Animations traditionnelles -Traditional animation

Peinture à la peinture acrylique au verso d'un cellulo déjà encré, ici posé sur le dessin d'animation original

L'animation traditionnelle (ou animation classique , animation cel , animation dessinée à la main , ou animation 2D ) est une technique d' animation dans laquelle chaque image est dessinée à la main. La technique était la forme dominante d'animation au cinéma jusqu'à l'animation par ordinateur .

Traiter

Ecriture et storyboard

La production d'animation commence généralement après la conversion d'une histoire en scénario de film d'animation, à partir duquel un storyboard est dérivé. Un storyboard a une apparence quelque peu similaire aux panneaux de bande dessinée et est une décomposition plan par plan de la mise en scène, du jeu d'acteur et de tous les mouvements de caméra qui seront présents dans le film. Les images permettent à l'équipe d'animation de planifier le déroulement de l' intrigue et la composition de l'imagerie. Les artistes du storyboard auront des réunions régulières avec le réalisateur et pourront redessiner ou "re-boarder" une séquence plusieurs fois avant qu'elle ne reçoive l'approbation finale.

Enregistrement vocal

Avant le début de l'animation, une piste sonore préliminaire ou une piste de grattage est enregistrée afin que l'animation puisse être synchronisée plus précisément avec la bande sonore. Compte tenu de la lenteur avec laquelle l'animation traditionnelle est produite, il est presque toujours plus facile de synchroniser une animation sur une bande son préexistante que de synchroniser une bande son sur une animation préexistante. Une bande originale complète du dessin animé comprendra de la musique , des effets sonores et des dialogues interprétés par des doubleurs . La piste de scratch utilisée pendant l'animation ne contient généralement que les voix, toutes les chansons sur lesquelles les personnages doivent chanter et des pistes de partition musicale temporaires; la partition finale et les effets sonores sont ajoutés lors de la post-production .

Dans le cas de l' animation japonaise et de la plupart des dessins animés sonores d'avant 1930, le son était post-synchronisé ; la bande sonore a été enregistrée une fois les éléments du film terminés en regardant le film et en exécutant le dialogue, la musique et les effets sonores requis. Certains studios, notamment Fleischer Studios , ont continué à post-synchroniser leurs dessins animés pendant la majeure partie des années 1930, ce qui a permis la présence des "ad-libs marmonnés" présents dans de nombreux dessins animés de Popeye le marin et Betty Boop .

Conception, calendrier et mise en page

Lorsque les storyboards sont envoyés aux départements de conception, les concepteurs de personnages préparent des feuilles de modèle pour tous les personnages et accessoires qui apparaissent dans le film; et ceux-ci sont utilisés pour aider à normaliser l'apparence, les poses et les gestes. Les feuilles de modèle incluront souvent des "retournements" qui montrent à quoi ressemble un personnage ou un objet en trois dimensions ainsi que des poses et des expressions spéciales standardisées afin que les artistes aient un guide auquel se référer. De petites statues appelées maquettes peuvent être réalisées afin qu'un animateur puisse voir à quoi ressemble un personnage en trois dimensions. Les stylistes d'arrière -plan effectueront un travail similaire pour tous les paramètres et emplacements présents dans le storyboard, et les directeurs artistiques et les stylistes couleur détermineront le style artistique et les schémas de couleurs à utiliser.

Un directeur du chronométrage (qui dans de nombreux cas sera le directeur principal) prendra l'animatique et analysera exactement quelles poses, dessins et mouvements des lèvres seront nécessaires sur quelles images. Une feuille d'exposition (ou X-sheet ) est créée ; il s'agit d'un tableau imprimé qui décompose l'action, le dialogue et le son image par image comme guide pour les animateurs. Si un film est plus fortement basé sur la musique, une feuille de mesure peut être préparée en plus ou à la place d'une feuille X. Les feuilles de mesure montrent la relation entre l'action à l'écran, le dialogue et la notation musicale réelle utilisée dans la partition.

La mise en page commence une fois les conceptions terminées et approuvées par le directeur. C'est ici que les maquettistes d'arrière-plan déterminent les angles de caméra, les trajectoires de caméra, l'éclairage et l'ombrage de la scène. Les maquettistes détermineront les principales poses des personnages de la scène et feront un dessin pour indiquer chaque pose. Pour les courts métrages, la mise en page des personnages relève souvent de la responsabilité du réalisateur. Les dessins de mise en page et les storyboards sont ensuite épissés, ainsi que l'audio et un animatique est formé (à ne pas confondre avec son prédécesseur, le leica reel ).

Pendant que l'animation se fait, les décorateurs vont peindre les décors sur lesquels se déroulera l'action de chaque séquence animée. Ces arrière-plans sont généralement réalisés à la gouache ou à la peinture acrylique , bien que certaines productions animées aient utilisé des arrière-plans réalisés à l' aquarelle ou à la peinture à l'huile . Les artistes d'arrière-plan suivent de très près le travail des maquettistes d'arrière-plan et des stylistes de couleurs (qui sont généralement compilés dans un classeur à leur usage) afin que les arrière-plans résultants soient harmonieux dans le ton avec les dessins des personnages.

