouet et des formes naturelles. Guimard, un publiciste habile pour son travail, a déclaré: "Ce qu'il faut éviter à tout prix, c'est ... le parallèle et la symétrie. La nature est le plus grand constructeur de tous, et la nature ne fait rien de parallèle et rien de symétrique."

Les Parisiens ont accueilli le style original et pittoresque de Guimard; le Castel Béranger a été choisi comme l'une des meilleures nouvelles façades de Paris, lançant la carrière de Guimard. Guimard a été chargé de concevoir les entrées du nouveau système de métro de Paris , qui a attiré l'attention des millions de visiteurs de l' Exposition Universelle de 1900 sur le style .

Exposition Universelle de Paris (1900)

L' Exposition universelle de Paris 1900 marque l'apogée de l'Art nouveau. Entre avril et novembre 1900, il attire près de cinquante millions de visiteurs du monde entier, et met en valeur l'architecture, le design, la verrerie, le mobilier et les objets décoratifs du style. L'architecture de l'Exposition était souvent un mélange d'architecture Art Nouveau et Beaux-Arts : la salle d'exposition principale, le Grand Palais avait une façade Beaux-Arts sans rapport avec le spectaculaire escalier Art Nouveau et la salle d'exposition à l'intérieur.

Les créateurs français ont tous réalisé des œuvres spéciales pour l'Exposition : cristal et joaillerie Lalique ; les bijoux d' Henri Vever et Georges Fouquet ; verre Daum ; la Manufacture nationale de Sèvres en porcelaine ; céramiques d' Alexandre Bigot ; lampes et vases en verre sculpté d' Émile Gallé ; mobilier d' Édouard Colonna et de Louis Majorelle ; et de nombreuses autres entreprises d'art et d'artisanat de premier plan. Lors de l'exposition de Paris de 1900, Siegfried Bing présente un pavillon appelé Art nouveau Bing , qui présente six intérieurs différents entièrement décorés dans le style.

L'exposition a été la première vitrine internationale pour les designers et artistes Art nouveau de toute l'Europe et d'ailleurs. Parmi les lauréats et les participants figuraient Alphonse Mucha , qui a réalisé des peintures murales pour le pavillon de la Bosnie-Herzégovine et conçu le menu du restaurant du pavillon ; les décorateurs et designers Bruno Paul et Bruno Möhring de Berlin ; Carlo Bugatti de Turin ; Bernhardt Pankok de Bavière ; L'architecte-designer russe Fyodor Schechtel et Louis Comfort Tiffany and Company des États-Unis. L'architecte viennois Otto Wagner était membre du jury et a présenté un modèle de la salle de bain Art nouveau de son propre appartement à Vienne, avec une baignoire en verre. Josef Hoffmann a conçu l'exposition viennoise à l'exposition de Paris, mettant en évidence les conceptions de la Sécession viennoise . Eliel Saarinen a d'abord gagné une reconnaissance internationale pour sa conception imaginative du pavillon de la Finlande.

Alors que l'Exposition universelle de Paris était de loin la plus grande, d'autres expositions ont beaucoup contribué à populariser le style. L' Exposition universelle de Barcelone de 1888 marqua le début du style moderniste en Espagne, avec quelques bâtiments de Lluís Domènech i Montaner . L' Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna de 1902 à Turin, en Italie, a présenté des designers de toute l'Europe, dont Victor Horta de Belgique et Joseph Maria Olbrich de Vienne, ainsi que des artistes locaux tels que Carlo Bugatti , Galileo Chini et Eugenio Quarti .

Variations locales

L'Art Nouveau en France

Après l'Exposition de 1900, la capitale de l'Art Nouveau est Paris. Les demeures les plus extravagantes du style ont été construites par Jules Lavirotte , qui a entièrement recouvert les façades d'un décor sculptural en céramique. L'exemple le plus flamboyant est l' immeuble Lavirotte , au 29, avenue Rapp (1901). Les immeubles de bureaux et les grands magasins comportaient de hautes cours couvertes de coupoles en vitraux et de décorations en céramique. Le style était particulièrement populaire dans les restaurants et les cafés, dont Maxim's au 3, rue Royale et Le Train bleu à la gare de Lyon (1900).

Le statut de Paris attire les artistes étrangers dans la ville. L'artiste d'origine suisse Eugène Grasset a été l'un des premiers créateurs d'affiches Art Nouveau françaises. Il participe à la décoration du célèbre cabaret Le Chat Noir en 1885, réalise ses premières affiches pour les Fêtes de Paris et une célèbre affiche de Sarah Bernhardt en 1890. A Paris, il enseigne à l'école d'art Guérin ( École normale d'enseignement du dessin ), où ses élèves comprenaient Augusto Giacometti et Paul Berthon . Né en Suisse, Théophile-Alexandre Steinlen crée la célèbre affiche du cabaret parisien Le Chat noir en 1896. L' artiste tchèque Alphonse Mucha (1860-1939) arrive à Paris en 1888 et réalise en 1895 une affiche pour l'actrice Sarah Bernhardt dans le jouer Gismonda de Victorien Sardou au Théâtre de la Renaissance . Le succès de cette affiche a conduit à un contrat pour produire des affiches pour six autres pièces de Bernhardt.

La ville de Nancy en Lorraine devient l'autre capitale française du nouveau style. En 1901, l' Alliance provinciale des industries d'art , également connue sous le nom d' École de Nancy , est fondée, vouée à bouleverser la hiérarchie qui place la peinture et la sculpture au-dessus des arts décoratifs. Parmi les artistes majeurs qui y travaillaient, citons les créateurs de vases et de lampes en verre Émile Gallé , les frères Daum en design verrier et le designer Louis Majorelle , qui a créé des meubles aux formes florales et végétales gracieuses. L'architecte Henri Sauvage apporte le nouveau style architectural à Nancy avec sa Villa Majorelle en 1902.

Le style français a été largement propagé par de nouveaux magazines, dont The Studio , Arts et Idées et Art et Décoration , dont les photographies et les lithographies en couleurs ont fait connaître le style aux designers et aux clients fortunés du monde entier.

En France, le style a atteint son apogée en 1900, puis s'est rapidement démodé, disparaissant pratiquement de France en 1905. L'Art nouveau était un style de luxe, qui nécessitait des artisans experts et bien rémunérés, et ne pouvait pas être facilement ou à moindre coût en masse. -produit. L'un des rares produits Art nouveau qui pouvait être produit en série était le flacon de parfum, et ceux-ci sont encore fabriqués dans le style aujourd'hui.

L'Art Nouveau en Belgique

La Belgique a été l'un des premiers centres de l'Art nouveau, en grande partie grâce à l'architecture de Victor Horta , qui a conçu l'une des premières maisons Art nouveau, l' Hôtel Tassel en 1893, et trois autres maisons de ville dans des variantes du même style. Ils sont maintenant des sites du patrimoine mondial de l'UNESCO . Horta a eu une forte influence sur l'œuvre du jeune Hector Guimard , venu voir l'Hôtel Tassel en construction, et a déclaré plus tard qu'Horta était « l'inventeur » de l'Art nouveau. L'innovation d'Horta n'était pas la façade, mais l'intérieur, utilisant une abondance de fer et de verre pour ouvrir l'espace et inonder de lumière les pièces, et les décorant de colonnes en fer forgé et de balustrades aux formes végétales courbes, qui se répercutaient sur les sols et murs, ainsi que les meubles et les tapis conçus par Horta.

Paul Hankar était un autre pionnier de l'Art nouveau bruxellois. Sa maison a été achevée en 1893, la même année que l'hôtel Tassel d'Horta, et comportait des peintures murales de sgraffites sur la façade. Hankar a été influencé à la fois par Viollet-le-Duc et les idées du mouvement anglais Arts and Crafts . Son idée de conception était de réunir les arts décoratifs et les beaux-arts dans un ensemble cohérent. Il chargea le sculpteur Alfred Crick et le peintre Adolphe Crespin  [ fr ] de décorer les façades des maisons avec leurs oeuvres. L'exemple le plus frappant est la maison et l'atelier construits pour l'artiste Albert Ciamberlani au 48, rue Defacqz / Defacqzstraat à Bruxelles, pour lesquels il a créé une façade exubérante recouverte de peintures murales sgraffito avec des personnages et des ornements peints, recréant l'architecture décorative du Quattrocento , ou l'Italie du XVe siècle. Hankar mourut en 1901, alors que son travail commençait à peine à être reconnu.

Gustave Strauven a commencé sa carrière en tant qu'assistant designer chez Horta, avant de créer son propre cabinet à 21 ans, réalisant certains des bâtiments Art nouveau les plus extravagants de Bruxelles. Son œuvre la plus célèbre est la Maison Saint-Cyr au 11, square Ambiorix / Ambiorixsquare . La maison ne mesure que 4 mètres (13 pieds) de large, mais ses inventions architecturales élaborées lui confèrent une hauteur extraordinaire. Elle est entièrement recouverte de briques polychromes et d'un réseau de formes végétales ondulantes en fer forgé , dans un style quasi Art Nouveau-Baroque.

Parmi les autres artistes belges importants de l'Art nouveau, citons l'architecte et designer Henry van de Velde , bien que la partie la plus importante de sa carrière se soit déroulée en Allemagne ; il a fortement influencé la décoration du Jugendstil . Parmi les autres figurent le décorateur Gustave Serrurier-Bovy et le graphiste Fernand Khnopff . Les créateurs belges ont profité d'un approvisionnement abondant en ivoire importé du Congo belge ; les sculptures mixtes, alliant pierre, métal et ivoire, d'artistes tels que Philippe Wolfers , étaient populaires.

Nieuwe Kunst aux Pays-Bas

Aux Pays-Bas, le style était connu sous le nom de Nieuwe Stijl ("New Style"), ou Nieuwe Kunst ("New Art"), et il a pris une direction différente du style plus floral et incurvé en Belgique. Il a été influencé par les formes plus géométriques et stylisées du Jugendstil allemand et de la Sécession viennoise autrichienne . Elle fut aussi influencée par l'art et importa des bois d' Indonésie , puis des Indes néerlandaises , notamment les dessins des textiles et batik de Java .

L'architecte et créateur de mobilier le plus important du style était Hendrik Petrus Berlage , qui dénonçait les styles historiques et prônait une architecture purement fonctionnelle. Il écrivait : « Il faut lutter contre l'art de l'illusion, reconnaître et reconnaître le mensonge, pour trouver l'essence et non l'illusion. Comme Victor Horta et Gaudí , il était un admirateur des théories architecturales de Viollet-le-Duc . Ses meubles ont été conçus pour être strictement fonctionnels et pour respecter les formes naturelles du bois, plutôt que de le plier ou de le tordre comme s'il s'agissait de métal. Il cite l'exemple des meubles égyptiens et préfère les chaises à angles droits. Sa première et la plus célèbre œuvre architecturale fut la Beurs van Berlage (1896-1903), la Bourse des marchandises d'Amsterdam, qu'il construisit selon les principes du constructivisme . Tout était fonctionnel, y compris les rangées de rivets qui décoraient les murs de la pièce principale. Il incluait souvent de très hautes tours à ses bâtiments pour les rendre plus proéminents, une pratique utilisée par d'autres architectes Art nouveau de l'époque, notamment Joseph Maria Olbrich à Vienne et Eliel Saarinen en Finlande.

Parmi les autres bâtiments du style, citons l' American Hotel (1898–1900), également de Berlage; et Astoria (1904-1905) de Herman Hendrik Baanders et Gerrit van Arkel à Amsterdam ; la gare de Haarlem (1906-1908) et l'ancien immeuble de bureaux de la Holland America Lines (1917) à Rotterdam , aujourd'hui l' hôtel New York .

Parmi les graphistes et illustrateurs éminents du style, citons Jan Toorop , dont le travail s'oriente vers le mysticisme et le symbolisme , même dans ses affiches pour l'huile de salade. Dans leurs couleurs et leurs dessins, ils montraient aussi parfois l'influence de l'art de Java.

Parmi les personnalités importantes de la céramique et de la porcelaine hollandaises figuraient Jurriaan Kok et Theo Colenbrander . Ils ont utilisé des motifs floraux colorés et des motifs Art nouveau plus traditionnels, combinés à des formes inhabituelles de poterie et à des couleurs sombres et claires contrastées, empruntées à la décoration batik de Java.

Style moderne et école de Glasgow en Grande-Bretagne

L'Art nouveau a ses racines en Grande-Bretagne, dans le mouvement Arts and Crafts qui a commencé dans les années 1860 et a atteint une reconnaissance internationale dans les années 1880. Il appelait à un meilleur traitement des arts décoratifs et s'inspirait de l'artisanat et du design médiévaux, ainsi que de la nature. Un premier exemple notable du style moderne est la conception d' Arthur Mackmurdo pour la couverture de son essai sur les églises de la ville de Sir Christopher Wren , publié en 1883, tout comme sa chaise en acajou de la même année.

