révolution artistique - Artistic revolution


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Tout au long de l' histoire, les formes d' art sont passés par des changements brusques périodiques appelées révolutions artistiques . Les mouvements ont pris fin pour être remplacé par un nouveau mouvement très différent de façon frappante. Voir aussi les mouvements culturels .

révolution artistique et révolutions politiques

Le rôle de l' art est d'exprimer simultanément les valeurs de la culture actuelle , tout en offrant la critique, l' équilibre, ou des solutions de rechange à toutes ces valeurs qui se révèlent plus utiles. Alors que les temps changent, les changements d'art. Si des changements ont été brusquement ils ont été considérés comme des révolutions. Les meilleurs artistes ont précédé les changements de la société en raison à aucune prescience, mais parce que perceptivité sensible fait partie de leur talent de voir.

Les artistes qui se sont succédés assez pour dépeindre les visions que les générations futures puissent vivre de voir, avaient souvent pour naviguer un chemin souvent traîtresse entre leur propre capacité à voir et à exécuter ce que les artistes ne pouvaient pas moins, tout en faisant appel à de puissants mécènes qui pourraient financer leurs visions. Par exemple, les peintures glorifiés aristocratie au début du 17ème siècle, quand il fallait la direction de nationaliser les petits groupes politiques, mais plus tard que le leadership est devenu oppressant, satirization augmenté et les sujets étaient moins préoccupés par les dirigeants et plus avec plights plus communs de l'humanité.

Aucun art ne doit tout autant au pouvoir d'Etat comme la peinture française fait. Il était à l'époque de la monarchie absolue lancée par Louix XIV au 17ème siècle que les goûts de Le Brun Poussin et mis la France dans l'avant-garde de l'art européen. Versailles trouve son miroir majestueux dans l'idée puissante du classicisme - un style de peinture, endurant des artistes plus tard comme Ingres, dont l'austérité et la grandeur d'exprimer l'autorité d'un monde où Jove est très bien dans son trône.

Des exemples de l'art révolutionnaire en conjonction avec les mouvements culturels et politiques:

révolution artistique du style

Voici un exemple d'une révolution artistique Pieces

Scientifique et technologique

Toutes les révolutions artistiques étaient politiques. Parfois, la science et les innovations technologiques ont entraîné des transformations imprévues dans les œuvres d'artistes. La révolution stylistique connue sous le nom impressionnisme , par les peintres désireux de saisir avec plus de précision les couleurs changeantes de la lumière et de l' ombre, est inséparable des découvertes et des inventions dans le milieu du 19e siècle où le style est né.

Eugene Chevreul , un chimiste français engagé en tant que directeur des colorants à une usine de tapisserie française, a commencé à étudier la nature optique de la couleur afin d'améliorer la couleur dans les tissus. Chevreul a réalisé qu'il était l'œil, et non le colorant, qui a eu la plus grande influence sur la couleur, et de cela, il a révolutionné la théorie des couleurs en saisissant ce qui allait être appelé la loi du contraste simultané: que les couleurs influencent mutuellement quand on les juxtapose, chacun imposant sa propre couleur complémentaire de l'autre. Le peintre français Eugène Delacroix, qui avait fait des expériences avec ce qu'il a appelé des tons brisés, embrassé le livre de Chevreul, « La loi du contraste de couleur (1839) avec ses explications sur la façon dont les couleurs juxtaposées peuvent augmenter ou diminuer les uns des autres, et son exploration de tous les couleurs visibles du spectre. Inspiré par le traité de Chevreul 1839, Delacroix a passé son enthousiasme aux jeunes artistes qui ont été inspirés par lui. ce fut Chevreul qui a conduit les impressionnistes à saisir qu'ils devraient appliquer des coups de pinceau distincts de couleur pure à une toile et permettent de les combiner optiquement l'œil du spectateur.