Animatique

Habituellement, une bobine d'animation ou d'histoire est créée après l'enregistrement de la bande sonore et avant le début de l'animation complète. Le terme « animatique » a été initialement inventé par Walt Disney Animation Studios . Un animatique se compose généralement d'images du storyboard chronométrées et coupées avec la bande sonore. Cela permet aux animateurs et aux réalisateurs de résoudre tous les problèmes de scénario et de synchronisation qui peuvent exister avec le storyboard actuel. Le storyboard et la bande sonore sont modifiés si nécessaire, et une nouvelle animatique peut être créée et revue avec le réalisateur jusqu'à ce que le storyboard réponde aux exigences des utilisateurs. Le montage du film au stade animatique empêche l'animation de scènes qui seraient montées hors du film. La création de scènes qui seront éventuellement éditées à partir du dessin animé terminé est évitée.

Animation

Esquisse d'une barre de chevilles d'animation et mesures de trois types, Acme étant la plus courante.

Dans le processus d'animation traditionnel, les animateurs commenceront par dessiner des séquences d'animation sur des feuilles de papier transparent perforées pour s'adapter aux chevilles de leurs bureaux, souvent à l'aide de crayons de couleur , une image ou "cadre" à la fois. Une cheville est un outil d'animation utilisé dans l'animation traditionnelle pour maintenir les dessins en place. Un animateur clé ou un animateur principal dessinera les dessins clés ou les images clés d'une scène, en utilisant les dispositions des personnages comme guide. L'animateur principal dessine suffisamment d'images pour faire passer les principales poses dans une performance de personnage.

Tout en travaillant sur une scène, un animateur clé préparera généralement un test au crayon de la scène. Un test au crayon est une version beaucoup plus grossière de la scène animée finale (souvent dépourvue de nombreux détails et couleurs de personnages); les dessins au crayon sont rapidement photographiés ou scannés et synchronisés avec les bandes sonores nécessaires. Cela permet de revoir et d'améliorer l'animation avant de transmettre le travail à leurs assistants animateurs, qui ajouteront des détails et certaines des images manquantes dans la scène. Le travail des animateurs adjoints est revu, testé au crayon et corrigé jusqu'à ce que l'animateur principal soit prêt à rencontrer le réalisateur et à faire transpirer sa scène .

Une fois l'animation clé approuvée, l'animateur principal transmet la scène au service de nettoyage, composé des animateurs de nettoyage et des intermédiaires. Les animateurs de nettoyage prennent les dessins des animateurs principaux et assistants et les tracent sur une nouvelle feuille de papier, en veillant à inclure tous les détails présents sur les feuilles modèles originales, afin que le film conserve une cohésion et une cohérence dans le style artistique. . Les intermédiaires dessineront dans les cadres qui manquent encore entre les dessins des autres animateurs. Cette procédure est appelée interpolation . Les dessins qui en résultent sont à nouveau testés au crayon et mis à l'épreuve jusqu'à ce qu'ils soient approuvés.

À chaque étape de l'animation au crayon, les illustrations approuvées sont insérées dans la bobine Leica .

Ce processus est le même pour l' animation de personnages et l'animation d' effets spéciaux , qui, sur la plupart des productions à gros budget, sont réalisées dans des départements distincts. Souvent, chaque personnage principal aura un animateur ou un groupe d'animateurs uniquement dédié au dessin de ce personnage. Le groupe sera composé d'un animateur superviseur, d'un petit groupe d'animateurs clés et d'un groupe plus important d'animateurs adjoints. Les animateurs d'effets animent tout ce qui bouge et qui n'est pas un personnage, y compris les accessoires, les véhicules, les machines et les phénomènes tels que le feu , la pluie et les explosions . Parfois, au lieu de dessins, un certain nombre de procédés spéciaux sont utilisés pour produire des effets spéciaux dans les films d'animation ; La pluie, par exemple, a été créée dans les films d'animation Disney depuis la fin des années 1930 en filmant des séquences d'eau au ralenti devant un fond noir, le film résultant se superposant à l'animation.

Encre et peinture traditionnelles et appareil photo

Une fois les nettoyages et les dessins intermédiaires d'une séquence terminés, ils sont préparés pour un processus appelé encre et peinture. Chaque dessin est ensuite transféré du papier sur une fine feuille de plastique transparente appelée cel , une contraction du nom de matériau celluloïd (le nitrate de cellulose inflammable d'origine a ensuite été remplacé par l' acétate de cellulose plus stable ). Le contour du dessin est encré ou photocopié sur le cellulo, et de la gouache , de l'acrylique ou un type de peinture similaire est utilisé au verso des cellulos pour ajouter des couleurs dans les nuances appropriées. La qualité transparente du cel permet à chaque personnage ou objet d'un cadre d'être animé sur différents cels, car le cel d'un personnage peut être vu sous le cel d'un autre; et l'arrière-plan opaque sera visible sous tous les cellulos.

Lorsqu'une séquence entière a été transférée sur cellulos, le processus de photographie commence. Chaque cellule impliquée dans une image d'une séquence est superposée, avec l'arrière-plan au bas de la pile. Un morceau de verre est abaissé sur l'œuvre d'art afin d'aplanir les éventuelles irrégularités, et l'image composite est ensuite photographiée par une caméra d'animation spéciale , également appelée caméra rostrum . Les cellules sont supprimées et le processus se répète pour l'image suivante jusqu'à ce que chaque image de la séquence ait été photographiée. Chaque cel a des trous d'enregistrement, de petits trous le long du bord supérieur ou inférieur du cel, qui permettent au cel d'être placé sur les barres de cheville correspondantes avant la caméra pour s'assurer que chaque cel s'aligne avec celui qui le précède; si les cellulos ne sont pas alignés de cette manière, l'animation, lorsqu'elle est jouée à pleine vitesse, apparaîtra "stable". Parfois, les cadres peuvent avoir besoin d'être photographiés plus d'une fois, afin de mettre en œuvre des superpositions et d'autres effets de caméra. Les panoramiques sont créés soit en déplaçant les cellulos ou les arrière-plans 1 étape à la fois sur une succession d'images (la caméra ne fait pas de panoramique, elle effectue uniquement un zoom avant et arrière).