D'autres innovateurs importants en Grande-Bretagne comprenaient les graphistes Aubrey Beardsley dont les dessins présentaient les lignes courbes qui sont devenues la caractéristique la plus reconnaissable du style. Le fer forgé à écoulement libre des années 1880 pourrait également être invoqué, ou certains motifs textiles floraux plats, dont la plupart devaient une certaine impulsion aux motifs du design du XIXe siècle. Parmi les autres graphistes britanniques qui occupaient une place importante dans le style, citons Walter Crane et Charles Ashbee .

Le grand magasin Liberty à Londres a joué un rôle important, à travers ses motifs floraux stylisés colorés pour les textiles, et les créations en argent, en étain et en bijoux de Manxman (d'origine écossaise) Archibald Knox . Ses créations de bijoux dans les matériaux et les formes rompent totalement avec les traditions historiques de la conception de bijoux.

Pour l'architecture Art nouveau et la conception de mobilier, le centre le plus important de Grande-Bretagne était Glasgow , avec les créations de Charles Rennie Mackintosh et de la Glasgow School , dont les travaux s'inspiraient de l'architecture baronniale écossaise et du design japonais. À partir de 1895, Mackintosh expose ses créations lors d'expositions internationales à Londres, Vienne et Turin; ses créations ont particulièrement influencé le style Sécession à Vienne. Ses créations architecturales incluent le Glasgow Herald Building (1894) et la bibliothèque de la Glasgow School of Art (1897). Il s'est également forgé une grande réputation en tant que designer et décorateur de meubles, travaillant en étroite collaboration avec sa femme, Margaret Macdonald Mackintosh , une éminente peintre et designer. Ensemble, ils ont créé des designs saisissants qui combinaient des lignes droites géométriques avec une décoration florale légèrement incurvée, en particulier un célèbre symbole du style, la Glasgow Rose ".

Léon-Victor Solon , a apporté une importante contribution à la céramique Art nouveau en tant que directeur artistique chez Mintons. Il s'est spécialisé dans les plaques et les vases tubulaires commercialisés comme "articles sécessionnistes" (généralement décrits comme nommés d'après le mouvement artistique viennois ). Outre la céramique, il a conçu des textiles pour l' industrie de la soie Leek et des doublures pour un relieur (GTBagguley de Newcastle-under-Lyme), qui a breveté la reliure Sutherland en 1895.

George Skipper était peut-être l'architecte Art nouveau le plus actif d'Angleterre. Le bâtiment Edward Everard à Bristol, construit entre 1900 et 1901 pour abriter les imprimeries d'Edward Everard , présente une façade Art nouveau. Les personnages représentés sont de Johannes Gutenberg et William Morris , tous deux éminents dans le domaine de l'imprimerie. Une figure ailée symbolise "l'esprit de la lumière", tandis qu'une figure tenant une lampe et un miroir symbolise la lumière et la vérité.

Jugendstil en Allemagne

L'Art nouveau allemand est communément connu sous son nom allemand, Jugendstil , ou "Style de la jeunesse". Le nom est tiré de la revue artistique, Die Jugend , ou Youth , qui a été publiée à Munich. Le magazine a été fondé en 1896 par Georg Hirth , qui est resté rédacteur en chef jusqu'à sa mort en 1916. Le magazine a survécu jusqu'en 1940. Au début du XXe siècle, le Jugendstil n'était appliqué qu'aux arts graphiques. Il se référait en particulier aux formes de typographie et de conception graphique trouvées dans les magazines allemands tels que Jugend , Pan et Simplicissimus . Jugendstil a ensuite été appliqué à d'autres versions de l'Art Nouveau en Allemagne, aux Pays-Bas. Le terme a été emprunté à l'allemand par plusieurs langues des États baltes et des pays nordiques pour décrire l'Art nouveau (voir la section Dénomination ).

En 1892, Georg Hirth a choisi le nom Munich Secession pour l'Association d'artistes visuels de Munich . La Sécession viennoise , fondée en 1897, et la Sécession berlinoise tirent également leur nom du groupe munichois.

Les revues Jugend et Simplicissimus , publiées à Munich, et Pan , publiée à Berlin, furent d'importants partisans du Jugendstil . L'art Jugendstil combinait des courbes sinueuses et des lignes plus géométriques, et était utilisé pour les couvertures de romans, les publicités et les affiches d'exposition . Les concepteurs ont souvent créé des styles originaux de police de caractères qui fonctionnaient harmonieusement avec l'image, par exemple la police de caractères Arnold Böcklin en 1904.

Otto Eckmann était l'un des artistes allemands les plus en vue associés à la fois à Die Jugend et à Pan . Son animal préféré était le cygne, et son influence était si grande que le cygne est devenu le symbole de tout le mouvement. Un autre designer de premier plan dans le style était Richard Riemerschmid , qui fabriquait des meubles, de la poterie et d'autres objets décoratifs dans un style sobre et géométrique qui pointait vers l'Art Déco. L'artiste suisse Hermann Obrist , vivant à Munich, a illustré le motif du coup de fouet ou coup de fouet, une double courbe très stylisée suggérant un mouvement tiré de la tige de la fleur de cyclamen .

La colonie d'artistes de Darmstadt a été fondée en 1899 par Ernest Ludwig, grand-duc de Hesse . L'architecte qui a construit la maison du grand-duc, ainsi que la plus grande structure de la colonie (tour de mariage), était Joseph Maria Olbrich , l'un des fondateurs de la Sécession viennoise . D'autres artistes notables de la colonie étaient Peter Behrens et Hans Christiansen . Ernest Ludwig a également chargé de reconstruire le complexe thermal de Bad Nauheim au début du siècle. Un tout nouveau complexe Sprudelhof  [ de ] a été construit en 1905-1911 sous la direction de Wilhelm Jost  [ de ] et a atteint l'un des principaux objectifs du Jugendstil : une synthèse de tous les arts. Un autre membre de la famille régnante qui a commandé une structure Art nouveau était la princesse Elisabeth de Hesse et du Rhin . Elle a fondé le couvent Marfo-Mariinsky à Moscou en 1908 et son katholikon est reconnu comme un chef-d'œuvre de l'Art nouveau.

Un autre syndicat notable dans l'Empire allemand était le Deutscher Werkbund , fondé en 1907 à Munich à l'instigation d' Hermann Muthesius par les artistes de la colonie de Darmstadt Joseph Maria Olbrich , Peter Behrens ; par un autre fondateur de la Sécession viennoise Josef Hoffmann , ainsi que par Wiener Werkstätte (fondée par Hoffmann), par Richard Riemerschmid , Bruno Paul et d'autres artistes et compagnies. Plus tard, le Belge Henry van de Velde a rejoint le mouvement. L' École grand-ducale des arts et métiers  [ de ] , fondée par lui à Weimar , était un prédécesseur du Bauhaus , l'un des courants les plus influents de l'architecture moderniste .

A Berlin Jugendstil a été choisi pour la construction de plusieurs gares. Le plus remarquable est Bülowstraße de Bruno Möhring (1900–1902), d'autres exemples sont Mexikoplatz (1902–1904), Botanischer Garten (1908–1909), Frohnau (1908–1910), Wittenbergplatz (1911–1913) et Pankow (1912– 1914) gares. Une autre structure notable de Berlin est Hackesche Höfe (1906) qui utilisait des briques vernissées polychromes pour la façade de la cour.

L'Art nouveau à Strasbourg (qui faisait alors partie de l'Empire allemand en tant que capitale du Reichsland Elsaß-Lothringen ) était une marque spécifique, en ce qu'il combinait des influences de Nancy et de Bruxelles , avec des influences de Darmstadt et de Vienne , pour opérer une synthèse locale. qui reflétait l' histoire de la ville entre les royaumes germanique et français.

Sécession en Autriche-Hongrie

Sécession viennoise

Vienne est devenue le centre d'une variante distincte de l'Art nouveau, connue sous le nom de Sécession viennoise . Le mouvement tire son nom de la Sécession de Munich établie en 1892. La Sécession de Vienne a été fondée en avril 1897 par un groupe d'artistes comprenant Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , Ernst Stöhr et d'autres. Le peintre Klimt est devenu le président du groupe. Ils se sont opposés à l'orientation conservatrice vers l'historicisme exprimée par Vienna Künstlerhaus , l'union officielle des artistes. La Sécession fonde une revue, Ver Sacrum , pour promouvoir leurs oeuvres dans tous les médias. L'architecte Joseph Olbrich a conçu le bâtiment en forme de dôme de la Sécession dans le nouveau style, qui est devenu une vitrine pour les peintures de Gustav Klimt et d'autres artistes de la Sécession.

Klimt est devenu le plus connu des peintres de la Sécession, effaçant souvent la frontière entre la peinture d'art et la peinture décorative. Koloman Moser était un artiste extrêmement polyvalent dans le style; son travail comprend des illustrations de magazines, de l'architecture, de l'argenterie, de la céramique, de la porcelaine, des textiles, des vitraux et des meubles.

L'architecte le plus en vue de la Sécession viennoise fut Otto Wagner , il rejoignit le mouvement peu après sa création pour suivre ses élèves Hoffmann et Olbrich. Ses grands projets comprenaient plusieurs gares du réseau ferroviaire urbain (la Stadtbahn ), les bâtiments Linke Wienzeile (composés de la maison de la majolique, de la maison des médaillons et de la maison de la Köstlergasse). La station Karlsplatz est aujourd'hui une salle d'exposition du Musée de Vienne . L' hôpital psychiatrique Kirche am Steinhof de Steinhof (1904-1907) est un exemple unique et finement travaillé de l'architecture religieuse de la Sécession, avec un extérieur en forme de dôme traditionnel mais un intérieur élégant et moderne en or et blanc éclairé par une abondance de vitraux modernes.

En 1899, Joseph Maria Olbrich s'installe à la colonie d'artistes de Darmstadt , en 1903 Koloman Moser et Josef Hoffmann fondent la Wiener Werkstätte , une école de formation et un atelier pour designers et artisans de meubles, tapis, textiles et objets décoratifs. En 1905, Koloman Moser et Gustav Klimt se sont séparés de la Sécession viennoise, plus tard en 1907, Koloman Moser a également quitté Wiener Werkstätte , tandis que son autre fondateur Josef Hoffmann a rejoint le Deutscher Werkbund . Gustav Klimt et Josef Hoffmann ont continué à collaborer, ils ont organisé l'exposition Kunstschau  [ de ] en 1908 à Vienne et ont construit le palais Stoclet à Bruxelles (1905-1911) qui a annoncé l'avènement de l'architecture moderniste . Il a été désigné site du patrimoine mondial par l'UNESCO en juin 2009.

Hongrois Szecesszió

Le pionnier et prophète de la Szecesszió (Sécession en hongrois), l'architecte Ödön Lechner , a créé des bâtiments qui ont marqué une transition de l'historicisme au modernisme pour l'architecture hongroise. Son idée d'un style architectural hongrois était l'utilisation de céramiques architecturales et de motifs orientaux. Dans ses œuvres, il a utilisé la pygorganite mise en production en 1886 par la manufacture de porcelaine de Zsolnay . Ce matériau a été utilisé dans la construction de bâtiments hongrois remarquables d'autres styles, par exemple le bâtiment du Parlement hongrois et l'église Matthias .

Les œuvres d'Ödön Lechner comprennent le Musée des arts appliqués (1893–1896), d'autres bâtiments aux caractéristiques distinctives similaires sont le Musée géologique (1896–1899) et le bâtiment de la Caisse d'épargne postale (1899–1902), tous à Budapest . Cependant, en raison de l'opposition de l'establishment architectural hongrois au succès de Lechner, il fut bientôt incapable d'obtenir de nouvelles commandes comparables à ses bâtiments antérieurs. Mais Lechner a été une source d'inspiration et un maître pour la génération suivante d'architectes qui ont joué le rôle principal dans la vulgarisation du nouveau style. Dans le cadre du processus de magyarisation, de nombreux bâtiments ont été commandés à ses disciples dans la périphérie du royaume : par exemple, Marcell Komor  [ hu ] et Dezső Jakab ont été chargés de construire la synagogue (1901-1903) et l'hôtel de ville (1908-1910) à Szabadka (aujourd'hui Subotica , Serbie ), préfecture du comté (1905-1907) et palais de la culture (1911-1913) à Marosvásárhely (aujourd'hui Târgu Mureș , Roumanie ). Plus tard, Lechner lui-même a construit l' église bleue à Pozsony (aujourd'hui Bratislava , Slovaquie ) en 1909-1913.

Un autre architecte important était Károly Kós qui était un disciple de John Ruskin et William Morris . Kós a pris le mouvement du romantisme national finlandais comme modèle et la langue vernaculaire transylvanienne comme source d'inspiration. Ses bâtiments les plus remarquables incluent l'église catholique romaine de Zebegény (1908–09), les pavillons du zoo municipal de Budapest (1909–1912) et le musée national de Székely à Sepsiszentgyörgy (aujourd'hui Sfântu Gheorghe , Roumanie, 1911–12).

