Théâtre - Theatre

Sarah Bernhardt comme Hamlet , en 1899

Le théâtre ou le théâtre est une forme collaborative d' art du spectacle qui utilise des artistes en direct, généralement des acteurs ou des actrices , pour présenter l'expérience d'un événement réel ou imaginaire devant un public en direct dans un lieu spécifique, souvent une scène. Les interprètes peuvent communiquer cette expérience au public par des combinaisons de gestes , de paroles, de chants, de musique et de danse . Des éléments d'art, tels que des décors peints et des mises en scène telles que l' éclairage, sont utilisés pour améliorer le caractère physique, la présence et l'immédiateté de l'expérience. Le lieu précis de la représentation est également nommé par le mot "théâtre" dérivé duGrec ancien θέατρον (théatron, "un lieu d'observation"), lui-même de θεάομαι (theáomai, "voir", "regarder", "observer").

Le théâtre occidental moderne vient, dans une large mesure, du théâtre de la Grèce antique , auquel il emprunte la terminologie technique, la classification en genres et nombre de ses thèmes , personnages de base et éléments d'intrigue. L'artiste de théâtre Patrice Pavis définit la théâtralité, le langage théâtral , l'écriture scénique et la spécificité du théâtre comme des expressions synonymes qui différencient le théâtre des autres arts de la scène , de la littérature et des arts en général.

Le théâtre moderne comprend des représentations de pièces de théâtre et de théâtre musical . Les formes d'art du ballet et de l' opéra sont aussi du théâtre et utilisent de nombreuses conventions telles que le jeu d' acteur , les costumes et la mise en scène. Ils ont influencé le développement du théâtre musical ; voir ces articles pour plus d'informations.

Histoire du théâtre

Grèce classique et hellénistique

Théâtre grec à Taormina , Sicile , Italie
Une représentation d'acteurs jouant les rôles d'un maître (à droite) et de son esclave (à gauche) dans une pièce de phlyax grecque , vers 350/340 avant notre ère

La cité-État d' Athènes est le berceau du théâtre occidental. Cela faisait partie d'une culture plus large de la théâtralité et de la performance dans la Grèce classique qui comprenait des festivals , des rituels religieux , la politique , le droit , l'athlétisme et la gymnastique, la musique , la poésie , les mariages, les funérailles et les colloques .

La participation aux nombreux festivals de la cité-État – et la présence obligatoire à la City Dionysia en tant que membre du public (ou même en tant que participant aux productions théâtrales) en particulier – était une partie importante de la citoyenneté . La participation civique impliquait également l'évaluation de la rhétorique des orateurs manifestée dans les représentations au tribunal ou à l'assemblée politique , qui étaient toutes deux comprises comme analogues au théâtre et en vinrent de plus en plus à s'imprégner de son vocabulaire dramatique. Les Grecs ont également développé les concepts de critique dramatique et d'architecture théâtrale. Les acteurs étaient soit amateurs, soit au mieux semi-professionnels. Le théâtre de la Grèce antique se composait de trois types de drame : la tragédie , la comédie et la pièce satyrique .

Les origines du théâtre dans la Grèce antique, selon Aristote (384-322 avant notre ère), le premier théoricien du théâtre, se trouvent dans les fêtes qui honoraient Dionysos. Les représentations ont été données dans des auditoriums semi-circulaires taillés à flanc de colline, pouvant accueillir de 10 000 à 20 000 personnes. La scène se composait d'une piste de danse (orchestre), d'une loge et d'une zone de construction de scènes (skene). Puisque les mots étaient la partie la plus importante, une bonne acoustique et une livraison claire étaient primordiales. Les acteurs (toujours des hommes) portaient des masques appropriés aux personnages qu'ils représentaient, et chacun pouvait jouer plusieurs rôles.

La tragédie athénienne – la plus ancienne forme de tragédie encore en vie – est un type de danse- drame qui a constitué une partie importante de la culture théâtrale de la cité-État. Après avoir vu le jour quelque temps au cours de la BCE du 6ème siècle, il a fleuri au cours de la 5ème siècle BCE ( à partir de la fin de laquelle il a commencé à se répandre dans le monde grec), et a continué à être populaire jusqu'au début de la période hellénistique .