Une caméra utilisée pour filmer une animation traditionnelle. Voir aussi Image aérienne .

Des feuilles de dope sont créées par les animateurs et utilisées par l'opérateur de caméra pour transférer chaque dessin d'animation dans le nombre d'images de film spécifié par les animateurs, que ce soit 1 (1s, uns) 2 (2s, deux) ou 3 (3s, trois ).

Au fur et à mesure que les scènes sortent de la photographie finale, elles sont collées dans la bobine Leica, prenant la place de l'animation au crayon. Une fois que chaque séquence de la production a été photographiée, le film final est envoyé pour développement et traitement, tandis que la musique et les effets sonores finaux sont ajoutés à la bande sonore.

Processus moderne

Encre et peinture numériques

Le processus actuel, appelé "encre et peinture numériques", est le même que l'encre et la peinture traditionnelles jusqu'à ce que les dessins d'animation soient terminés ; au lieu d'être transférés sur des cels, les dessins des animateurs sont soit numérisés dans un ordinateur , soit dessinés directement sur un écran d'ordinateur via des tablettes graphiques , où ils sont colorés et traités à l'aide d'un ou plusieurs logiciels. Les dessins résultants sont composés dans l'ordinateur sur leurs arrière-plans respectifs, qui ont également été numérisés dans l'ordinateur (s'ils ne sont pas peints numériquement), et l'ordinateur produit le film final en exportant un fichier vidéo numérique , en utilisant un magnétoscope ou en imprimant filmer à l'aide d'un périphérique de sortie haute résolution. L'utilisation d'ordinateurs facilite l'échange d'œuvres d'art entre les départements, les studios et même les pays et les continents (dans la plupart des productions d'animation américaines à petit budget, la majeure partie de l'animation est en fait réalisée par des animateurs travaillant dans d'autres pays , notamment la Corée du Sud , Taïwan , Japon , Chine , Singapour , Mexique , Inde et Philippines ). Comme le coût de l'encrage et de la peinture de nouveaux cels pour les films d'animation et les programmes télévisés et l'utilisation répétée d'anciens cels pour les nouveaux programmes télévisés et films d'animation ont augmenté et que le coût de faire la même chose numériquement a diminué, finalement, l'encre numérique- et le processus de peinture est devenu la norme pour les futurs films d'animation et programmes télévisés.

Mise en œuvre

Hanna-Barbera a été le premier studio d'animation américain à mettre en œuvre un système d'animation par ordinateur pour l'utilisation d'encre et de peinture numériques. Suite à un engagement envers la technologie en 1979, l'informaticien Marc Levoy a dirigé le laboratoire d'animation Hanna-Barbera de 1980 à 1983, développant un système d'encre et de peinture qui a été utilisé dans environ un tiers de la production nationale de Hanna-Barbera, à partir de 1984. et continuant jusqu'à son remplacement par un logiciel tiers en 1996. En plus d'une économie de coûts par rapport à la peinture cel traditionnelle de 5 à 1, le système Hanna-Barbera a également permis des effets de caméra multiplan évidents dans les productions HB telles que A Pup Named Scooby- Doo (1988).

L'encre et la peinture numériques sont utilisées dans les studios d'animation Walt Disney depuis 1989, où elles ont été utilisées pour le dernier arc-en-ciel tourné dans La Petite Sirène . Tous les longs métrages d'animation Disney ultérieurs ont été encrés et peints numériquement (à commencer par The Rescuers Down Under , qui a également été le premier long métrage majeur à utiliser entièrement l'encre et la peinture numériques), en utilisant la technologie propriétaire CAPS (Computer Animation Production System) de Disney, développée principalement par Pixar Animation Studios . Le système CAPS a permis aux artistes de Disney d'utiliser des techniques de lignes d'encre colorées pour la plupart perdues à l'époque de la xérographie, ainsi que des effets multiplans, des ombrages mélangés et une intégration plus facile avec les arrière-plans 3D CGI (comme dans la séquence de salle de bal du film Beauty de 1991). and the Beast ), des accessoires et des personnages.