Le mouvement qui a promu Szecesszió dans les arts était Gödöllő Art Colony, fondé par Aladár Körösfői-Kriesch , également disciple de John Ruskin et William Morris et professeur à l'École royale d'arts appliqués de Budapest en 1901. Ses artistes ont participé à de nombreux projets, dont l' Académie de musique Franz Liszt de Budapest.

Associée à Gödöllő Art Colony, Miksa Róth a également été impliquée dans plusieurs dizaines de projets Szecesszió, notamment des bâtiments de Budapest, dont le palais Gresham (vitraux, 1906) et la banque Török  [ fr ] (mosaïques, 1906) et a également créé des mosaïques et des vitraux pour Palace . de la culture (1911-1913) à Marosvásárhely.

Un designer de meubles remarquable est Ödön Faragó  [ hu ] qui a combiné l'architecture populaire traditionnelle, l'architecture orientale et l'Art nouveau international dans un style très pittoresque. Pál Horti  [ hu ] , un autre designer hongrois, avait un style beaucoup plus sobre et fonctionnel, en chêne avec de délicats entrelacs d'ébène et de laiton.

Sécession à Prague et ailleurs

Les bâtiments de la Sécession les plus remarquables de Prague sont des exemples d' art total avec une architecture, des sculptures et des peintures distinctives. La gare principale (1901-1909) a été conçue par Josef Fanta et présente des peintures de Václav Jansa et des sculptures de Ladislav Šaloun et Stanislav Sucharda ainsi que d'autres artistes. La maison municipale (1904-1912) a été conçue par Osvald Polívka et Antonín Balšánek, peinte par le célèbre peintre tchèque Alphonse Mucha et présente des sculptures de Josef Mařatka et Ladislav Šaloun . Polívka, Mařatka et Šaloun ont coopéré simultanément à la construction du nouvel hôtel de ville (1908-1911) avec Stanislav Sucharda , et Mucha a peint plus tard les vitraux de la cathédrale Saint-Guy dans son style distinctif.

Le style consistant à combiner la Szecesszió hongroise et des éléments architecturaux nationaux était typique de l' architecte slovaque Dušan Jurkovič . Ses œuvres les plus originales sont la Maison de la culture de Szakolca (aujourd'hui Skalica en Slovaquie , 1905), les bâtiments de la station thermale de Luhačovice (aujourd'hui République tchèque) en 1901-1903 et 35 cimetières de guerre près de Nowy Żmigród en Galice (aujourd'hui Pologne), dont la plupart fortement influencés par l'art populaire et la menuiserie locaux Lemko ( Rusyn ) (1915-1917).

L' architecte le plus prolifique de la Sécession slovène était Ciril Metod Koch . Il a étudié dans les classes d' Otto Wagner à Vienne et a travaillé au conseil municipal de Laybach (aujourd'hui Ljubljana , Slovénie ) de 1894 à 1923. Après le tremblement de terre de Laybach en 1895, il a conçu de nombreux bâtiments laïques de style Sécession qu'il a adoptés de 1900 à 1910: Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), bâtiment Hauptmann rénové dans le style Sécession en 1904. Le point culminant de sa carrière fut la Loan Bank à Radmannsdorf (aujourd'hui Radovljica) en 1906 .

L'Art nouveau en Roumanie

L'Art nouveau apparaît en Roumanie au cours des mêmes années qu'en Europe occidentale (du début des années 1890 jusqu'au déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914), mais ici peu de bâtiments de ce style, les Beaux Arts étant prédominants . Le plus célèbre d'entre eux est le Casino de Constanța . La plupart des exemples roumains d'architecture Art Nouveau sont en fait des mélanges de Beaux Arts et d'Art Nouveau, comme la maison Romulus Porescu ou la maison no. 61 sur Strada Vasile Lascăr, tous deux à Bucarest. En effet, le style était quelque peu illégal dans l'architecture roumaine, car il était populaire en Transylvanie , qui faisait alors partie de l' empire austro-hongrois , où les Roumains étaient réprimés et discriminés, bien qu'ils soient la majorité de la population. Ainsi, les personnes qui voulaient une maison Art nouveau dans les années 1900 et au début des années 1910 ne pouvaient mettre que quelques ornements subtils rappelant le style, tandis que le reste était complètement Beaux Arts ou, dans de rares cas, néo- roumain . Un exemple en est la maison Fanny et Isac Popper à Bucarest (Strada Sfinților n ° 1), 1914, d' Alfred Popper , qui est principalement dans le style académique des Beaux Arts, mais a quelques reliefs Art nouveau de femmes dansant et jouant des instruments de musique aux bases des deux pilastres et fleurs au-dessus de la porte en arc . Une caractéristique fréquente rappelant le style sont les fenêtres en arc qui ont des éléments de boiseries courbes . Cependant, cette caractéristique de fenêtre n'est pas nécessairement Art Nouveau, puisque l'architecture Beaux Arts et Rococo Revival a tendance à utiliser des lignes courbes et sinueuses, en particulier dans les années 1890, 1900 et 1910.

L'un des peintres roumains les plus remarquables de l'Art nouveau était Ștefan Luchian , qui a rapidement repris les directions novatrices et décoratives de l'Art nouveau pendant une courte période. Le moment a été synchronisé avec la fondation de la société Ileana en 1897, dont il était membre fondateur, une société qui a organisé une exposition (1898) à l'hôtel Union intitulée L'exposition des artistes indépendants et a publié un magazine - le magazine Ileana.

La Transylvanie possède des exemples de bâtiments Art nouveau et néo-roumain, le premier datant de l'époque austro-hongroise. La plupart d'entre eux se trouvent à Oradea , surnommée la "capitale de l'Art nouveau de la Roumanie", mais aussi à Timișoara , Târgu Mureș et Sibiu .

Stile Liberty en Italie

L'Art nouveau en Italie était connu sous le nom d' arte nuova , stile floreale , stile moderno et surtout stile Liberty . Le style Liberty tire son nom d' Arthur Lasenby Liberty et du magasin qu'il fonda en 1874 à Londres, Liberty Department Store , qui se spécialisait dans l'importation de parures, de textiles et d'objets d'art du Japon et d'Extrême-Orient, et dont les textiles colorés étaient particulièrement prisés en Italie. . Parmi les designers italiens notables du style figuraient Galileo Chini , dont les céramiques étaient souvent inspirées à la fois par des motifs de majolique . Il fut plus tard connu comme peintre et décorateur de théâtre ; il a conçu les décors de deux célèbres opéras de Puccini, Gianni Schicchi et Turandot .

L'architecture de style Liberty variait considérablement et suivait souvent les styles historiques, en particulier le baroque. Les façades étaient souvent inondées de décorations et de sculptures. Des exemples du style Liberty incluent le Villino Florio (1899–1902) d' Ernesto Basile à Palerme ; le Palazzo Castiglioni à Milan de Giuseppe Sommaruga (1901-1903) ; Milan et la Casa Guazzoni (1904–05) à Milan par Giovanni Battista Bossi (1904–06).

Les fresques colorées, peintes ou en céramique, et la sculpture, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur, étaient une caractéristique populaire du style Liberty. Ils se sont inspirés à la fois de thèmes classiques et floraux. comme dans les bains d'Acque della Salute et dans la Casa Guazzoni à Milan.

La figure la plus importante du design de style Liberty était Carlo Bugatti , fils d'architecte et décorateur, père de Rembrandt Bugatti , sculpteur Liberty, et d' Ettore Bugatti , célèbre designer automobile. Il étudie à l' Académie milanaise de Brera , puis à l' Académie des Beaux-Arts de Paris. Son travail se distinguait par son exotisme et son excentricité, comprenant de l'argenterie, des textiles, de la céramique et des instruments de musique, mais il est surtout connu pour ses créations de meubles innovantes, présentées pour la première fois à la Foire des beaux-arts de Milan en 1888. Ses meubles comportaient souvent une conception en trou de serrure et avaient des revêtements inhabituels, notamment du parchemin et de la soie, ainsi que des incrustations d'os et d'ivoire. Il avait aussi parfois des formes organiques surprenantes, copiées sur les escargots et les cobras.

Art nouveau et sécession en Serbie

En raison de la proximité de l'Autriche-Hongrie et de la Voïvodine faisant partie de l'empire jusqu'en 1918, la Sécession de Vienne et la Szecesszió hongroise étaient des mouvements répandus dans ce qui est aujourd'hui le nord de la Serbie, ainsi que la capitale de Belgrade . De célèbres architectes autrichiens et hongrois ont conçu de nombreux bâtiments à Subotica , Novi Sad , Palić , Zrenjanin , Vrbas , Senta et Kikinda . L'héritage Art nouveau de Belgrade , Pančevo , Aranđelovac et Vrnjačka Banja est un mélange de mouvements français, allemands, autrichiens, hongrois et serbes locaux. De la beauté florale sinueuse de la synagogue de Subotica aux rosaces inspirées du style Morava sur le bâtiment du télégraphe de Belgrade, l'architecture Art nouveau prend différentes formes dans la Serbie actuelle.

Au début des années 1900, au nord de la Sava et du Danube, le sentiment national hongrois renaissant a imprégné les bâtiments de Subotica et de Senta de motifs ethniques floraux locaux, tandis que dans le petit royaume de Serbie, des romantiques nationaux comme Branko Tanezević et Dragutin Inkiostiri-Medenjak (tous deux né dans l'empire austro-hongrois), a traduit les motifs traditionnels de la Serbie dans de merveilleux bâtiments. D'autres architectes, comme Milan Antonović et Nikola Nestorović, ont apporté les lignes sinueuses et les motifs naturels alors à la mode dans les maisons et les entreprises de leurs riches mécènes, afin qu'ils puissent montrer leur mondanité et suivre les tendances à Paris, Munich et Vienne.

Modernisme et Modernisme en Espagne

Une variante très originale du style est apparue à Barcelone , en Catalogne , à peu près au même moment où le style Art Nouveau est apparu en Belgique et en France. Il s'appelait Modernisme en catalan et Modernismo en espagnol. Son créateur le plus célèbre était Antoni Gaudí . Gaudí a utilisé des formes florales et organiques d'une manière très nouvelle dans le Palau Güell (1886-1890). Selon l'UNESCO, "l'architecture du parc combinait des éléments du mouvement Arts and Crafts, du symbolisme, de l'expressionnisme et du rationalisme, et présageait et influençait de nombreuses formes et techniques du modernisme du XXe siècle". Il intègre dans son architecture des métiers d'art comme la céramique , le vitrail , la ferronnerie , la forge et la menuiserie . Dans ses pavillons Güell (1884-1887) puis dans le parc Güell (1900-1914), il utilisa également une nouvelle technique appelée trencadís , qui utilisait des déchets de céramique. Ses créations d'environ 1903, la Casa Batlló (1904-1906) et la Casa Milà (1906-1912), sont les plus étroitement liées aux éléments stylistiques de l'Art nouveau. Des structures ultérieures telles que la Sagrada Família ont combiné des éléments Art nouveau avec le néo-gothique revivaliste . La Casa Batlló , la Casa Milà , les Pavillons Güell et le Parc Güell sont le résultat de sa collaboration avec Josep Maria Jujol , qui a lui-même créé des maisons à Sant Joan Despí (1913-1926), plusieurs églises près de Tarragone (1918 et 1926) et la sinueuse Casa Planells (1924) à Barcelone .

Outre la présence dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner a également utilisé l'Art Nouveau à Barcelone dans des bâtiments tels que le Castell dels Tres Dragons (1888), la Casa Lleó Morera , le Palau de la Música Catalana (1905) et l'Hôpital de Sant Pau (1901– 1930). Ces deux derniers édifices ont été classés par l'UNESCO au patrimoine culturel mondial .

Josep Puig i Cadafalch , qui a conçu la Casa Martí et son café Els Quatre Gats , l'usine textile Casimir Casaramona (aujourd'hui le musée d'art CaixaFòrum ), la Casa Macaya, la Casa Amatller , le Palau del Baró de Quadras (abritant la Casa Àsia pendant 10 ans jusqu'en 2013) et la Casa de les Punxes ("Maison des pointes").

Un mouvement Art nouveau distinctif était également présent dans la Communauté valencienne . Certains des architectes notables étaient Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Montaud et José María Manuel Cortina Pérez . Les caractéristiques déterminantes de l'Art nouveau valencien sont une utilisation notable de la céramique dans la décoration, à la fois dans la façade et dans l'ornementation, ainsi que l'utilisation de motifs régionaux valenciens.

Une autre variante remarquable est l' Art nouveau madrilène ou "Modernismo madrileño", avec des bâtiments aussi remarquables que le Palais Longoria , le Casino de Madrid ou le Cementerio de la Almudena , entre autres. Les architectes José López Sallaberry , Fernando Arbós y Tremanti et Francisco Andrés Octavio  [ es ] étaient des modernistes renommés de Madrid .