Ils ont été grandement aidés en cela par des innovations dans la peinture à l'huile elle-même. Depuis la Renaissance, les peintres devaient moudre pigment, ajouter de l'huile et de créer ainsi leurs propres peintures; ces peintures chronophages également séché rapidement, studio fait de la peinture une nécessité pour les grandes œuvres, et en limitant les peintres à mélanger une ou deux couleurs à la fois et remplir toute une zone en utilisant seulement qu'une couleur avant qu'elle ne sèche. en 1841, un peintre américain peu connu du nom de John G. Rand a inventé une simple amélioration sans laquelle le mouvement impressionniste ne aurait pu se produire: le petit tube d'étain flexible avec capuchon amovible dans lequel les peintures à l'huile pourraient être stockées. Peintures à l'huile conservés dans de tels tubes sont restés humides et utilisable - et tout à fait portable. Pour la première fois depuis la Renaissance, les peintres ne sont pas pris au piège par le laps de temps de la rapidité séché peinture à l'huile.

Les peintures dans les tubes pourraient être facilement chargées et exécutées dans le monde réel, d'observer directement le jeu de couleurs et de lumière naturelle, dans l'ombre et le mouvement, peindre dans l'instant. La vente de la peinture à l'huile dans des tubes aussi provoqué l'arrivée de nouveaux pigments éblouissants - jaune de chrome, de cadmium et bleu - inventé par les chimistes industriels du 19ème siècle. Les tubes libérés des Impressionnistes à peindre rapidement, et à travers une toile entière, plutôt que soigneusement délimitée sections d'une seule couleur à la fois; en bref, d'esquisser directement dans l'huile - course à travers la toile dans toutes les couleurs qui est venu à la main et inspirant ainsi leur nom de « Impressionnistes » - car une telle rapidité, coups de pinceaux audacieux et limandes de couleurs distinctes fait les critiques contemporains pensent que leurs peintures étaient de simples impressions , pas des peintures, finis qui devaient être sans traces de pinceau visibles à tous, sans soudure sous des couches de vernis.

Pierre-Auguste Renoir a dit: « Sans couleurs dans des tubes, il n'y aurait pas de Cézanne, Monet ne, pas Pissarro, et pas l'impressionnisme. »

Enfin, les soigneuses, les techniques hyper-réaliste du néo-classicisme français ont été considérés comme raide et sans vie par rapport à la remarquable nouvelle vision du monde comme on le voit à travers la nouvelle invention de la photographie au milieu des années 1850. Ce ne fut pas seulement que la capacité croissante de cette nouvelle invention, en particulier par l'inventeur français Daguerre, a fait le réalisme de l'image peinte comme il délibérément redondant a participé à l'diorama Paris avec des peintures historiques à grande échelle. La matière néo-classique, limitée par la tradition académique aux légendes grecques et romaines, des batailles historiques et des histoires bibliques, semblait oppressive cliched et limitée aux artistes désireux d'explorer le monde réel devant leurs propres yeux révélé par la caméra - la vie quotidienne, groupes candide des gens ordinaires qui font des choses simples, Paris lui-même, paysages ruraux et plus particulièrement le jeu de lumière capturée - et non le lionizing imaginaire des événements passés invisibles. les premières photographies ont influencé le style impressionniste par son utilisation de l'asymétrie, le recadrage et le plus évidemment le flou de mouvement, comme par inadvertance capturé des vitesses très lentes de la photographie ancienne.

Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir  - in their framing, use of color, light and shadow, subject matter  - put these innovations to work to create a new language of visual beauty and meaning.

révolution Trucage: la CIA et l'expressionnisme abstrait

Leur rupture initiale avec réalisme dans une exploration de la lumière, la couleur et la nature de la peinture a été amené à une conclusion finale par les expressionnistes abstraits qui se détacha de contenu reconnaissable de toute nature dans des œuvres de forme pure couleur et picturalité qui ont émergé à la fin de la seconde guerre mondiale. À première vue comme des œuvres primitives, ineptes - comme dans « mes quatre ans pourrait faire des » œuvres -ces ont été mal compris et négligés jusqu'à donné critique et de soutien par la montée des journalistes et critiques d'art qui a défendu leur travail dans les années 1940 et 50 , exprimant la puissance de ces travaux en termes esthétiques les artistes eux - mêmes rarement utilisés, ou même compris. Jackson Pollock pionnier de la peinture éclabousser, la distribution avec une brosse de peinture tout à fait, devint bientôt le jeune adulé homme en colère dans une grande diffusion dans le magazine Life.