Alors que Hanna-Barbera et Disney ont commencé à mettre en œuvre l'encrage et la peinture numériques, il a fallu plus de temps au reste de l'industrie pour s'adapter. De nombreux cinéastes et studios ne voulaient pas passer au processus numérique d'encre et de peinture car ils estimaient que l'animation colorée numériquement aurait l'air trop synthétique et perdrait l'attrait esthétique du cellulo non informatisé pour leurs projets. De nombreuses séries télévisées animées étaient encore animées dans d'autres pays en utilisant le processus cel traditionnellement encré et peint jusqu'en 2004, bien que la plupart d'entre elles soient passées au processus numérique à un moment donné de leur diffusion. Le dernier grand long métrage à utiliser de l'encre et de la peinture traditionnelles était l' actrice du millénaire de Satoshi Kon (2001); les dernières grandes productions d'animation occidentales à utiliser le processus traditionnel étaient SpongeBob SquarePants de Nickelodeon , The Simpsons et King of the Hill de Fox et The Powerpuff Girls et Ed , Edd n Eddy de Cartoon Network , qui ont tous changé. à la peinture numérique entre 2000 et 2004, tandis que la dernière grande production animée à abandonner l'animation cel était l'adaptation télévisée de Sazae-san , qui est restée fidèle à la technique jusqu'au 29 septembre 2013, date à laquelle elle est passée à l'animation entièrement numérique le 6 octobre. , 2013. Auparavant, la série avait adopté l'animation numérique uniquement pour son générique d'ouverture en 2009, mais avait conservé l'utilisation de cellulos traditionnels pour le contenu principal de chaque épisode. Des productions mineures, telles que Hair High (2004) de Bill Plympton , ont utilisé des cellulos traditionnels longtemps après l'introduction des techniques numériques. La plupart des studios utilisent aujourd'hui l'un des nombreux autres progiciels haut de gamme, tels que Toon Boom Harmony , Toonz (OpenToonz), Animo et RETAS , ou même des applications grand public telles qu'Adobe Flash , Toon Boom Technologies et TV Paint .

Techniques

Cellules

Cette image montre comment deux cellulos transparents, chacun avec un caractère différent dessiné dessus, et un fond opaque sont photographiés ensemble pour former l'image composite.

Le processus d'animation cel a été inventé par Earl Hurd et John Bray en 1915. Le cel est une innovation importante par rapport à l'animation traditionnelle, car il permet de répéter certaines parties de chaque image d'une image à l'autre, économisant ainsi du travail. Un exemple simple serait une scène avec deux personnages à l'écran, dont l'un parle et l'autre se tient en silence. Étant donné que ce dernier personnage ne bouge pas, il peut être affiché dans cette scène en utilisant un seul dessin, sur un cellulo, tandis que plusieurs dessins sur plusieurs cellulos sont utilisés pour animer le personnage parlant.

Pour un exemple plus complexe, considérons une séquence dans laquelle une personne pose une assiette sur une table. Le tableau reste immobile pendant toute la séquence, il peut donc être dessiné comme faisant partie de l'arrière-plan. La plaque peut être dessinée avec le personnage lorsque celui-ci la place sur la table. Cependant, une fois que l'assiette est sur la table, l'assiette ne bouge plus, bien que la personne continue de bouger en éloignant son bras de l'assiette. Dans cet exemple, une fois que la personne a posé l'assiette, l'assiette peut alors être dessinée sur une cellule distincte de celle-ci. D'autres cadres comportent de nouveaux cellulos de la personne, mais la plaque n'a pas besoin d'être redessinée car elle ne bouge pas; le même cel de la plaque peut être utilisé dans chaque cadre restant qu'il est encore sur la table. Les peintures cel ont en fait été fabriquées dans des versions ombrées de chaque couleur pour compenser la couche supplémentaire de cel ajoutée entre l'image et l'appareil photo; dans cet exemple, la plaque immobile serait peinte légèrement plus brillante pour compenser le déplacement d'une couche vers le bas.

Dans la télévision et d'autres productions à petit budget, les cellulos étaient souvent "cyclés" (c'est-à-dire qu'une séquence de cellulos était répétée plusieurs fois), et même archivées et réutilisées dans d'autres épisodes. Une fois le film terminé, les cellulos étaient soit jetés, soit, en particulier au début de l'animation, lavés et réutilisés pour le film suivant. Dans certains cas, certains des cellulos ont été placés dans les "archives" pour être utilisés encore et encore à des fins futures afin d'économiser de l'argent. Certains studios ont conservé une partie des cellulos et les ont vendus dans des magasins de studio ou les ont présentés comme cadeaux aux visiteurs.

Superposition cellulo

Une superposition de cel est un cel avec des objets inanimés utilisés pour donner l'impression d'un premier plan lorsqu'ils sont posés sur un cadre prêt. Cela crée l'illusion de profondeur, mais pas autant que le ferait une caméra multiplan. Une version spéciale de la superposition cel est appelée superposition de lignes , conçue pour compléter l'arrière-plan au lieu de faire le premier plan, et a été inventée pour traiter l'apparence sommaire des dessins xéroxés. Le fond a d'abord été peint sous forme de formes et de figures en aplats de couleurs, contenant assez peu de détails. Ensuite, un cellulo avec des lignes noires détaillées a été posé directement dessus, chaque ligne est dessinée pour ajouter plus d'informations à la forme ou à la figure sous-jacente et donner à l'arrière-plan la complexité dont il avait besoin. De cette façon, le style visuel de l'arrière-plan correspondra à celui des cellulos de caractères xéroxés. Au fur et à mesure que le processus xérographique évoluait, la superposition de lignes a été laissée pour compte.

Animation pré-cel

How Animated Cartoons Are Made (1919), montrant des personnages en papier découpé

Dans les tout premiers dessins animés réalisés avant l'utilisation du cellulo, comme Gertie le dinosaure (1914), le cadre entier, y compris l'arrière-plan et tous les personnages et objets, était dessiné sur une seule feuille de papier, puis photographié. Tout a dû être redessiné pour chaque image contenant des mouvements. Cela a conduit à une apparence « nerveuse » ; imaginez voir une séquence de dessins d'une montagne, chacun légèrement différent de celui qui le précède. L'animation pré-cel a ensuite été améliorée en utilisant des techniques comme le système slash and tear inventé par Raoul Barre ; le fond et les objets animés ont été dessinés sur des papiers séparés. Un cadre a été réalisé en supprimant toutes les parties vierges des papiers où les objets étaient dessinés avant d'être placés sur les arrière-plans et finalement photographiés.