Le mouvement moderniste a laissé un vaste patrimoine artistique comprenant des dessins, des peintures, des sculptures, du travail du verre et du métal, des mosaïques, des céramiques et des meubles. Une partie se trouve au Museu Nacional d'Art de Catalunya .

Inspiré par un café parisien appelé Le Chat Noir , où il avait précédemment travaillé, Pere Romeu i Borràs  [ ca ] a décidé d'ouvrir un café à Barcelone qui s'appelait Els Quatre Gats (Quatre chats en catalan). Le café est devenu un point de rencontre central pour les figures les plus éminentes du modernisme de Barcelone , telles que Pablo Picasso et Ramon Casas i Carbó qui ont contribué à promouvoir le mouvement par ses affiches et ses cartes postales. Pour le café, il a créé une image intitulée Ramon Casas et Pere Romeu sur un tandem qui a été remplacée par son autre composition intitulée Ramon Casas et Pere Romeu dans une automobile en 1901, symbolisant le nouveau siècle.

Antoni Gaudí a conçu des meubles pour de nombreuses maisons qu'il a construites; un exemple est un fauteuil appelé le pour la Battle House . Il a influencé un autre célèbre designer de meubles catalan, Gaspar Homar  [ ca ] (1870–1953) qui combinait souvent la marqueterie et les mosaïques avec ses meubles.

Arte Nova au Portugal

La variante Art nouveau à Aveiro (Portugal) s'appelait Arte Nova , et sa principale caractéristique était l'ostentation : le style était utilisé par la bourgeoisie qui voulait exprimer sa richesse sur les façades tout en laissant les intérieurs conservateurs. Une autre caractéristique distinctive d'Arte Nova était l'utilisation de carreaux produits localement avec des motifs Art nouveau.

L'artiste le plus influent d'Arte Nova était Francisco Augusto da Silva Rocha. Bien qu'il n'ait pas reçu de formation d'architecte, il a conçu de nombreux bâtiments à Aveiro et dans d'autres villes du Portugal. L'une d'elles, la résidence Major Pessoa, présente à la fois une façade et un intérieur Art nouveau, et abrite aujourd'hui le Musée d'Arte Nova.

Il existe d'autres exemples d'Arte Nova dans d'autres villes du Portugal. Certains d'entre eux sont le musée-résidence Dr. Anastácio Gonçalves de Manuel Joaquim Norte Júnior  [ pt ] (1904–1905) à Lisbonne , le Café Majestic de João Queiroz  [ pt ] (1921) et la librairie Livraria Lello de Xavier Esteves  [ pt ] ( 1906), tous deux à Porto .

Jugendstil dans les pays nordiques

Finlande

L'Art nouveau était populaire dans les pays nordiques , où il était généralement connu sous le nom de Jugendstil , et était souvent combiné avec le style romantique national de chaque pays. Le pays nordique avec le plus grand nombre de bâtiments Jugendstil est le Grand - Duché de Finlande , alors une partie de l' Empire russe . La période Jugendstil a coïncidé avec l'âge d'or de l'art finlandais et l'éveil national. Après l'exposition de Paris en 1900, le principal artiste finlandais était Akseli Gallen-Kallela . Il est connu pour ses illustrations du Kalevala , l'épopée nationale finlandaise, ainsi que pour avoir peint de nombreux édifices du Judendstil dans le duché.

Les architectes du pavillon finlandais à l'Exposition étaient Herman Gesellius , Armas Lindgren et Eliel Saarinen . Ils ont travaillé ensemble de 1896 à 1905 et ont créé de nombreux bâtiments remarquables à Helsinki , notamment le bâtiment Pohjola Insurance (1899-1901) et le Musée national de Finlande (1905-1910) ainsi que leur résidence commune Hvitträsk à Kirkkonummi (1902). Les architectes se sont inspirés des légendes nordiques et de la nature, la façade en granit brut est ainsi devenue un symbole d'appartenance à la nation finlandaise. Après la dissolution de l'entreprise, Saarinen a conçu la gare d'Helsinki (1905-1914) dans des formes plus claires, influencées par l'architecture américaine. Le sculpteur qui a travaillé avec Saarinen dans la construction du Musée national de Finlande et de la gare d'Helsinki était Emil Wikström .

Un autre architecte qui a créé plusieurs œuvres remarquables en Finlande était Lars Sonck . Ses principales œuvres Jugendstil incluent la cathédrale de Tampere (1902-1907), Ainola , la maison de Jean Sibelius (1903), le siège de l'Association téléphonique d'Helsinki (1903-1907) et l'église Kallio à Helsinki (1908-1912). En outre, Magnus Schjerfbeck , frère d' Helene Schjerfbeck , a fait du sanatorium de la tuberculose connu sous le nom de Nummela Sanatorium en 1903 en utilisant le style Jugendstil.

Norvège

La Norvège aspirait également à l'indépendance (de la Suède) et l'Art nouveau local était lié à un renouveau inspiré de l'art et de l'artisanat folklorique viking . Parmi les designers notables figuraient Lars Kisarvik, qui a conçu des chaises avec des motifs vikings et celtiques traditionnels , et Gerhard Munthe , qui a conçu une chaise avec un emblème stylisé à tête de dragon d'anciens navires vikings, ainsi qu'une grande variété d'affiches, de peintures et de graphiques.

La ville norvégienne d'Ålesund est considérée comme le principal centre de l'Art nouveau en Scandinavie car elle a été entièrement reconstruite après un incendie le 23 janvier 1904. Environ 350 bâtiments ont été construits entre 1904 et 1907 selon un plan d'urbanisme conçu par l'ingénieur Frederik Næsser. La fusion de l'unité et de la variété a donné naissance à un style connu sous le nom d'Ål Stil. Les bâtiments de ce style ont un décor linéaire et des échos d'éléments Jugendstil et vernaculaires, par exemple les tours des églises en bois debout ou les toits à crête. L'un des bâtiments, Swan Pharmacy, abrite aujourd'hui le Centre Art nouveau .

Suède et Danemark

Parmi les chefs-d'œuvre du Jugendstil d'autres pays nordiques, citons Engelbrektskyrkan (1914) et le Royal Dramatic Theatre (1901-1908) à Stockholm , en Suède, et l'ancienne bibliothèque municipale (aujourd'hui Archives nationales danoises ) à Aarhus , au Danemark (1898-1901). L'architecte de ce dernier est Hack Kampmann , alors adepte du style romantique national qui a également créé Custom House , Theater et Villa Kampen à Aarhus . Le créateur d'art nouveau le plus remarquable du Danemark était l'orfèvre Georg Jensen . L' exposition baltique de Malmö 1914 peut être considérée comme la dernière grande manifestation du Jugendstil en Suède.

Moderne en Russie

Модерн ("Moderne") était une variante russe très colorée de l'Art Nouveau qui apparut à Moscou et à Saint-Pétersbourg en 1898 avec la publication d'une nouvelle revue d'art, "Мир искусства" (translittération : Mir Iskusstva ) ("Le Monde de l'Art" ), par les artistes russes Alexandre Benois et Léon Bakst , et le rédacteur en chef Sergei Diaghilev . Le magazine a organisé des expositions d'artistes russes de premier plan, dont Mikhail Vrubel , Konstantin Somov , Isaac Levitan et l'illustrateur de livres Ivan Bilibin . Le style World of Art utilisait moins les formes végétales et florales de l'Art nouveau français; il s'inspirait fortement des couleurs vives et des motifs exotiques du folklore et des contes de fées russes. La contribution la plus influente du "Monde de l'Art" fut la création d'une nouvelle compagnie de ballet, les Ballets Russes , dirigée par Diaghilev, avec des costumes et des décors conçus par Bakst et Benois. La nouvelle compagnie de ballet a été créée à Paris en 1909 et s'y est produite chaque année jusqu'en 1913. Les décors exotiques et colorés conçus par Benois et Bakst ont eu un impact majeur sur l'art et le design français. Les costumes et les décors ont été reproduits dans les principaux magazines parisiens, L'Illustration , La Vie parisienne et Gazette du bon ton , et le style russe est devenu connu à Paris sous le nom de à la Bakst . La compagnie a d'abord été bloquée à Paris par le déclenchement de la Première Guerre mondiale, puis par la Révolution russe en 1917, et ironiquement, elle ne s'est jamais produite en Russie.

Parmi les architectes russes, le plus important dans le pur style Art nouveau était Fyodor Schechtel . L'exemple le plus célèbre est la maison Ryabushinsky à Moscou. Il a été construit par un homme d'affaires russe et propriétaire d'un journal, puis, après la Révolution russe , est devenu la résidence de l'écrivain Maxime Gorki et est aujourd'hui le musée Gorki. Son escalier principal, fait d'un agrégat poli de béton, de marbre et de granit, aux lignes fluides et sinueuses comme les vagues de la mer, est éclairé par une lampe en forme de méduse flottante. L'intérieur présente également des portes, des fenêtres et un plafond décorés de fresques colorées en mosaïque. Schechtel, qui est également considéré comme une figure majeure du symbolisme russe , a conçu plusieurs autres bâtiments emblématiques de Moscou, notamment la reconstruction de la gare de Moscou Yaroslavsky , dans un style de renaissance moscovite plus traditionnel.

D'autres architectes russes de l'époque ont créé l'architecture néo-russe , qui s'inspire de l'architecture russe historique . Ces bâtiments ont été créés principalement en bois et faisaient référence à l' architecture de Kievan Rus . Un exemple est la maison Teremok à Talashkino (1901–1902) de Sergey Malyutin et la maison Pertsova (également connue sous le nom de maison Pertsov) à Moscou (1905–1907). Il était également membre du mouvement Mir iskusstva . L' architecte de Saint-Pétersbourg Nikolai Vasilyev a construit dans une gamme de styles avant d'émigrer en 1923. Ce bâtiment est le plus remarquable pour les sculptures sur pierre réalisées par Sergei Vashkov inspirées des sculptures de la cathédrale Saint-Demetrius à Vladimir et de la cathédrale Saint-Georges à Yuryev-Polsky du XIIe et XIIIe siècles. Un autre exemple de cette architecture néo-russe est le couvent Marfo-Mariinsky (1908-1912), une église orthodoxe russe mise à jour par Alexey Shchusev , qui plus tard, ironiquement, a conçu le mausolée de Lénine à Moscou.

Plusieurs colonies d'art en Russie à cette époque ont été construites dans le style néo-russe . Les deux colonies les plus connues étaient Abramtsevo , financée par Savva Mamontov , et Talashkino , gouvernorat de Smolensk , financée par la princesse Maria Tenisheva .

Jūgendstils (Art nouveau à Riga)

Riga , l'actuelle capitale de la Lettonie , était à l'époque l'une des principales villes de l' Empire russe . L'architecture Art nouveau à Riga s'est néanmoins développée selon sa propre dynamique, et le style est devenu extrêmement populaire dans la ville. Peu de temps après l'exposition ethnographique lettone de 1896 et l'exposition industrielle et artisanale de 1901, l'Art nouveau est devenu le style dominant de la ville. Ainsi, l'architecture Art nouveau représente un tiers de tous les bâtiments du centre de Riga, ce qui en fait la ville avec la plus forte concentration de tels bâtiments au monde. La quantité et la qualité de l'architecture Art nouveau figuraient parmi les critères d'inscription de Riga au patrimoine culturel mondial de l'UNESCO .

Il y avait différentes variantes de l'architecture Art Nouveau à Riga :

  • dans l'Art nouveau éclectique, les éléments de décoration floraux et autres inspirés de la nature étaient les plus populaires. Des exemples de cette variation sont les œuvres de Mikhail Eisenstein ,
  • dans l'Art nouveau perpendiculaire, des ornements géométriques sont intégrés dans les compositions verticales des façades. Plusieurs grands magasins ont été construits dans ce style, et il est parfois aussi appelé "style grand magasin" ou Warenhausstil en allemand,
  • L'Art nouveau romantique national s'inspire de l'art populaire local, des volumes monumentaux et de l'utilisation de matériaux de construction naturels.

Certains bâtiments néoclassiques ultérieurs contenaient également des détails Art Nouveau.

Style Sapin à La Chaux-de-Fonds, Suisse

Une variante appelée Style Sapin ("Pine Tree Style") est apparue à La Chaux-de-Fonds dans le canton de Neuchâtel en Suisse. Le style a été lancé par le peintre et artiste Charles l'Eplattenier et s'est inspiré notamment du sapin , ou pin, et d'autres plantes et animaux sauvages des montagnes du Jura . L'une de ses œuvres majeures était le crématorium de la ville, qui présentait des formes d'arbres triangulaires, des pommes de pin et d'autres thèmes naturels de la région. Le style s'est également mélangé aux éléments stylistiques plus géométriques du Jugendstil et de la Sécession viennoise .

Un autre bâtiment remarquable dans le style est la Villa Fallet La Chaux-de-Fonds , un chalet conçu et construit en 1905 par un élève de L'Epplattenier, Le Corbusier , âgé de dix-huit ans . La forme de la maison était un chalet suisse traditionnel , mais la décoration de la façade comprenait des arbres triangulaires et d'autres éléments naturels. Le Corbusier a construit deux autres chalets dans la région, dont la Villa Stotzer, dans un style de chalet plus traditionnel.