En fait, dans une volonté délibérée, secret et succès des efforts pour séparer les révolutions artistiques de les politiques, les expressionnistes abstraits comme Pollack, Robert Motherwell, Willem de Kooning et Mark Rothko, en apparence difficiles, des artistes pathbreaking, étaient en fait secrètement soutenu depuis vingt ans par la CIA dans une politique de la guerre froide commencé en 1947 pour prouver que les Etats-Unis pourraient favoriser une plus grande liberté artistique que le bloc soviétique. « Il a été reconnu que l'expressionnisme abstrait était le genre d'art qui a fait le réalisme socialiste look encore plus stylisé et rigide et confiné qu'il était, » a déclaré l'ancien travailleur social de la CIA Donald Jameson, qui a finalement éclaté en 1995. le silence sur ce programme Ironie du sort, le soutien secret de la CIA pour ces travaux radicaux était nécessaire parce qu'une tentative d'utiliser des fonds publics pour une tournée européenne de ces travaux au cours de l'administration Truman a conduit à un tollé public à conservateur de l'époque McCarthy Amérique, avec Truman remarquer célèbre, « Si c'est l'art, Je suis un Hottentot « . Ainsi, le programme était caché sous le couvert de fondations fabriquées et le soutien des riches mécènes qui en fait l'aide des fonds de la CIA, et non pas leur propre, de parrainer des expositions itinérantes de expressionnistes abstraits américains partout dans le monde, publient des livres et des articles les louer et d'acheter et exposition Résumé œuvres expressionnistes dans les grands musées américains et britanniques. Thomas Braden, responsable de ces programmes culturels pour la CIA. dans les premières années de la guerre froide, avait été autrefois secrétaire exécutif du Musée d'Art Moderne, principale institution de l'Amérique pour l'art du 20ème siècle et les accusations de collusion entre les deux écho pendant de nombreuses années après ce programme a été révélé, bien que la plupart des artistes impliqués avaient aucune idée qu'ils étaient utilisés de cette manière et étaient furieux quand ils ont découvert.

mouvements artistiques

Art ancien et classique

Dates clés: BCE 15000/400 BCE-200CE / 350 CE-450CE
anciens - Il y a quelques autres exemples avec l' art souvent au début favorisant le dessin sur la couleur. Des travaux ont été récemment trouvé dans les tombes, fresques égyptiennes, la poterie et la ferronnerie.
Classique - relative ou de l' ancienne architecture romaine ou grecque et de l' art. Principalement concernés par la géométrie et de la symétrie plutôt que l' expression individuelle.
Byzantine - Un art religieux caractérisé par de grands dômes, voûtes arrondies et des mosaïques de l'Empire romain d' Orient au 4ème siècle.

Médiévale et gothique

Dates clés: 400CE
médiévale - Un art très religieux à partir du 5ème siècle en Europe occidentale. Il se caractérise par des peintures illustrant des scènes de iconographique la Bible.
Gothique - Ce style a prévalu entre le 12ème siècle et le 16ème siècle en Europe. Principalement un mouvement architectural, gothique se caractérise par son ornementation détaillée plus sensiblement les arcades pointues et voûtes thoracique élaborée.
D' abord développé en France, gothique a été conçu comme une solution aux insuffisances de l' architecture romane. Il a permis cathédrales à construire avec des parois plus minces et il est devenu possible d'introduire des vitraux au lieu de décorations en mosaïque traditionnelles. Certains des plus beaux exemples du style comprennent les cathédrales de Chartres, Reims et Amiens. Le terme a également été utilisé pour décrire la sculpture et la peinture qui a démontré un degré de naturalisme plus.

