Révolution artistique - Artistic revolution
Tout au long de l'histoire, les formes d' art ont subi des changements brusques périodiques appelés révolutions artistiques . Les mouvements ont pris fin pour être remplacés par un nouveau mouvement nettement différent de manière frappante. Voir aussi les mouvements culturels .
Scientifique et technologique
Toutes les révolutions artistiques n'étaient pas politiques. Parfois, les innovations scientifiques et technologiques ont entraîné des transformations imprévues dans les œuvres des artistes. La révolution stylistique connue sous le nom d' impressionnisme , par des peintres désireux de capturer avec plus de précision les couleurs changeantes de la lumière et de l'ombre, est indissociable des découvertes et des inventions du milieu du XIXe siècle dans lesquelles le style est né.
Eugène Chevreul , un chimiste français engagé comme directeur des teintures dans une tapisserie française, a commencé à étudier la nature optique de la couleur afin d'améliorer la couleur des tissus. Chevreul se rendit compte que c'était l'œil, et non le colorant, qui avait la plus grande influence sur la couleur, et de là, il révolutionna la théorie des couleurs en saisissant ce que l'on appela la loi du contraste simultané: que les couleurs s'influencent mutuellement lorsqu'elles sont juxtaposées, chacun imposant sa propre couleur complémentaire à l'autre. Le peintre français Eugène Delacroix, qui avait expérimenté ce qu'il appelait les tons cassés, a embrassé le livre de Chevreul, "La loi du contraste de la couleur (1839) avec ses explications sur la façon dont les couleurs juxtaposées peuvent se rehausser ou se diminuer, et son exploration de tout les couleurs visibles du spectre. Inspiré du traité de Chevreul de 1839, Delacroix a transmis son enthousiasme aux jeunes artistes qui ont été inspirés par lui. C'est Chevreul qui a conduit les impressionnistes à comprendre qu'ils devaient appliquer des coups de pinceau séparés de couleur pure sur une toile et permettre à l'œil du spectateur de les combiner optiquement.
Ils ont été grandement aidés en cela par des innovations dans la peinture à l'huile elle-même. Depuis la Renaissance, les peintres doivent broyer les pigments, ajouter de l'huile et ainsi créer leurs propres peintures; Ces peintures chronophages ont également séché rapidement, rendant la peinture en studio indispensable pour les grandes œuvres et limitant les peintres à mélanger une ou deux couleurs à la fois et à remplir une zone entière en utilisant une seule couleur avant qu'elle ne sèche. en 1841, un peintre américain peu connu du nom de John G. Rand a inventé une simple amélioration sans laquelle le mouvement impressionniste n'aurait pas pu se produire: le petit tube en étain flexible avec bouchon amovible dans lequel les peintures à l'huile pouvaient être stockées. Les peintures à l'huile conservées dans de tels tubes sont restées humides et utilisables - et assez portables. Pour la première fois depuis la Renaissance, les peintres n'étaient pas piégés par la rapidité avec laquelle la peinture à l'huile séchait.
Les peintures en tubes pouvaient être facilement chargées et mises en œuvre dans le monde réel, pour observer directement le jeu de la couleur et de la lumière naturelle, dans l'ombre et le mouvement, pour peindre dans l'instant. La vente de la peinture à l'huile dans des tubes a également entraîné l'arrivée de nouveaux pigments éblouissants - jaune de chrome, bleu de cadmium - inventés par les chimistes industriels du XIXe siècle. Les tubes ont libéré les impressionnistes pour peindre rapidement, et sur une toile entière, plutôt que des sections monochromes soigneusement délimitées à la fois; en bref, esquisser directement à l'huile - courir à travers la toile dans toutes les couleurs qui leur sont venues sous la main et inspirer ainsi leur nom d '«impressionnistes» - car ces coups de pinceau rapides et audacieux et des touches de couleurs séparées ont fait que les critiques contemporains pensaient que leurs peintures n'étaient que de simples impressions , peintures non finies, qui ne devaient avoir aucune trace de pinceau visible, sans soudure sous des couches de vernis.
Pierre-Auguste Renoir disait: «Sans couleurs en tubes, il n'y aurait pas de Cézanne, pas de Monet, pas de Pissarro et pas d'impressionnisme.