Tiffany Style et Louis Sullivan aux États-Unis

Aux États-Unis, la firme Louis Comfort Tiffany a joué un rôle central dans l'Art nouveau américain. Né en 1848, il étudie à la National Academy of Design de New York, commence à travailler le verre à 24 ans, entre dans l'entreprise familiale créée par son père et crée en 1885 sa propre entreprise consacrée au verre fin et développe de nouvelles techniques pour sa coloration. En 1893, il commence à fabriquer des vases et des bols en verre, développant à nouveau de nouvelles techniques qui permettent des formes et des couleurs plus originales, et commence à expérimenter le verre à vitre décoratif. Des couches de verre sont imprimées, marbrées et superposées, donnant une richesse et une variété de couleurs exceptionnelles. En 1895, ses nouvelles œuvres sont présentées dans la galerie Art nouveau de Siegfried Bing, lui donnant une nouvelle clientèle européenne. Après la mort de son père en 1902, il reprend l'ensemble de l'entreprise Tiffany, mais consacre encore une grande partie de son temps à la conception et à la fabrication d'objets d'art en verre. Sous l'impulsion de Thomas Edison , il se lance dans la fabrication de lampes électriques aux abat-jour de verre multicolores dans des structures de bronze et de fer, ou décorées de mosaïques, produites en de nombreuses séries et éditions, chacune réalisée avec le soin d'un bijou. Une équipe de designers et d'artisans a travaillé sur chaque produit. La lampe Tiffany en particulier est devenue l'une des icônes de l'Art nouveau, mais les artisans de Tiffany ont conçu et fabriqué des fenêtres, des vases et d'autres objets d'art en verre extraordinaires. Le verre de Tiffany a également eu un grand succès à l' Exposition Universelle de 1900 à Paris; son vitrail intitulé le Vol des âmes a remporté une médaille d'or. L'exposition colombienne était un lieu important pour Tiffany; une chapelle qu'il a conçue a été montrée au pavillon d'art et d'industrie. La chapelle Tiffany, ainsi que l'une des fenêtres de la maison de Tiffany à New York, sont maintenant exposées au musée d'art américain Charles Hosmer Morse à Winter Park , en Floride.

L'architecte Louis Sullivan est une autre figure importante de l'Art nouveau américain . Sullivan était l'un des principaux pionniers de l'architecture moderne américaine. Il a été le fondateur de la Chicago School , l'architecte de certains des premiers gratte-ciel et le professeur de Frank Lloyd Wright . Son dicton le plus célèbre était "La forme suit la fonction". Alors que la forme de ses bâtiments était façonnée par leur fonction, sa décoration était un exemple de l'Art nouveau américain. Lors de l' Exposition universelle de 1893 à Chicago, célèbre pour l'architecture néoclassique de sa célèbre ville blanche , il a conçu une spectaculaire entrée Art nouveau pour le très fonctionnel Transportation Building.

Alors que l'architecture de son bâtiment Carson, Pirie, Scott and Company (1899) (maintenant le Sullivan Center ) était étonnamment moderne et fonctionnelle, il entoura les fenêtres d'une décoration florale stylisée. Il a inventé une décoration tout aussi originale pour la National Farmer's Bank of Owatonna , Minnesota (1907-1908) et la Merchants' National Bank à Grinell, Iowa. Il invente une variété spécifiquement américaine de l'Art nouveau, déclarant que les formes décoratives doivent osciller, déferler, se mélanger et dériver sans fin. Il a créé des œuvres d'une grande précision qui mêlaient parfois des thèmes gothiques à des thèmes Art nouveau.

L'Art nouveau en Argentine

Inondée d'immigrants européens, l'Argentine a accueilli tous les styles artistiques et architecturaux européens, y compris l'Art nouveau. Les villes avec le patrimoine Art nouveau le plus remarquable en Argentine sont Buenos Aires , Rosario et Mar del Plata .

Paris était un prototype pour Buenos Aires avec la construction de grands boulevards et avenues au XIXe siècle. Le style local ainsi que l'influence française suivaient également la liberté italienne car de nombreux architectes ( Virginio Colombo , Francisco Gianotti , Mario Palanti ) étaient italiens. Dans les œuvres de Julián García Núñez  [ es ] , l'influence catalane peut être notée lorsqu'il a terminé ses études à Barcelone en 1900. L'influence de la Sécession viennoise se retrouve dans le bâtiment Paso y Viamonte.

L'introduction de l'Art nouveau à Rosario est liée à Francisco Roca Simó  [ es ] formé à Barcelone. Son bâtiment Club Español  [ es ] (1912) présente l'un des plus grands vitraux d'Amérique latine produits (ainsi que du carrelage et de la céramique) par l'entreprise locale Buxadera, Fornells y Cía. Le sculpteur du bâtiment est Diego Masana de Barcelone.

L'influence belge sur l'Art nouveau argentin est représentée par la Villa Ortiz Basualdo, qui abrite aujourd'hui le Musée municipal d'art Juan Carlos Castagnino à Mar del Plata où le mobilier, les intérieurs et l'éclairage sont de Gustave Serrurier-Bovy .

L'Art nouveau dans le reste du monde

Comme en Argentine, l'Art nouveau dans d'autres pays a été principalement influencé par des artistes étrangers :

Les motifs Art Nouveau peuvent également être trouvés dans l'architecture coloniale française dans toute l'Indochine française .

Un mouvement artistique notable appelé l'école de Bezalel est apparu dans la région de Palestine en datant de la fin des périodes du mandat ottoman et britannique . Il a été décrit comme "une fusion de l'art oriental et du Jugendstil". Plusieurs artistes associés à l'école de Bezalel étaient réputés pour leur style Art nouveau, notamment Ze'ev Raban , Ephraim Moses Lilien et Abel Pann .

Caractéristiques

L'Art nouveau ancien, notamment en Belgique et en France, se caractérise par des formes ondulantes et courbes inspirées des lys, des vignes, des tiges de fleurs et d'autres formes naturelles, utilisées notamment dans les intérieurs de Victor Horta et la décoration de Louis Majorelle et d' Émile Gallé . Il s'inspire également de motifs à base de papillons et de libellules, empruntés à l'art japonais, alors populaires en Europe.

Le début de l'Art nouveau comportait aussi souvent des formes plus stylisées exprimant le mouvement, comme le coup de fouet ou la ligne " coup de fouet ", représentée dans les plantes de cyclamen dessinées par le designer Hermann Obrist en 1894. Une description publiée dans le magazine Pan de la tenture murale d' Hermann Obrist Cyclamen (1894), l'a comparé aux "courbes soudaines et violentes générées par le claquement d'un fouet". Le terme "coup de fouet", bien qu'il ait été utilisé à l'origine pour ridiculiser le style, est fréquemment appliqué aux courbes caractéristiques employées par les artistes de l'Art nouveau. . De telles lignes décoratives ondulantes et fluides dans un rythme syncopé et une forme asymétrique se retrouvent souvent dans l'architecture, la peinture, la sculpture et d'autres formes de design Art nouveau.

D'autres formes florales étaient populaires, inspirées des lys, des glycines et d'autres fleurs, notamment dans les lampes de Louis Comfort Tiffany et les objets en verre réalisés par les artistes de l' École de Nancy et Émile Gallé . D'autres formes courbes et ondulantes empruntées à la nature comprenaient des papillons, des paons, des cygnes et des nénuphars. De nombreux dessins représentaient des cheveux de femmes entrelacés avec des tiges de lys, d'iris et d'autres fleurs. Les formes florales stylisées ont été particulièrement utilisées par Victor Horta dans les tapis, les balustrades, les fenêtres et les meubles. Ils ont également été largement utilisés par Hector Guimard pour les balustrades et, plus célèbre encore, pour les lampes et les garde-corps aux entrées du métro parisien . Guimard expliquait : "Ce qu'il faut éviter dans tout ce qui est continu, c'est le parallèle et la symétrie. La nature est le plus grand bâtisseur et la nature ne fait rien de parallèle et rien de symétrique."

Les meubles Art nouveau antérieurs, tels que ceux fabriqués par Louis Majorelle et Henry van de Velde , se caractérisaient par l'utilisation de matériaux exotiques et coûteux, notamment l'acajou avec des incrustations de bois précieux et de boiseries, et des formes courbes sans angles droits. Cela donnait une sensation de légèreté.

Dans la deuxième phase de l'Art Nouveau, après 1900, le décor devient plus pur et les lignes plus stylisées. Les lignes et les formes courbes ont évolué en polygones, puis en cubes et autres formes géométriques. Ces formes géométriques furent utilisées avec un effet particulier dans l'architecture et le mobilier de Joseph Maria Olbrich , Otto Wagner , Koloman Moser et Josef Hoffmann , notamment le Palais Stoclet à Bruxelles, qui annonça l'arrivée de l'Art déco et du modernisme .

Une autre caractéristique de l'architecture Art nouveau était l'utilisation de la lumière, par l'ouverture des espaces intérieurs, par la suppression des murs, et l'utilisation extensive des lucarnes pour apporter un maximum de lumière à l'intérieur. La résidence-atelier de Victor Horta et d'autres maisons construites par lui avaient de vastes lucarnes, soutenues par des cadres en fer courbés. À l' hôtel Tassel , il a supprimé les murs traditionnels autour de l'escalier, de sorte que l'escalier est devenu un élément central de la décoration intérieure.

Relation avec les styles et mouvements contemporains

Deux exemples de rococo : un dessin de table console de 1752 (à gauche), et une soupière couverte en porcelaine de 1756 (à droite). Les courbes, les ornements végétaux, l'asymétrie et les motifs inspirés de la nature ont été largement utilisés à la fois dans le style néo-rococo (l'un des styles les plus populaires dans les années 1870 et 1880) et dans l'Art nouveau.

En tant que style artistique, l'Art nouveau a des affinités avec les styles préraphaélites et symbolistes , et des artistes comme Aubrey Beardsley , Alphonse Mucha , Edward Burne-Jones , Gustav Klimt et Jan Toorop pourraient être classés dans plus d'un de ces styles. Contrairement à la peinture symboliste, cependant, l'Art nouveau a un aspect distinctif; et, contrairement au mouvement Arts and Crafts orienté vers l'artisanat , les artistes de l'Art nouveau ont facilement utilisé de nouveaux matériaux, des surfaces usinées et l'abstraction au service du design pur.

L'Art nouveau n'a pas évité l'utilisation de machines, comme l'a fait le mouvement Arts and Crafts. Pour la sculpture, les principaux matériaux employés étaient le verre et le fer forgé, d'où des qualités sculpturales même en architecture. La céramique a également été employée dans la création d'éditions de sculptures d'artistes comme Auguste Rodin . bien que sa sculpture ne soit pas considérée comme Art Nouveau.

L'architecture Art nouveau a utilisé de nombreuses innovations technologiques de la fin du XIXe siècle, en particulier l'utilisation de fer apparent et de grands morceaux de verre de forme irrégulière pour l'architecture.

Les tendances Art nouveau ont également été absorbées dans les styles locaux. Au Danemark, par exemple, c'était un aspect de Skønvirke ("travail esthétique"), qui lui-même se rapporte plus étroitement au style Arts and Crafts . De même, les artistes ont adopté de nombreux motifs floraux et organiques de l'Art nouveau dans le style Młoda Polska ("Jeune Pologne") en Pologne. Młoda Polska , cependant, incluait également d'autres styles artistiques et englobait une approche plus large de l'art, de la littérature et du style de vie.

Sur le plan architectural, l'Art nouveau a des affinités avec des styles qui, bien que modernes, existent en dehors de la tradition moderniste établie par des architectes comme Walter Gropius et Le Corbusier . Elle est particulièrement liée à l'architecture expressionniste , qui partage sa préférence pour les formes organiques, mais est née d'un mécontentement intellectuel face à l'approche de l'Art nouveau en matière d'ornementation. Contrairement à l'accent mis par l'Art nouveau sur les plantes et les motifs végétaux, l'expressionnisme s'inspire de choses comme les grottes, les montagnes, la foudre, le cristal et les formations rocheuses. Un autre style conçu en réaction à l'Art Nouveau est l'Art Déco , qui rejette complètement les surfaces organiques au profit d'un style rectiligne dérivé de l'avant-garde artistique contemporaine.

Genres

L'Art nouveau est représenté dans la peinture et la sculpture , mais c'est surtout dans l'architecture et les arts décoratifs qu'il est le plus présent . Il était bien adapté aux arts graphiques , notamment l' affiche , la décoration d'intérieur , l'art du métal et du verre , la joaillerie , le design de mobilier , la céramique et le textile .