Renaissance

Dates clés: 14ème siècle
Ce mouvement a commencé en Italie au 14ème siècle et le terme, ce qui signifie littéralement la renaissance, décrit le regain d'intérêt pour les réalisations artistiques du monde classique. Dans un premier temps dans un renouveau littéraire de la Renaissance a été déterminé à se éloigner du Moyen Age dominé religion et de porter son attention sur la situation critique de l'individu dans la société. Il fut un temps où l' expression individuelle et l' expérience du monde sont devenus deux des principaux thèmes de l' art de la Renaissance. Le mouvement devait beaucoup à la sophistication croissante de la société, caractérisé par la stabilité politique, la croissance économique et le cosmopolitisme. L' éducation épanouie à cette époque, avec les bibliothèques et les académies permettant une recherche plus approfondie à mener dans la culture du monde antique. De plus, les arts ont bénéficié du patronage de ces groupes influents comme la famille des Médicis de Florence, la famille Sforza de Milan et les papes Jules II et Léon X. Les œuvres de Pétrarque affichées en premier le nouvel intérêt pour les valeurs intellectuelles du monde classique au début du 14ème siècle et le romantisme de cette époque comme redécouvert dans la période de la Renaissance peut être vu exprimée par Boccace. Leonardo da Vinci était l'homme de la Renaissance par excellence représentant les valeurs humanistes de l'époque dans son art, la science et l' écriture. Michel - Ange et Raphaël sont aussi des figures essentielles dans ce mouvement, la production d' œuvres considérées pendant des siècles comme incarnant la notion classique de la perfection. Architectes de la Renaissance inclus Alberti, Brunelleschi et Bramante. Beaucoup de ces artistes sont venus de Florence et il est resté un important centre de la Renaissance dans le 16ème siècle finalement être dépassé par Rome et Venise. Certaines des idées de la Renaissance italienne se répandirent à d' autres parties de l' Europe, par exemple à l'artiste allemand Albrecht Dürer de la « Renaissance du Nord ». Mais au 16ème siècle maniérisme avait dépassé la Renaissance et ce fut ce style qui a attiré dans l' Europe.
Artistes représentatifs:
Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Filippo Brunelleschi, Raphaël da Urbino, Titien, Michel - Ange Buonarroti, et Donatello Bardi.

Maniérisme

Dates clés: 1520-1600
Artistes de la première Renaissance et la Renaissance ont développé leurs styles caractéristiques de l'observation de la nature et la formulation d'une science picturale. Lorsque maniérisme est arrivée à échéance après 1520 (L'année Raphaël est mort), tous les problèmes de représentation avaient été résolus. Un ensemble de connaissances qu'il y avait à apprendre. Au lieu de la nature comme leur professeur, les artistes maniéristes ont l' art. Alors que les artistes de la Renaissance ont cherché la nature à trouver leur style, les maniéristes regarda d' abord pour un style et trouvé une manière. Dans les peintures maniéristes, les compositions peuvent avoir aucun point focal, l' espace peut être ambigu, les chiffres peuvent être caractérisés par une flexion athlétique et de torsion avec des distorsions, exagération, un allongement élastique des branches, une posture bizarre d'une part, une posture gracieuse d'autre part et un rendu des têtes aussi uniformément petits et ovales. La composition est bloquée par des couleurs heurtant, ce qui est contrairement à ce que nous avons vu dans les couleurs équilibrées, naturelles et spectaculaires de la Haute Renaissance. Art maniériste cherche l' instabilité et l' agitation. Il y a aussi un penchant pour les allégories qui ont des nuances lascives.
Artistes représentatifs:
Andrea del Sarto, Jacopo da Pontormo, Corrège

Baroque

Dates clés: 17ème siècle l'
art baroque a émergé en Europe autour de 1600, en réaction contre le style maniériste complexe et stéréotypée qui a dominé la Renaissance tardive. Art baroque est moins complexe, plus réaliste et plus émotionnellement touchant que maniérisme.
Ce mouvement a été encouragé par l'Eglise catholique, le plus important mécène des arts à l'époque, comme un retour à la tradition et la spiritualité.
L' une des grandes périodes de l' histoire de l' art, l' art baroque a été développé par le Caravage, Annibal Carrache, et Bernin, entre autres. Ce fut aussi l'âge de Rubens, Rembrandt, Vélasquez et Vermeer.
Au 18ème siècle, l' art baroque a été remplacé par le style rococo plus élégant et raffiné.
Artistes représentatifs:
Caravage, Annibal Carrache, Bernin, Rubens, Rembrandt, Nicolas Poussin