Animation limitée

Dans les productions à petit budget, les raccourcis disponibles via la technique cel sont largement utilisés. Par exemple, dans une scène dans laquelle une personne est assise sur une chaise et parle, la chaise et le corps de la personne peuvent être les mêmes dans chaque image ; seule leur tête est redessinée, ou peut-être même que leur tête reste la même alors que seule leur bouche bouge. C'est ce qu'on appelle une animation limitée . Le processus a été popularisé dans les dessins animés théâtraux par United Productions of America et utilisé dans la plupart des animations télévisées , en particulier celle de Hanna-Barbera . Le résultat final n'a pas l'air très réaliste, mais est peu coûteux à produire et permet donc de réaliser des dessins animés avec de petits budgets de télévision.

"Tir à deux"

Les personnages en mouvement sont souvent tournés "à deux". Un dessin est affiché pour deux images de film (qui fonctionne généralement à 24 images par seconde), ce qui signifie qu'il n'y a que 12 dessins par seconde. Même si le taux de mise à jour des images est faible, la fluidité est satisfaisante pour la plupart des sujets. Cependant, lorsqu'un personnage doit effectuer un mouvement rapide, il est généralement nécessaire de revenir à l'animation "sur un", car les "deux" sont trop lents pour transmettre le mouvement de manière adéquate. Un mélange des deux techniques permet de tromper l'œil sans coûts de production inutiles.

L'animateur nominé aux Oscars Bill Plympton est connu pour son style d'animation qui utilise très peu d'intermédiaires et de séquences qui se font "à trois" ou "à quatre", tenant chaque dessin à l'écran de 1/8 à 1/6 d'une seconde. Alors que Plympton utilise des prises à trois images presque constantes, parfois une animation qui fait simplement la moyenne de huit dessins par seconde est également appelée "sur trois" et est généralement réalisée pour répondre aux contraintes budgétaires, ainsi que d'autres mesures de réduction des coûts comme la tenue du même dessin d'un caractère pendant une période prolongée ou panoramique sur une image fixe, techniques souvent utilisées dans les productions télévisées à petit budget. C'est également courant dans l' anime , où la fluidité est sacrifiée au lieu d'un changement vers la complexité dans les conceptions et l'ombrage (contrairement aux conceptions plus fonctionnelles et optimisées de la tradition occidentale); même les fonctionnalités théâtrales à gros budget telles que celles du Studio Ghibli utilisent toute la gamme: de l'animation fluide "sur un" dans les plans sélectionnés (généralement des accents d'action rapide) à l'animation commune "sur trois" pour un dialogue régulier et des plans au rythme lent.

Boucles d'animations

Un cheval animé par rotoscopie à partir des photos du XIXe siècle d' Eadweard Muybridge . L'animation se compose de 8 dessins qui sont "bouclés", c'est-à-dire répétés encore et encore. Cet exemple est aussi "tiré par deux", c'est-à-dire montré à 12 dessins par seconde.

La création de boucles d'animation ou de cycles d'animation est une technique d'économie de main-d'œuvre pour animer des mouvements répétitifs, comme un personnage marchant ou une brise soufflant à travers les arbres. Dans le cas de la marche, le personnage est animé d'un pas du pied droit, puis d'un pas du pied gauche. La boucle est créée de sorte que, lorsque la séquence se répète, le mouvement soit continu. En général, ils ne sont utilisés qu'avec parcimonie par les productions aux budgets moyens ou élevés.

Le court métrage Walking de Ryan Larkin , nommé aux Oscars en 1969 par l' Office national du film du Canada , fait un usage créatif des boucles. De plus, un clip promotionnel de Groovies de Cartoon Network mettant en vedette la chanson "Circles" de Soul Coughing s'est moqué des boucles d'animation comme on les voit souvent dans The Flintstones , dans lequel Fred et Barney (ainsi que divers personnages de Hanna-Barbera qui ont été diffusés sur Cartoon Network), soi-disant marchant dans une maison, se demandent pourquoi ils passent sans cesse devant la même table et le même vase.

Processus multiplan

Le processus multiplan est une technique principalement utilisée pour donner une impression de profondeur ou de parallaxe aux films d'animation bidimensionnels. Pour utiliser cette technique dans l'animation traditionnelle, l'illustration est peinte ou placée sur des calques séparés appelés plans. Ces plans, généralement constitués de plans de verre transparent ou de plexiglas, sont ensuite alignés et placés avec des distances spécifiques entre chaque plan. L'ordre dans lequel les plans sont placés et la distance entre eux sont déterminés par l'élément de la scène qui se trouve sur le plan ainsi que par la profondeur prévue de la scène entière. Une caméra, montée au-dessus ou devant les plans, déplace son foyer vers ou loin des plans pendant la capture des images d'animation individuelles. Dans certains appareils, les plans individuels peuvent être rapprochés ou éloignés de la caméra. Cela donne au spectateur l'impression qu'il se déplace à travers les différentes couches d'art comme dans un espace tridimensionnel.