Affiches et art graphique

Les arts graphiques s'épanouissent à l'époque de l'Art nouveau, grâce aux nouvelles technologies d'impression, notamment la lithographie en couleurs , qui permet la production en série d'affiches en couleurs. L'art n'était plus confiné aux galeries, musées et salons; on la retrouve sur les murs de Paris, et dans les revues d'art illustrées, qui circulent dans toute l'Europe et jusqu'aux États-Unis. Le thème le plus populaire des affiches Art nouveau était les femmes; des femmes symbolisant le glamour, la modernité et la beauté, souvent entourées de fleurs.

En Grande-Bretagne, le principal graphiste du style Art nouveau était Aubrey Beardsley (1872–1898). Il débute par des illustrations de livres gravés pour Le Morte d'Arthur , puis des illustrations en noir et blanc pour Salomé d' Oscar Wilde (1893), qui le font connaître. La même année, il commence à graver des illustrations et des affiches pour le magazine d'art The Studio , qui contribue à faire connaître des artistes européens comme Fernand Khnopff en Grande-Bretagne. Les lignes courbes et les motifs floraux complexes ont attiré autant d'attention que le texte.

L'artiste franco-suisse Eugène Grasset (1845-1917) fut l'un des premiers créateurs d'affiches Art nouveau françaises. Il participe à la décoration du célèbre cabaret Le Chat noir en 1885 et réalise ses premières affiches pour les Fêtes de Paris . Il a réalisé une célèbre affiche de Sarah Bernhardt en 1890 et une grande variété d'illustrations de livres. Les artistes-designers Jules Chéret , Georges de Feure et le peintre Henri de Toulouse-Lautrec ont tous réalisé des affiches pour des théâtres parisiens, des cafés, des dancings, des cabarets. L' artiste tchèque Alphonse Mucha (1860-1939) arrive à Paris en 1888 et réalise en 1895 une affiche pour l'actrice Sarah Bernhardt dans la pièce Gismonda de Victorien Sardou . Le succès de cette affiche a conduit à un contrat pour produire des affiches pour six autres pièces de Bernhardt. Au cours des quatre années suivantes, il a également conçu des décors, des costumes et même des bijoux pour l'actrice. Sur la base du succès de ses affiches de théâtre, Mucha a réalisé des affiches pour une variété de produits, allant des cigarettes et du savon aux biscuits à la bière, toutes représentant une figure féminine idéalisée avec une figure de sablier. Il a ensuite conçu des produits, des bijoux aux boîtes à biscuits, dans son style distinctif.

A Vienne, le dessinateur le plus prolifique de graphismes et d'affiches fut Koloman Moser (1868-1918), qui participa activement au mouvement de Sécession avec Gustav Klimt et Josef Hoffmann , et réalisa des illustrations et des couvertures pour le magazine du mouvement, Ver Sacrum , comme ainsi que des tableaux, du mobilier et de la décoration.

Peinture

La peinture était un autre domaine de l'Art nouveau, bien que la plupart des peintres associés à l'Art nouveau soient principalement décrits comme des membres d'autres mouvements, en particulier le post-impressionnisme et le symbolisme . Alphonse Mucha était célèbre pour ses affiches Art nouveau, ce qui le frustrait. Selon son fils et biographe, Jiří Mucha , il ne pensait pas beaucoup à l'Art nouveau. "Qu'est-ce que c'est, l'Art Nouveau ? demanda-t-il. "...L'art ne peut jamais être nouveau." Il tirait la plus grande fierté de son travail de peintre d'histoire. Sa seule peinture inspirée de l'Art Nouveau, "Slava", est un portrait de la fille de son patron en costume slave, inspiré de ses affiches de théâtre.

Les peintres les plus étroitement associés à l'Art nouveau sont Les Nabis , artistes postimpressionnistes actifs à Paris de 1888 à 1900. L'un de leurs objectifs déclarés était de faire tomber la barrière entre les beaux-arts et les arts décoratifs. Ils ont peint non seulement des toiles, mais aussi des écrans et des panneaux décoratifs. Beaucoup de leurs œuvres ont été influencées par l'esthétique des estampes japonaises. Les membres comprenaient Pierre Bonnard , Maurice Denis , Paul Ranson , Édouard Vuillard , Ker-Xavier Roussel , Félix Vallotton et Paul Sérusier .

En Belgique, Fernand Khnopff a travaillé à la fois dans la peinture et le graphisme. Des peintures murales de Gustav Klimt ont été intégrées dans le schéma décoratif de Josef Hoffmann pour le palais Stoclet (1905-1911). La peinture murale de Klimt pour la salle à manger du palais Stoclet est considérée comme un chef-d'œuvre de l'Art nouveau tardif.

Un sujet apparaît à la fois dans la peinture traditionnelle et dans l'Art Nouveau ; la danseuse américaine Loie Fuller , a été représentée par des peintres et des affichistes français et autrichiens.

Un style particulier devenu populaire à l'époque de l'Art nouveau, en particulier à Bruxelles, était le sgraffite , une technique inventée à la Renaissance consistant à appliquer des couches de plâtre teinté pour réaliser des peintures murales sur les façades des maisons. Celle-ci fut notamment utilisée par l'architecte belge Paul Hankar pour les maisons qu'il fit construire pour deux amis artistes, Paul Cauchie et Albert Ciamberlani.

Art du verre

L'art du verre est un médium dans lequel l'Art nouveau trouve des moyens d'expression nouveaux et variés. D'intenses expérimentations se poursuivent, notamment en France, pour trouver de nouveaux effets de transparence et d'opacité : en gravure camée, double couche et gravure à l'acide, technique qui permet une production en série. La ville de Nancy devient un centre important de l'industrie verrière française, et les ateliers d' Émile Gallé et l' atelier Daum , dirigé par Auguste et Antonin Daum, s'y trouvent. Ils ont travaillé avec de nombreux designers notables, dont Ernest Bussière  [ fr ] , Henri Bergé (illustrateur)  [ fr ] et Amalric Walter . Ils ont développé une nouvelle méthode d'incrustation du verre en pressant des fragments de verre de différentes couleurs dans la pièce inachevée. Ils ont souvent collaboré avec le créateur de meubles Louis Majorelle , dont la maison et les ateliers étaient à Nancy. Une autre caractéristique de l'Art nouveau était l'utilisation de vitraux avec ce style de thèmes floraux dans les salons résidentiels, en particulier dans les maisons Art nouveau de Nancy. Beaucoup étaient l'œuvre de Jacques Grüber , qui a réalisé des fenêtres pour la Villa Majorelle et d'autres maisons.

En Belgique, l'entreprise leader était la verrerie du Val Saint Lambert , qui a créé des vases aux formes organiques et florales, dont beaucoup ont été conçus par Philippe Wolfers . Wolfers était particulièrement connu pour la création d'œuvres de verre symboliste , souvent avec une décoration en métal attachée. En Bohême , alors région de l' Empire austro-hongrois réputée pour la cristallerie, les sociétés J. & L. Lobmeyr et Joh. Loetz Witwe a également expérimenté de nouvelles techniques de coloration, produisant des couleurs plus vives et plus riches. En Allemagne, l'expérimentation a été menée par Karl Köpping, qui a utilisé du verre soufflé pour créer des verres extrêmement délicats en forme de fleurs ; si délicat que peu survivent aujourd'hui.

A Vienne, les dessins de verre du mouvement de la Sécession étaient beaucoup plus géométriques que ceux de la France ou de la Belgique ; Otto Prutscher était le concepteur de verre le plus rigoureux du mouvement. En Grande-Bretagne, un certain nombre de vitraux floraux ont été créés par Margaret Macdonald Mackintosh pour l'exposition architecturale intitulée "La maison d'un amateur d'art".

Aux États-Unis, Louis Comfort Tiffany et ses designers sont devenus particulièrement célèbres pour leurs lampes, dont les abat-jour en verre utilisaient des thèmes floraux communs étroitement assemblés. Les lampes Tiffany ont gagné en popularité après l' exposition universelle de Chicago en 1893, où Tiffany a exposé ses lampes dans une chapelle de style byzantin. Tiffany a beaucoup expérimenté les procédés de coloration du verre, brevetant en 1894 le procédé du verre Favrile , qui utilisait des oxydes métalliques pour colorer l'intérieur du verre en fusion, lui donnant un effet irisé. Ses ateliers ont produit plusieurs séries différentes de la lampe Tiffany dans différents motifs floraux, ainsi que des vitraux, des paravents, des vases et une gamme d'objets décoratifs. Ses oeuvres furent d'abord importées en Allemagne, puis en France par Siegfried Bing , et devinrent alors l'une des sensations décoratives de l'Exposition de 1900. Un concurrent américain de Tiffany, Steuben Glass , a été fondé en 1903 à Corning, NY , par Frederick Carder , qui, comme Tiffany, a utilisé le procédé Fevrile pour créer des surfaces aux couleurs irisées. Un autre artiste verrier américain notable était John La Farge , qui a créé des vitraux complexes et colorés sur des thèmes religieux et purement décoratifs.

Des exemples de vitraux dans les églises peuvent être trouvés dans l' article sur les édifices religieux Art Nouveau .

Art du métal

Le théoricien de l'architecture du XIXe siècle Viollet-le-Duc avait préconisé de montrer plutôt que de dissimuler les charpentes en fer des bâtiments modernes, mais les architectes Art Nouveau Victor Horta et Hector Guimard sont allés plus loin : ils ont ajouté une décoration en fer dans des courbes inspirées par le floral et le végétal. formes tant à l'intérieur qu'à l'extérieur de leurs bâtiments. Ils ont pris la forme de rampes d'escalier à l'intérieur, de luminaires et d'autres détails à l'intérieur, ainsi que de balcons et d'autres ornements à l'extérieur. Celles-ci sont devenues l'une des caractéristiques les plus distinctives de l'architecture Art nouveau. L'utilisation de la décoration métallique aux formes végétales apparaît bientôt également dans l'argenterie, les lampes et autres objets de décoration.

Aux États-Unis, le designer George Grant Elmslie a réalisé des conceptions en fonte extrêmement complexes pour les balustrades et autres décorations intérieures des bâtiments de l'architecte de Chicago Louis Sullivan .

Alors que les designers français et américains utilisent des formes florales et végétales, Joseph Maria Olbrich et les autres artistes de la Sécession dessinent des théières et autres objets métalliques dans un style plus géométrique et sobre.

Bijoux

Les caractéristiques des bijoux Art Nouveau incluent des courbes et des lignes subtiles. Sa conception comporte souvent des objets naturels, notamment des fleurs, des animaux ou des oiseaux. Le corps féminin est également populaire apparaissant souvent sur des camées . Il comprenait fréquemment de longs colliers faits de perles ou de chaînes en argent sterling ponctuées de perles de verre ou se terminant par un pendentif en argent ou en or, lui-même souvent conçu comme un ornement pour contenir un seul bijou facetté d'améthyste, de péridot ou de citrine .

La période Art nouveau a apporté une révolution stylistique notable à l'industrie de la joaillerie, menée en grande partie par les grandes entreprises parisiennes. Au cours des deux siècles précédents, l'accent mis sur la haute joaillerie avait été de créer des montures spectaculaires pour les diamants. Pendant le règne de l'Art nouveau, les diamants jouaient généralement un rôle de soutien. Les bijoutiers ont expérimenté une grande variété d'autres pierres, notamment l'agate , le grenat , l'opale , la pierre de lune , l'aigue-marine et d'autres pierres semi-précieuses, ainsi qu'une grande variété de nouvelles techniques, entre autres l'émaillage , et de nouveaux matériaux, notamment la corne , le verre moulé, et ivoire .

Parmi les premiers joailliers parisiens notables du style Art nouveau figuraient Louis Aucoc , dont la bijouterie familiale datait de 1821. Le designer le plus célèbre de la période Art nouveau, René Lalique , a fait son apprentissage dans l'atelier Aucoc de 1874 à 1876. Lalique est devenu un figure de la joaillerie et du verre de l'Art nouveau, utilisant la nature, des libellules aux graminées, comme modèles. Des artistes extérieurs au monde traditionnel de la joaillerie, comme Paul Follot , surtout connu comme designer de meubles, ont expérimenté les créations de bijoux. Parmi les autres créateurs de bijoux Art nouveau français notables, citons Jules Brateau et Georges Henry. Aux États-Unis, le designer le plus célèbre était Louis Comfort Tiffany , dont le travail a été montré à la boutique de Siegfried Bing et aussi à l'exposition de Paris de 1900.

En Grande-Bretagne, la figure la plus en vue était le designer Archibald Knox de Liberty & Co. & Cymric , qui a fabriqué une variété de pièces Art nouveau, y compris des boucles de ceinture en argent. CR Ashbee a conçu des pendentifs en forme de paons. Le designer polyvalent de Glasgow, Charles Rennie Mackintosh , a également créé des bijoux en utilisant des symboles celtiques traditionnels. En Allemagne, le centre de la joaillerie Jugendstil était la ville de Pforzheim , où se trouvaient la plupart des entreprises allemandes, dont Theodor Fahrner . Ils ont rapidement produit des œuvres pour répondre à la demande du nouveau style.