Rococo

Dates clés: 18ème siècle
Tout au long du 18ème siècle en France, commençait une nouvelle classe moyenne riche et influente à augmenter, même si la royauté et de la noblesse ont continué d'être mécènes des arts. A la mort de Louis XIV et l'abandon de Versailles, la haute société de Paris sont devenus les pourvoyeurs de style. Ce style, principalement utilisé dans la décoration intérieure, est venu à être appelé Rococo. Le terme a été Rococo dérivé du mot français « Rocaille », ce qui signifie que des cailloux et fait référence aux pierres et de coquillages utilisés pour décorer l'intérieur des grottes. Par conséquent, les formes de coquille est devenu le motif principal Rococo. Les femmes de la société ont concouru pour les décorations les meilleures et les plus élaborées pour leurs maisons. D' où le style Rococo a été largement dominée par le goût féminin et l' influence.
François Boucher était le peintre du 18ème siècle et graveur dont les œuvres sont considérées comme l'expression parfaite du goût français dans la période Rococo. Formé par son père qui était un créateur de dentelle, Boucher a acquis une renommée avec ses peintures et ses paysages mythologiques sensuels et léger. Il a exécuté des œuvres importantes tant pour la reine de France et Mme. de Pompadour, maîtresse de Louis XV, qui était considéré comme la femme la plus puissante en France à l'époque. Boucher était Mme. artiste favori de Pompadour et a été commandée par elle pour de nombreuses peintures et décorations. Boucher est également devenu le principal concepteur de la manufacture de porcelaine royale et le directeur de l'usine de tapisserie des Gobelins. Le Vulcain Présenter Vénus avec les armes pour Aeneas est un modèle pour une tapisserie faite par cette usine.
Caractérisé par des questions de sujet élégant et raffiné et ludique, le style de Boucher est devenu l'incarnation même de la cour de Louis XV. Son style se composait de couleurs délicates et des formes douces peintes dans un sujet frivole. Ses œuvres généralement utilisées dessins agréables et décoratifs pour illustrer des histoires gracieuses avec Bergers d' Arcadie, déesses et de cupidons jouer contre un ciel rose et bleu. Ces œuvres reflètent la décadence folâtre, artificielle et ornementé de l'aristocratie française du temps.
Le Rococo est parfois considéré comme une phase finale de la période baroque.
Artistes représentatifs:
François Boucher, William Hogarth, Giovanni Battista Tiepolo, Angelica Kauffman, Giovanni Antonio Canaletto, Velázquez Vermeer

Néo-classique

Dates clés: 1750-1880
Un art français du XIXe siècle le style et le mouvement qui a pris naissance en réaction au baroque. Il a cherché à faire revivre les idéaux de l' art grec antique et romaine. Artistes néoclassiques formes classiques utilisés pour exprimer leurs idées sur le courage, le sacrifice et l' amour du pays. David et Canova sont des exemples de néoclassiques.
Artistes représentatifs:
Jacques-Louis David, Sir Henry Raeburn, Sir Joshua Reynolds, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Thomas Gainsborough, Antonio Canova, Arnold Böcklin

le romantisme

Dates clés: 1800-1880
romantisme était essentiellement une réaction contre néoclassicisme, il est un style profondément ressenti qui est individualiste, beau, exotique, et émotionnellement forgé.
Bien que le romantisme et néoclassicisme étaient opposés philosophiquement, ils étaient les styles européens dominants pour les générations, et de nombreux artistes ont été affectés à un degré plus ou moins par les deux. Les artistes peuvent travailler dans les deux styles à différents moments ou même mélanger les styles, la création d' un travail intellectuel romantique en utilisant un style visuel néo - classique, par exemple.
Les grands artistes étroitement associés au romantisme comprennent JMW Turner, Caspar David Friedrich, John Constable et William Blake.
Aux États-Unis, le premier mouvement romantique était l'Hudson River School de la peinture dramatique du paysage.
Successeurs évidents du romantisme comprennent le mouvement préraphaélite et les symbolistes. Mais l' impressionnisme, et à travers presque tout l'art du 20e siècle, est aussi solidement ancrée dans la tradition romantique.
Artistes représentatifs:
George Stubbs, William Blake, John Martin, Francisco Goya, Sir Thomas Lawrence, John Constable, Eugène Delacroix, Sir Edwin Landseer, Caspar David Friedrich, JMW Turner

Références