Histoire

Les prédécesseurs de cette technique et les équipements utilisés pour la mettre en œuvre ont commencé à apparaître à la fin du 19ème siècle. Les vitres peintes étaient souvent utilisées dans les plans mats et les plans de verre, comme on le voit dans le travail de Norman Dawn . En 1923, Lotte Reiniger et son équipe d'animation ont construit l'une des premières structures d'animation multiplan, un appareil appelé Tricktisch . Sa conception verticale descendante permettait le réglage aérien des avions individuels et stationnaires. Le Tricktisch a été utilisé dans le tournage des Aventures du Prince Ahmed , l'une des œuvres les plus connues de Reiniger. Les futurs appareils d'animation multiplan utiliseraient généralement la même conception verticale que l'appareil de Reiniger. Une exception notable à cette tendance était la Setback Camera, développée et utilisée par Fleischer Studios . Cet appareil utilisait des modèles miniatures en trois dimensions d'ensembles, avec des cellulos animés placés à différentes positions dans l'ensemble. Ce placement donnait l'apparence d'objets se déplaçant devant et derrière les personnages animés et était souvent appelé la méthode de table.

Impact

La diffusion et le développement de l'animation multiplan ont aidé les animateurs à résoudre les problèmes de suivi de mouvement et de profondeur de scène, et ont réduit les temps et les coûts de production des œuvres animées. Dans un enregistrement de 1957 , Walt Disney a expliqué pourquoi le suivi de mouvement était un problème pour les animateurs, ainsi que ce que l'animation multiplan pouvait faire pour le résoudre. À l'aide d'une image fixe en deux dimensions d'une ferme animée la nuit, Disney a démontré qu'un zoom avant sur la scène, en utilisant des techniques d'animation traditionnelles de l'époque, augmentait la taille de la lune. Dans l'expérience de la vie réelle, la taille de la lune n'augmenterait pas lorsqu'un spectateur s'approcherait d'une ferme. L'animation multiplan a résolu ce problème en séparant la lune, la ferme et les terres agricoles en plans séparés, la lune étant la plus éloignée de la caméra. Pour créer l'effet de zoom, les deux premiers plans ont été rapprochés de la caméra pendant le tournage, tandis que le plan avec la lune est resté à sa distance d'origine. Cela a donné une profondeur et une plénitude à la scène qui ressemblaient davantage à la vie réelle, ce qui était un objectif important pour de nombreux studios d'animation à l'époque.

Xérographie

Appliquée à l'animation par Ub Iwerks au studio Walt Disney à la fin des années 1950, la technique de copie électrostatique appelée xérographie a permis de copier les dessins directement sur les cellulos, éliminant une grande partie de la partie "encrage" du processus d'encre et de peinture. Cela a permis d'économiser du temps et de l'argent, et cela a également permis de mettre plus de détails et de contrôler la taille des objets et des caractères xéroxés. Au début, cela donnait un aspect plus sommaire, mais la technique s'est améliorée au fil du temps.

L'animateur et ingénieur de Disney, Bill Justice, avait breveté un précurseur du procédé Xerox en 1944, où les dessins réalisés avec un crayon spécial étaient transférés sur un cellulo par pression, puis fixés. On ne sait pas si le processus a déjà été utilisé dans l'animation.

La méthode xérographique a d'abord été testée par Disney dans quelques scènes de La Belle au Bois Dormant et a d'abord été pleinement utilisée dans le court métrage Goliath II , tandis que le premier long métrage utilisant entièrement ce procédé était Les Cent Un Dalmatiens (1961). Le style graphique de ce film a été fortement influencé par le procédé. Un peu d'encrage à la main était encore utilisé avec la xérographie dans ce film et les films suivants lorsque des lignes de couleur distinctes étaient nécessaires. Plus tard, des toners colorés sont devenus disponibles et plusieurs couleurs de lignes distinctes pouvaient être utilisées, même simultanément. Par exemple, dans The Rescuers , les contours des personnages sont gris. Des toners blancs et bleus ont été utilisés pour des effets spéciaux, tels que la neige et l'eau.

Le processus APT

Inventé par Dave Spencer pour le film Disney The Black Cauldron de 1985 , le procédé APT (Animation Photo Transfer) était une technique de transfert de l'art des animateurs sur des cellulos. Fondamentalement, le processus était une modification d'un processus repro-photographique; le travail des artistes a été photographié sur un film "litho" à contraste élevé, et l'image sur le négatif résultant a ensuite été transférée sur un cellulo recouvert d'une couche de colorant sensible à la lumière. Le cellulo a été exposé à travers le négatif. Des produits chimiques ont ensuite été utilisés pour éliminer la partie non exposée. Les petits détails délicats étaient encore encrés à la main si nécessaire. Spencer a reçu un Academy Award for Technical Achievement pour avoir développé ce processus.

Rotoscopie

La rotoscopie est une méthode d'animation traditionnelle inventée par Max Fleischer en 1915, dans laquelle l'animation est "tracée" sur des images réelles d'acteurs et de décors. Traditionnellement, l'action en direct sera imprimée image par image et enregistrée. Un autre morceau de papier est ensuite placé sur les impressions en direct et l'action est tracée image par image à l'aide d'une lightbox. Le résultat final semble toujours dessiné à la main, mais le mouvement sera remarquablement réaliste. Les films Waking Life et American Pop sont des longs métrages rotoscopés. L'animation rotoscopée apparaît également dans les vidéoclips de la chanson " Take On Me " de A-ha et " Heartless " de Kanye West . Dans la plupart des cas, la rotoscopie est principalement utilisée pour faciliter l'animation d'êtres humains au rendu réaliste, comme dans Blanche-Neige et les Sept Nains , Peter Pan et La Belle au Bois Dormant .