Architecture et ornementation

L'architecture Art nouveau était une réaction contre les styles éclectiques qui dominaient l'architecture européenne dans la seconde moitié du XIXe siècle. Elle s'exprimait par la décoration : soit ornementale (à base de fleurs et de plantes, par exemple chardons, iris, cyclamens, orchidées, nénuphars, etc.) soit sculpturale (voir la section correspondante ci-dessous). Alors que les visages de personnes (ou mascarons ) font référence à l'ornement, l'utilisation de personnes dans différentes formes de sculpture (statues et reliefs : voir la section correspondante ci-dessous) était également courante dans certaines formes d'Art nouveau. Avant la Sécession viennoise , le Jugendstil et les différentes formes des façades de style national romantique étaient asymétriques, et souvent décorées de carreaux de céramique polychromes. La décoration suggérait généralement le mouvement; il n'y avait pas de distinction entre la structure et l'ornement. Un motif de curling ou de "coup de fouet" , basé sur les formes de plantes et de fleurs, était largement utilisé au début de l'Art nouveau, mais la décoration est devenue plus abstraite et symétrique dans la Sécession viennoise et d'autres versions ultérieures du style, comme dans le palais Stoclet en Bruxelles (1905-1911).

Le style est apparu pour la première fois dans la Maison Hankar de Bruxelles par Paul Hankar (1893) et l'Hôtel Tassel (1892-1893) de Victor Horta . L'Hôtel Tassel a été visité par Hector Guimard , qui a utilisé le même style dans son premier ouvrage majeur, le Castel Béranger (1897-1898). Horta et Guimard ont également conçu le mobilier et la décoration intérieure, jusqu'aux poignées de porte et aux moquettes. En 1899, sur la base de la renommée du Castel Béranger, Guimard reçoit une commande pour concevoir les entrées des stations du nouveau métro de Paris , ouvert en 1900. Bien que peu d'originaux aient survécu, ceux-ci sont devenus le symbole du mouvement Art nouveau. à Paris.

À Paris, le style architectural était aussi une réaction à la réglementation stricte imposée sur les façades des immeubles par Georges-Eugène Haussmann , préfet de Paris sous Napoléon III . Les bow-windows sont finalement autorisés en 1903, et les architectes de l'Art nouveau vont à l'extrême opposé, notamment dans les maisons de Jules Lavirotte , qui sont essentiellement de grandes œuvres de sculpture, entièrement recouvertes de décoration. Un important quartier de maisons Art nouveau est apparu dans la ville française de Nancy , autour de la Villa Majorelle (1901–02), la résidence du créateur de meubles Louis Majorelle . Il a été conçu par Henri Sauvage comme une vitrine pour les créations de meubles de Majorelle.

De nombreux bâtiments Art nouveau ont été inscrits sur la liste du patrimoine culturel mondial de l'UNESCO dans le cadre de leurs centres-villes (à Berne , Budapest , Lviv , Paris, Porto , Prague , Riga , Saint-Pétersbourg , Strasbourg ( Neustadt ), Vienne ). Avec eux, il y avait des bâtiments qui étaient inclus dans la liste en tant qu'objets distincts :

Sculpture

La sculpture était une autre forme d'expression pour les artistes de l'Art nouveau, se croisant parfois avec la céramique. La figurine en porcelaine Danseuse au foulard d' Agathon Léonard est reconnue tant en céramique qu'en sculpture à l' Exposition de Paris en 1900. Des sculpteurs d'autres pays réalisent également des sculptures en céramique : le bohème Stanislav Sucharda et Ladislav Šaloun , le belge Charles Van der Stappen et le catalan Lambert Escaler  [ ca ] , qui a créé des statues en terre cuite polychrome. Un autre sculpteur notable de cette époque était Agustí Querol Subirats de Catalogne qui a créé des statues en Espagne, au Mexique, en Argentine et à Cuba .

Dans la sculpture architecturale, non seulement des statues mais aussi des reliefs ont été utilisés. Les architectes et sculpteurs de l'Art Nouveau se sont inspirés des motifs animaliers (papillons, paons, cygnes, hiboux, chauves-souris, dragons, ours). Des atlantes , des cariatides , des putti et des gargouilles étaient également utilisés.

Meubles

La conception des meubles de la période Art nouveau était étroitement associée à l'architecture des bâtiments; les architectes ont souvent conçu les meubles, les tapis, les luminaires, les poignées de porte et d'autres détails décoratifs. Le mobilier était souvent complexe et coûteux ; une finition fine, généralement polie ou vernie, était considérée comme essentielle, et les conceptions continentales étaient généralement très complexes, avec des formes courbes coûteuses à réaliser. Il avait également l'inconvénient que le propriétaire de la maison ne pouvait pas changer les meubles ou ajouter des pièces dans un style différent sans perturber tout l'effet de la pièce. Pour cette raison, lorsque l'architecture Art nouveau est passée de mode, le style du mobilier a également largement disparu.

En France, le centre de conception et de fabrication de meubles était à Nancy , où deux grands designers, Émile Gallé et Louis Majorelle avaient leurs studios et ateliers, et où l' Alliance des industries d'art (appelée plus tard l'École de Nancy) avait été fondée. en 1901. Les deux designers ont basé leur structure et leur ornementation sur des formes tirées de la nature, y compris des fleurs et des insectes, comme la libellule, un motif populaire dans le design Art nouveau. Gallé était notamment connu pour son utilisation de la marqueterie en relief, sous forme de paysages ou de thèmes poétiques. Majorelle était connu pour son utilisation de bois exotiques et coûteux, et pour attacher des bronzes sculptés dans des thèmes végétaux à ses meubles. Les deux designers ont utilisé des machines pour les premières phases de fabrication, mais toutes les pièces ont été finies à la main. Parmi les autres créateurs de meubles notables de l'école de Nancy, citons Eugène Vallin et Émile André ; tous deux étaient architectes de formation, et tous deux ont conçu des meubles qui ressemblaient aux meubles de designers belges tels que Horta et Van de Velde, qui avaient moins de décoration et suivaient de plus près les courbes des plantes et des fleurs. Parmi les autres designers français notables figuraient Henri Bellery-Desfontaines , qui s'est inspiré des styles néo-gothiques de Viollet-le-Duc ; et Georges de Feure , Eugène Gaillard et Édouard Colonna , qui ont collaboré avec le marchand d'art Siegfried Bing pour revitaliser l'industrie française du meuble avec de nouveaux thèmes. Leur travail était connu pour son "naturalisme abstrait", son unité de lignes droites et courbes et son influence rococo . Le mobilier de Feure du pavillon Bing remporte une médaille d'or à l'exposition de Paris de 1900. Le designer français le plus insolite et le plus pittoresque était François-Rupert Carabin , sculpteur de formation, dont les meubles comportaient des formes féminines nues sculptées et des animaux symboliques, en particulier des chats, qui combinaient des éléments Art nouveau avec le symbolisme . D'autres créateurs de meubles parisiens influents étaient Charles Plumet et Alexandre Charpentier . À bien des égards, l'ancien vocabulaire et les techniques du mobilier rococo français classique du XVIIIe siècle ont été réinterprétés dans un nouveau style.

En Belgique, les architectes pionniers du mouvement Art nouveau , Victor Horta et Henry van de Velde , ont conçu des meubles pour leurs maisons, en utilisant des lignes courbes vigoureuses et un minimum de décoration. Le designer belge Gustave Serrurier-Bovy a ajouté plus de décoration, en appliquant des bandes de laiton aux formes courbes. Aux Pays-Bas, où le style s'appelait Nieuwe Kunst ou New Art, HP Berlag, Lion Cachet et Theodor Nieuwenhuis ont suivi un parcours différent, celui du mouvement Arts and Crafts anglais , avec des formes rationnelles plus géométriques.

En Grande-Bretagne, le mobilier de Charles Rennie Mackintosh était purement Arts and Crafts, austère et géométrique, avec de longues lignes droites et des angles droits et un minimum de décoration. Les conceptions continentales étaient beaucoup plus élaborées, utilisant souvent des formes courbes à la fois dans les formes de base de la pièce et dans les motifs décoratifs appliqués. En Allemagne, le mobilier de Peter Behrens et du Jugendstil était largement rationaliste, avec des lignes droites géométriques et quelques décorations attachées à la surface. Leur but était exactement l'opposé de l'Art nouveau français ; simplicité de structure et simplicité des matériaux, pour des meubles qui pourraient être peu coûteux et facilement fabriqués en série. Il en fut de même pour les meubles des designers de la Wiener Werkstätte à Vienne, dirigée par Otto Wagner , Josef Hoffmann , Josef Maria Olbrich et Koloman Moser . Le mobilier était géométrique et avait un minimum de décoration, même si son style suivait souvent le précédent historique national, en particulier le style Biedemeier .

La conception de meubles italiens et espagnols a pris sa propre direction. Carlo Bugatti en Italie a conçu l'extraordinaire Chaise Escargot, en bois recouvert de parchemin peint et de cuivre, pour l'Exposition internationale de Turin de 1902. En Espagne, à l'instar d'Antoni Gaudí et du mouvement Modernismo , le designer de meubles Gaspar Homar a conçu des œuvres inspirées par des formes naturelles avec des touches de styles historiques catalans.

Aux États-Unis, la conception du mobilier s'inspire plus souvent du mouvement Arts and Crafts, ou de modèles historiques américains, que de l'Art nouveau. Un designer qui a introduit des thèmes Art nouveau était Charles Rohlfs à Buffalo, New York, dont les conceptions de meubles en chêne blanc américain ont été influencées par des motifs d' art celtique et d'art gothique , avec des touches d'Art nouveau dans les garnitures métalliques appliquées aux pièces.

Céramique

L'art de la céramique, y compris la faïence , était un autre domaine florissant pour les artistes de l'Art nouveau, dans les pays anglophones relevant du mouvement plus large de la poterie d'art . La dernière partie du XIXe siècle a vu de nombreuses innovations technologiques dans la fabrication de la céramique, en particulier le développement de la céramique à haute température ( grand feu ) avec des émaux cristallisés et mats. Parallèlement, plusieurs techniques perdues, comme le glaçage au sang de boeuf , sont redécouvertes. Les céramiques Art Nouveau ont également été influencées par les céramiques japonaises et chinoises traditionnelles et modernes, dont les motifs végétaux et floraux s'accordaient bien avec le style Art Nouveau. En France, les artistes ont également redécouvert les méthodes traditionnelles du grès et les ont réinventées avec de nouveaux motifs .

Émile Gallé , à Nancy, a créé des œuvres en faïence aux couleurs naturelles de la terre avec des thèmes naturalistes de plantes et d'insectes. La céramique a également trouvé une nouvelle utilisation importante dans l'architecture : les architectes Art nouveau, Jules Lavirotte et Hector Guimard parmi eux, ont commencé à décorer les façades des bâtiments avec des céramiques architecturales , dont beaucoup ont été fabriquées par le cabinet d' Alexandre Bigot , leur donnant un style Art nouveau distinct. aspect sculptural.

L'un des pionniers de la céramiste française de l'Art nouveau fut Ernest Chaplet , dont la carrière dans la céramique s'étendit sur trente ans. Il a commencé à produire du grès influencé par des prototypes japonais et chinois. À partir de 1886, il travaille avec le peintre Paul Gauguin sur des motifs en grès à figures appliquées, à multiples anses, peintes et partiellement émaillées, et collabore avec les sculpteurs Félix Bracquemond , Jules Dalou et Auguste Rodin . Ses oeuvres sont acclamées à l'Exposition de 1900.

Les grandes entreprises nationales de céramique occupent une place importante à l'Exposition de Paris de 1900 : la Manufacture nationale de Sèvres hors de Paris ; Nymphenburg , Meissen , Villeroy & Boch en Allemagne et Doulton en Grande-Bretagne. Parmi les autres grands céramistes français figurent Taxile Doat , Pierre-Adrien Dalpayrat , Edmond Lachenal , Albert Dammouse  [ fr ] et Auguste Delaherche .

En France, la céramique Art nouveau a parfois franchi la ligne de la sculpture. La figurine en porcelaine Danseuse au foulard d' Agathon Léonard , réalisée pour la Manufacture nationale de Sèvres , est reconnue dans les deux catégories à l'Exposition universelle de Paris de 1900.

L' usine Zsolnay à Pécs , en Hongrie, a été fondée par Miklós Zsolnay (1800–1880) en 1853 et dirigée par son fils, Vilmos Zsolnay (1828–1900) avec le designer en chef Tádé Sikorski (1852–1940) pour produire du grès et d'autres céramiques. En 1893, Zsolnay présente des pièces en porcelaine à base d' éosine . Il a conduit l'usine à une reconnaissance mondiale en démontrant ses produits innovants lors de foires universelles et d'expositions internationales, dont l'Exposition universelle de 1873 à Vienne , puis à l' Exposition universelle de 1878 à Paris , où Zsolnay a reçu un Grand Prix . Des décorations de bâtiment Zsolnay résistantes au gel ont été utilisées dans de nombreux bâtiments, en particulier pendant le mouvement Art nouveau.