Enfin, les techniques soigneuses et hyper-réalistes du néoclassicisme français étaient considérées comme rigides et sans vie par rapport à la nouvelle vision remarquable du monde vue à travers la nouvelle invention de la photographie au milieu des années 1850. Ce n'est pas seulement que la capacité croissante de cette nouvelle invention, en particulier par l'inventeur français Daguerre, a rendu le réalisme de l'image peinte redondant alors qu'il rivalisait délibérément dans le diorama de Paris avec des peintures historiques à grande échelle. Le sujet néoclassique, limité par la tradition académique aux légendes grecques et romaines, aux batailles historiques et aux histoires bibliques, semblait oppressivement cliché et limité aux artistes désireux d'explorer le monde réel sous leurs propres yeux révélé par la caméra - la vie quotidienne, des groupements candides de gens ordinaires faisant des choses simples, Paris lui-même, des paysages ruraux et plus particulièrement le jeu de la lumière capturée - et non pas le lionisme imaginaire d'événements passés invisibles. Les premières photographies ont influencé le style impressionniste par son utilisation de l'asymétrie, du recadrage et, de toute évidence, du flou du mouvement, comme capturé par inadvertance dans les vitesses très lentes des premières photographies.
Edgar Degas , Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir - dans leur cadrage, leur utilisation de la couleur, de la lumière et de l'ombre, le sujet - mettent ces innovations au travail pour créer un nouveau langage de beauté visuelle et de sens.
Faux révolution: la CIA et l'expressionnisme abstrait
Leur rupture initiale avec le réalisme dans une exploration de la lumière, de la couleur et de la nature de la peinture a été amenée à une conclusion ultime par les expressionnistes abstraits qui ont rompu avec tout contenu reconnaissable de toute nature en œuvres de forme, de couleur et de peinture pures qui ont émergé à la fin. de la seconde guerre mondiale. Au début considérées comme des œuvres primitives et incompétentes - comme dans «mon enfant de quatre ans pouvait faire ça» - ces œuvres ont été mal comprises et négligées jusqu'à ce qu'elles soient critiquées et soutenues par la montée en puissance des journalistes et critiques d'art qui ont défendu leur travail dans les années 1940 et 1950. , exprimant la puissance d'un tel travail en termes esthétiques, les artistes eux-mêmes ont rarement utilisé, voire compris. Jackson Pollock , pionnier de la peinture par éclaboussures, se dispensant complètement d'un pinceau, est rapidement devenu le jeune homme en colère dans une grande diffusion dans Life Magazine.
En fait, dans un effort délibéré, secret et réussi pour séparer les révolutions artistiques des révolutions politiques, des expressionnistes abstraits comme Pollack, Robert Motherwell, Willem de Kooning et Mark Rothko, bien que des artistes apparemment difficiles et novateurs, ont en fait été secrètement soutenus pendant vingt ans par la CIA dans une politique de guerre froide commencée en 1947 pour prouver que les États-Unis pouvaient favoriser plus de liberté artistique que le bloc soviétique. «Il a été reconnu que l'expressionnisme abstrait était le genre d'art qui donnait au réalisme socialiste un aspect encore plus stylisé, rigide et confiné qu'il ne l'était», a déclaré l'ancien travailleur social de la CIA, Donald Jameson, qui a finalement rompu le silence sur ce programme en 1995. Ironiquement, le soutien secret de la CIA pour ces œuvres radicales était nécessaire car une tentative d'utiliser des fonds gouvernementaux pour une tournée européenne de ces œuvres pendant l'administration Truman a conduit à un tollé public dans l'Amérique conservatrice de l'ère McCarthy, Truman remarquant: «Si c'est de l'art, Je suis un Hottentot. " Ainsi, le programme a été caché sous l'apparence de fondations fabriquées et avec le soutien de riches mécènes qui utilisaient en fait des fonds de la CIA, pas les leurs, pour parrainer des expositions itinérantes d'expressionnistes abstraits américains du monde entier, publier des livres et des articles les louant et acheter et exposer des œuvres expressionnistes abstraites dans les principaux musées américains et britanniques. Thomas Braden, responsable de ces programmes culturels pour la CIA. dans les premières années de la guerre froide, avait été auparavant secrétaire exécutif du Museum of Modern Art, la principale institution américaine pour l'art du XXe siècle et les accusations de collusion entre les deux ont fait écho pendant de nombreuses années après la révélation de ce programme, bien que la plupart des les artistes impliqués ne savaient pas qu'ils étaient utilisés de cette manière et étaient furieux quand ils l'ont découvert.