Une méthode liée à la rotoscopie conventionnelle a ensuite été inventée pour l'animation d'objets inanimés solides, tels que des voitures, des bateaux ou des portes. Un petit modèle d'action réelle de l'objet requis a été construit et peint en blanc, tandis que les bords du modèle ont été peints avec de fines lignes noires. L'objet a ensuite été filmé selon les besoins de la scène animée en déplaçant le modèle, la caméra ou une combinaison des deux, en temps réel ou à l'aide d'une animation en stop-motion. Les images du film ont ensuite été imprimées sur papier, montrant un modèle composé de lignes peintes en noir. Une fois que les artistes ont ajouté des détails à l'objet non présent dans la photographie en direct du modèle, il a été photocopié sur des cellulos. Un exemple notable est la voiture de Cruella de Vil dans Les cent un dalmatiens de Disney . Le processus de transfert d'objets 3D vers des cellulos a été grandement amélioré dans les années 1980 lorsque l'infographie était suffisamment avancée pour permettre la création d'objets 3D générés par ordinateur pouvant être manipulés de la manière souhaitée par les animateurs, puis imprimés sous forme de contours sur papier avant d'être copiés. sur cellules en utilisant la xérographie ou le processus APT. Cette technique a été utilisée dans les films Disney tels que Oliver and Company (1988) et La Petite Sirène (1989). Ce processus a plus ou moins été remplacé par l'utilisation du cel-shading.

Liées à la rotoscopie sont les méthodes de vectorisation des séquences d'action en direct, afin d'obtenir un aspect très graphique, comme dans le film A Scanner Darkly de Richard Linklater .

Hybrides d'action réelle

Semblable à l'animation par ordinateur et aux hybrides d'animation traditionnels décrits ci-dessus, une production combinera parfois à la fois des images en direct et des images animées. Les parties en direct de ces productions sont généralement filmées en premier, les acteurs prétendant qu'ils interagissent avec les personnages animés, les accessoires ou les décors; l'animation sera ensuite ajoutée ultérieurement au métrage pour lui donner l'impression qu'elle a toujours été là. Comme la rotoscopie, cette méthode est rarement utilisée, mais lorsqu'elle l'est, elle peut être utilisée avec un effet formidable, plongeant le public dans un monde fantastique où les humains et les dessins animés coexistent. Les premiers exemples incluent les dessins animés silencieux Out of the Inkwell (commencés en 1919) de Max Fleischer et Alice Comedies de Walt Disney (commencés en 1923). L'action en direct et l'animation ont ensuite été combinées dans des longs métrages tels que Song of the South (1946), The Incredible Mr. Limpet , Mary Poppins (tous deux en 1964), Who Frame Roger Rabbit (1988), Cool World (1992), Space Jam (1996), Looney Tunes: Back in Action (2003), The SpongeBob SquarePants Movie (2004) et Enchanted (2007), parmi beaucoup d'autres. La technique a également été largement utilisée dans les publicités télévisées, en particulier pour les céréales du petit déjeuner commercialisées auprès des enfants pour les intéresser et stimuler les ventes.

Animations d'effets spéciaux

Outre les personnages, objets et arrière-plans traditionnellement animés, de nombreuses autres techniques sont utilisées pour créer des éléments spéciaux tels que la fumée, la foudre et la "magie", et pour donner à l'animation, en général, une apparence visuelle distincte. Aujourd'hui, les effets spéciaux sont principalement réalisés à l'aide d'ordinateurs, mais auparavant, ils devaient être réalisés à la main. Pour produire ces effets, les animateurs ont utilisé différentes techniques, comme le drybrush , l' aérographe , le fusain, le crayon gras , l'animation en contre-jour, les écrans diffusants, les filtres , ou encore les gels . Par exemple, le segment Nutcracker Suite dans Fantasia a une séquence féerique où des cellulos pointillés sont utilisés, créant un aspect pastel doux.

Techniques modernes

Les méthodes mentionnées ci-dessus décrivent les techniques d'un processus d'animation qui dépendait à l'origine des cels dans ses étapes finales, mais les cels peints sont rares aujourd'hui à mesure que l' ordinateur entre dans le studio d'animation, et les dessins de contour sont généralement numérisés dans l'ordinateur et remplis de numérique. peindre au lieu d'être transféré sur des cellulos puis coloré à la main. Les dessins sont composés dans un programme informatique sur de nombreuses "couches" transparentes de la même manière qu'avec les cellulos, et transformés en une séquence d'images qui peuvent ensuite être transférées sur film ou converties en format vidéo numérique .

Il est désormais également possible pour les animateurs de dessiner directement dans un ordinateur à l'aide d'une tablette graphique telle qu'une Cintiq ou un appareil similaire, où les dessins de contour sont réalisés de la même manière qu'ils le seraient sur papier. Le court métrage Goofy How To Hook Up Your Home Theater (2007) représentait le premier projet de Disney basé sur la technologie sans papier disponible aujourd'hui. Certains des avantages sont la possibilité et le potentiel de contrôler la taille des dessins tout en travaillant dessus, en dessinant directement sur un fond multiplan et en éliminant le besoin de photographier des tests de ligne et de numériser.