Les carreaux de céramique étaient également une caractéristique distinctive de l'Arte Nova portugais qui perpétuait la longue tradition de l'azulejo du pays.

Mosaïques

Les mosaïques ont été utilisées par de nombreux artistes de l'Art nouveau de différents mouvements, en particulier du modernisme catalan ( Hospital de Sant Pau , Palau de la Música Catalana , Casa Lleó-Morera et bien d'autres). Antoni Gaudí a inventé une nouvelle technique de traitement des matériaux appelée trencadís , qui utilisait des déchets de céramique.

Les carreaux de majolique colorés aux motifs floraux sont une caractéristique distinctive de la maison de la majolique à Vienne par Otto Wagner , (1898) et des bâtiments des œuvres de la colonie russe Abramtsevo , en particulier ceux de Mikhail Vrubel .

Textiles et papiers peints

Les textiles et les papiers peints étaient un véhicule important de l'Art nouveau depuis le début du style et un élément essentiel de la décoration intérieure Art nouveau. En Grande-Bretagne, les créations textiles de William Morris avaient contribué au lancement du mouvement Arts and Crafts puis de l'Art nouveau. De nombreux modèles ont été créés pour le grand magasin Liberty à Londres, qui a popularisé le style dans toute l'Europe. L'un de ces designers était le Silver Studio , qui a fourni des motifs floraux stylisés colorés. D'autres conceptions distinctives sont venues de l'école de Glasgow et de Margaret Macdonald Mackintosh . L'école de Glasgow a introduit plusieurs motifs distinctifs, notamment des œufs stylisés, des formes géométriques et la "Rose de Glasgow".

En France, une contribution majeure a été apportée par le designer Eugène Grasset qui a publié en 1896 La Plante et ses applications ornementales , suggérant des dessins Art Nouveau basés sur différentes fleurs et plantes. De nombreux patrons ont été dessinés et réalisés pour les grands industriels français du textile à Mulhouse, Lille et Lyon, par des ateliers allemands et belges. Le designer allemand Hermann Obrist s'est spécialisé dans les motifs floraux, en particulier le cyclamen et le style «coup de fouet» à base de tiges de fleurs, qui est devenu un motif majeur du style. Le Belge Henry van de Velde a présenté une œuvre textile, La Veillée d'Anges , au Salon La Libre Esthéthique à Bruxelles, inspirée de la symbolique de Paul Gauguin et des Nabis . Aux Pays-Bas, les textiles s'inspiraient souvent des motifs batik des colonies néerlandaises des Indes orientales . L'art populaire a également inspiré la création de tapisseries, de tapis, de broderies et de textiles en Europe centrale et en Scandinavie, dans l'œuvre de Gerhard Munthe et Frida Hansen en Norvège. Le design Five Swans d' Otto Eckmann est apparu dans plus d'une centaine de versions différentes. Le designer hongrois János Vaszary a combiné des éléments Art nouveau avec des thèmes folkloriques.

Musées

Il existe 4 types de musées présentant le patrimoine Art nouveau :

  • Musées de grande envergure (pas spécifiquement dédiés à l'Art nouveau mais avec une importante collection d'objets de ce style). Les monuments Art nouveau sont en italique ;
  • Maisons-musées d'artistes Art Nouveau (tous sauf le musée Alphonse Mucha sont des monuments Art Nouveau) ;
  • Musées dédiés aux mouvements Art Nouveau locaux (tous sont des monuments Art Nouveau);
  • Autres bâtiments Art nouveau ayant le statut de musée ou comportant un musée à l'intérieur (non dédiés aux mouvements Art nouveau locaux/artistes spécifiques).
Pays Musées à large spectre Maisons-musées d'artistes Art nouveau Musées dédiés aux mouvements Art nouveau locaux Autres bâtiments Art nouveau ayant le statut de musée ou comportant un musée à l'intérieur
 L'Autriche Musée des arts appliqués de Vienne Bâtiment de la Sécession à Vienne Pavillons Wagner à Karlsplatz et Hietzing à Vienne
 Argentine Musée municipal d'art Juan Carlos Castagnino à Mar del Plata
 Belgique Musée Fin-de-Siècle à Bruxelles , Musée du Carreau Gilliot & Roelants à Hemiksem Maison et Atelier Horta à Bruxelles
Maison Cauchie à Bruxelles
Maison Autrique à Bruxelles
Centre Belge de la Bande Dessinée , Musée des Instruments de Musique à Bruxelles
 Chili Palais Baburizza à Valparaiso
 République tchèque Musée de la Bohême orientale à Hradec Kralove Musée Alphonse Mucha à Prague Musée d'Art Moderne d' Olomouc
 Danemark Musée Sønderjylland à Skærbæk
 France Musée d'Orsay , Musée des Arts Décoratifs , Musée Carnavalet , Petit Palais à Paris ; Musée historique de Haguenau ; Musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg , Musée des Beaux-Arts de Nancy Villa Majorelle à Nancy ; Musée Lalique  [ fr ] à Wingen-sur-Moder ; Musée de l'Ecole de Nancy à Nancy Maxim's Art Nouveau "Collection 1900" au-dessus du restaurant Maxim's à Paris (groupes de vingt personnes et plus uniquement)
 Finlande Ateneum et Musée national finlandais à Helsinki , Musée d'art de Turku à Turku Hvitträsk (maison de Herman Gesellius , Armas Lindgren et Eliel Saarinen ) à Kirkkonummi et Musée Gallen-Kallela à Espoo
 Allemagne Musée Bröhan à Berlin, Museum in der Majolika à Karlsruhe , Landesmuseum à Mayence , Museum Wiesbaden à Wiesbaden Musée de la colonie de Darmstadt  [ de ] à Darmstadt Musée Osthaus à Hagen
 Hongrie Musée des Arts Appliqués et sa filiale Villa György Ráth à Budapest Musée de la maison Miksa Róth à Budapest Maison de Szecesszió hongrois à Budapest Musée géologique de Budapest
 Italie Musée municipal  [ it ] à Casale Monferrato Villa Bernasconi à Cernobbio
 Lettonie Musée d'art nouveau de Riga à Riga
 Mexique Museo del Objeto del Objeto à Mexico
 Norvège Centre Jugendstil à Ålesund Musée norvégien d'art contemporain d' Oslo
 le Portugal Musée d' Arte Nova à Aveiro Musée-Résidence du Dr Anastácio Gonçalves à Lisbonne
 Roumanie Musée national Székely à Sfântu Gheorghe Maison Darvas-La Roche à Oradea
 Russie Colonie d'Abramtsevo dans la région de Moscou ; Musée panrusse des arts décoratifs et musée Gorki à Moscou ; Musée d'État russe , Musée d'histoire politique de la Russie à Saint-Pétersbourg Musée de la maison Fedor Livtchak à Oulianovsk Musée de la colonie d'art Talashkino à Flenovo, oblast de Smolensk (en russe uniquement) Musée de l'âge d'argent de la littérature russe à Moscou , Musée de la modernité à Samara , Succession d'Aseevs à Tambov ; Musée municipal de Primorsk et musée du domaine de Scherbov à Gatchina (tous deux dans l'oblast de Leningrad ), musée de l'architecture et de l'urbanisme de Taganrog à Taganrog , musée de l'architecture Belle Epoque à Oulianovsk
 Serbie Musée des arts appliqués de Belgrade Maison de Jovan Cvijić à Belgrade , Studio d'Uros Predic à Belgrade , Synagogue à Novi Sad , Synagogue à Subotica , Palais Raichle à Subotica
 Espagne Musée National d'Art de Catalogne à Barcelone , CaixaFòrum à Madrid , Museo Art Nouveau et Art Déco à Salamanca , Museu Agbar de les Aigües à Cornellà de Llobregat Maison-musée Gaudí à Barcelone , Maison-musée Lluís Domènech i Montaner à Canet de Mar Musée du modernisme catalan  [ ca ] à Barcelone , Maison-musée d'art nouveau  [ es ] à Novelda Sagrada Família , Hôpital de Sant Pau , Casa Vicens à Barcelone
 Suède Musée biologique de Stockholm , Musée Röhsska de Göteborg
 Suisse Musée des Beaux-Arts de La Chaux-de-Fonds  [ en ]
 ROYAUME-UNI Victoria and Albert Museum à Londres ; Kelvingrove Museum à Glasgow , Haworth Art Gallery à Accrington Mackintosh House au Hunterian Museum and Art Gallery de Glasgow Musée Horniman à Londres
 Ukraine Musée d'art de Tchernivtsi , Musée des traditions locales de Poltava
 Etats-Unis Charles Hosmer Morse Museum of American Art à Winter Park , Floride, Metropolitan Museum of Art à New York, Getty Center à Los Angeles ; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum à New York, Art Institute of Chicago à Chicago

Il existe de nombreux autres bâtiments et structures Art nouveau qui n'ont pas le statut de musée mais peuvent être visités officiellement moyennant des frais ou officieusement gratuitement (par exemple, les gares, les églises, les cafés, les restaurants, les pubs, les hôtels, les magasins, les bureaux, les bibliothèques, les cimetières, fontaines ainsi que de nombreux immeubles d'habitation encore habités).

Voir également

Remarques

Les références

Bibliographie

  • Bony, Anne, L'Architecture Moderne , Paris, Larousse (2012) ISBN  978-2-03-587641-6
  • Bouillon, Jean-Paul (1985). Journal de L'Art Nouveau . Paris : Skira. ISBN 2-605-00069-9.
  • Celac, Marianne; Carabela, Octave; Marcu-Lapadat, Marius (2017). Bucarest Architecture - un guide annoté . Ordre des architectes de Roumanie. ISBN 978-973-0-23884-6.
  • Culot, Maurice; Pirlot, Ann-Marie (2005). Bruxelles Art Nouveau (en français). Bruxelles : Archives d'Architecture Moderne. ISBN 2-87143-126-4.
  • Duncan, Alastair, Art nouveau , Monde de l'art , New York : Tamise et Hudson , 1994. ISBN  0-500-20273-7
  • Fahr-Becker, Gabriele (2015). L'Art Nouveau (en français). HF Ullmann. ISBN 978-3-8480-0857-5.
  • Heller, Steven et Seymour Chwast, Graphic Style from Victorian to Digital , nouvelle éd. New York : Harry N. Abrams, Inc. , 2001. pp. 53–57.
  • Huyges, René, L'Art et le monde moderne , Tome 1, Librairie Larousse, Paris, 1970
  • Journel, Guillemette Morel (2015). Le Corbusier - Construire la Vie Moderne (en français). Éditions du Patrimoine : Centre des Monuments Nationaux. ISBN 978-2-7577-0419-6.
  • Lahor, Jean (2007) [1901]. L'Art nouveau (en français). Baseline Co. Ltd. ISBN 978-1-85995-667-0.
  • Ormiston, Rosalinde ; Robinson, Michael (2013). Art Nouveau – Affiches, Illustrations et Beaux-Arts . Édition Flame Tree. ISBN 978-1-84786-280-8.
  • Prune, Gilles (2014). Architectures parisiennes de la Belle Époque . Édition Paragramme. ISBN 978-2-84096-800-9.
  • Renault, Christophe et Lazé, Christophe, les Styles de l'architecture et du mobliier , Éditions Jean-Paul Gisserot, 2006 (en français). ISBN  978-2-87747-465-8
  • Riley, Noël (2004). Grammaire des Arts Décoratifs (en français). Flamarion.
  • Sarnitz, août (2018). Otto Wagner (en français). Cologne : Taschen. ISBN 978-3-8365-6432-8.
  • Sato, Tamako (2015). Alphonse Mucha - l'artiste visionnaire . Cologne : Taschen. ISBN 978-3-8365-5009-3.
  • Sembach, Klaus-Jürgen (2013). L'Art Nouveau - L'Utopie de la Réconciliation (en français). Tache. ISBN 978-3-8228-3005-5.
  • Sterner, Gabriele, Art nouveau, un art de transition : de l'individualisme à la société de masse , 1ère éd. (titre original : Jugendstil : Kunstformen zwischen Individualismus und Massengesellschaft ), traduit par Frederick G. Peters et Diana S. Peters, éditeur Woodbury, NY : Barron's Educational Series , 1982. ISBN  0-8120-2105-3
  • Texier, Simon (2012). Paris - Panorama de l'architecture . Paragramme. ISBN 978-2-84096-667-8.
  • Thiébaut, Philippe (2018). Mucha et l'Art nouveau (en français). Paris : Éditions du Chêne. ISBN 978-2-81231-806-1.
  • Vigne, George (2016). Hector Guimard - Le geste magnifique de l'Art Nouveau (en français). Paris : Éditions du Patrimoine - Centre des monuments nationaux. ISBN 978-2-7577-0494-3.

Lectures complémentaires

Liens externes