Bien que l'animation traditionnelle soit désormais couramment réalisée avec des ordinateurs, il est important de différencier l'animation traditionnelle assistée par ordinateur de l'animation 3D par ordinateur , comme Toy Story , Shrek , Jimmy Neutron: Boy Genius et Ice Age . Cependant, l'animation traditionnelle et l'animation 3D par ordinateur seront souvent utilisées ensemble, comme dans Titan AE de Don Bluth et Hercule de Disney , Tarzan , Atlantis : L'Empire perdu et Treasure Planet . La plupart des dessins animés et de nombreuses séries animées occidentales utilisent encore aujourd'hui l'animation traditionnelle, comme Ghost in the Shell , Neon Genesis Evangelion et Cowboy Bebop . Le dirigeant de DreamWorks , Jeffrey Katzenberg , a inventé le terme "animation tradigital" pour décrire les films d'animation produits par son studio qui incorporaient des éléments d'animation traditionnels et informatiques à parts égales, tels que The Road to El Dorado , Spirit: Stallion of the Cimarron et Sinbad: Legend of the Sept mers .

De nombreux jeux vidéo tels que Viewtiful Joe , The Legend of Zelda: The Wind Waker , Ico , Ōkami , Mirror's Edge et d'autres utilisent des filtres d'animation ou des systèmes d'éclairage " cel-shading " pour faire apparaître leur animation 3D complète comme si elle était dessinée dans un style cellulo traditionnel. Cette technique a également été utilisée dans le film d'animation Appleseed , et l'animation 3D cel-shaded est généralement intégrée à l'animation cel dans les films Disney et dans de nombreuses émissions de télévision, telles que Fox 's Futurama , Family Guy et American Dad ! et les deux séries animées Nickelodeon Invader Zim et The Fairly Oddparents . Dans une scène du film Pixar 2007 Ratatouille , une illustration de Gusteau (dans son livre de cuisine), parle à Remy (qui, dans cette scène, s'est perdu dans les égouts de Paris) comme le fruit de l'imagination de Remy; cette scène est également considérée comme un exemple de cel-shading dans un long métrage d'animation. Plus récemment, des courts métrages d'animation tels que Paperman , Feast et The Dam Keeper ont utilisé un style plus distinctif d'animation 3D cel-shaded, capturant un aspect et une sensation similaires à une «peinture en mouvement».

Ordinateurs et caméras vidéo numériques

Parmi les types les plus courants de caméras de tribune d'animation figurait l'Oxberry. Ces caméras étaient toujours en aluminium anodisé noir et avaient généralement 2 barres de cheville, 1 en haut et 1 en bas de la boîte à lumière. La série Oxberry Master avait 4 barres de cheville, 2 au-dessus et 2 en dessous, et utilisait parfois une "barre de cheville flottante". La hauteur de la colonne sur laquelle la caméra était montée déterminait la quantité de zoom réalisable sur une œuvre d'art. De telles caméras étaient des affaires mécaniques massives qui pouvaient peser près d'une tonne et prendre des heures à se décomposer ou à s'installer.

Dans les dernières années de la caméra de tribune d'animation, des moteurs pas à pas contrôlés par des ordinateurs étaient fixés aux différents axes de mouvement de la caméra, économisant ainsi de nombreuses heures de manivelle par des opérateurs humains. Peu à peu, les techniques de contrôle de mouvement ont été adoptées dans toute l'industrie.

Les procédés d'encre et de peinture numériques ont progressivement rendu ces techniques et équipements d'animation traditionnels obsolètes.

Les ordinateurs et les caméras vidéo numériques peuvent également être utilisés comme outils dans l'animation cellulo traditionnelle sans affecter directement le film, aidant les animateurs dans leur travail et rendant l'ensemble du processus plus rapide et plus facile. Faire les mises en page sur un ordinateur est beaucoup plus efficace que de le faire par des méthodes traditionnelles. De plus, les caméras vidéo donnent la possibilité de voir un "aperçu" des scènes et à quoi elles ressembleront une fois terminées, permettant aux animateurs de les corriger et de les améliorer sans avoir à les terminer au préalable. Cela peut être considéré comme une forme numérique de test au crayon .

Le dispositif le plus célèbre utilisé pour l'animation multiplan était la caméra multiplan . Cet appareil, conçu à l'origine par l'ancien animateur / réalisateur des Walt Disney Studios , Ub Iwerks , est une grue de caméra verticale descendante qui a filmé des scènes peintes sur plusieurs plans de verre réglables individuellement. Les plans mobiles permettaient une profondeur variable dans les scènes animées individuelles. Plus tard, les studios Disney adopteront cette technologie pour leurs propres usages. Conçue en 1937 par William Garity , la caméra multiplan utilisée pour le film Blanche-Neige et les Sept Nains utilisait des illustrations peintes sur sept plans distincts et mobiles, ainsi qu'une caméra verticale descendante.

Le dernier film d'animation de Disney qui présentait l'utilisation de leur caméra multiplan était La Petite Sirène , bien que le travail ait été externalisé car l'équipement de Disney était inopérant à l'époque. L'utilisation de la caméra multiplan ou d'appareils similaires a diminué en raison des coûts de production et de l'essor de l'animation numérique. Commençant en grande partie par l'utilisation de CAPS , les caméras multiplans numériques aideraient à rationaliser le processus d'ajout de couches et de profondeur aux scènes animées.

Voir également

Références

Citations

Sources

Liens externes