Aucune tragédie du 6ème siècle avant notre ère et seulement 32 des plus d'un millier qui ont été jouées au cours du 5ème siècle avant notre ère ont survécu. Nous avons des textes complets existants d' Eschyle , de Sophocle et d' Euripide . Les origines de la tragédie restent obscures, bien qu'au 5ème siècle avant notre ère, elle ait été institutionnalisée dans des concours ( agon ) organisés dans le cadre des festivités célébrant Dionysos (le dieu du vin et de la fertilité ). En tant que candidats au concours de la City Dionysia (le plus prestigieux des festivals de théâtre), les dramaturges devaient présenter une tétralogie de pièces (bien que les œuvres individuelles ne soient pas nécessairement liées par une histoire ou un thème), qui consistait généralement en trois tragédies et une jeu de satyre. La représentation de tragédies à la City Dionysia peut avoir commencé dès 534 avant notre ère ; les archives officielles ( didaskaliai ) commencent à partir de 501 avant notre ère, lorsque le jeu de satyre a été introduit.

La plupart des tragédies athéniennes dramatisent des événements de la mythologie grecque , bien que Les Perses – qui mettent en scène la réponse persane à la nouvelle de leur défaite militaire à la bataille de Salamine en 480 avant notre ère – soient l'exception notable dans le drame survivant. Quand Eschyle a remporté le premier prix à la City Dionysia en 472 avant notre ère, il écrivait des tragédies depuis plus de 25 ans, mais son traitement tragique de l'histoire récente est le premier exemple de drame à avoir survécu. Plus de 130 ans plus tard, le philosophe Aristote a analysé la tragédie athénienne du Ve siècle dans le plus ancien ouvrage de théorie dramatique encore en vie — sa Poétique (vers 335 avant notre ère).

La comédie athénienne est classiquement divisée en trois périodes, "la vieille comédie", "la comédie moyenne" et "la nouvelle comédie". La vieille comédie survit aujourd'hui en grande partie sous la forme des onze pièces survivantes d' Aristophane , tandis que la moyenne comédie est en grande partie perdue (conservée uniquement dans des fragments relativement courts chez des auteurs tels que Athénée de Naucratis ). La Nouvelle Comédie est connue principalement grâce aux importants fragments de papyrus de Ménandre . Aristote a défini la comédie comme une représentation de personnes risibles qui implique une sorte de gaffe ou de laideur qui ne cause pas de douleur ou de désastre.

En plus des catégories de comédie et de tragédie à la ville Dionysia, le festival comprenait également la pièce de théâtre Satyre . Trouvant ses origines dans les rituels ruraux et agricoles dédiés à Dionysos, la pièce de théâtre satyrique a finalement trouvé son chemin jusqu'à Athènes sous sa forme la plus connue. Les satyres eux-mêmes étaient liés au dieu Dionysos en tant que fidèles compagnons des bois, se livrant souvent à des réjouissances ivres et à des méfaits à ses côtés. La pièce de théâtre satyrique elle-même a été classée comme tragi-comédie, pêchant du côté des traditions burlesques plus modernes du début du XXe siècle. Les intrigues des pièces concernaient généralement les relations du panthéon des dieux et leur implication dans les affaires humaines, soutenues par le chœur des satyres . Cependant, selon Webster , les acteurs satyres n'effectuaient pas toujours des actions satyres typiques et rompraient avec les traditions d'acteur attribuées au type de personnage d'une créature mythique de la forêt.

théâtre romain

Mosaïque représentant des acteurs masqués dans une pièce de théâtre : deux femmes consultent une "sorcière"

Le théâtre occidental s'est développé et s'est considérablement développé sous les Romains . L'historien romain Tite-Live a écrit que les Romains ont expérimenté le théâtre pour la première fois au IVe siècle avant notre ère, avec une représentation d' acteurs étrusques . Beacham soutient qu'ils étaient familiers avec les "pratiques pré-théâtrales" depuis un certain temps avant ce contact enregistré. Le théâtre de la Rome antique était une forme d'art florissante et diversifiée, allant des représentations de festival de théâtre de rue , de danse nue et d' acrobatie , à la mise en scène des comédies de situation largement attrayantes de Plaute , aux tragédies de haut style et verbalement élaborées de Sénèque. . Bien que Rome ait une tradition autochtone de représentation, l' hellénisation de la culture romaine au IIIe siècle avant notre ère a eu un effet profond et énergisant sur le théâtre romain et a encouragé le développement d'une littérature latine de la plus haute qualité pour la scène. Les seules pièces survivantes de l'Empire romain sont dix drames attribués à Lucius Annaeus Seneca (4 BCE-65 CE), le philosophe stoïcien né à Cordoue et tuteur de Néron.

théâtre indien

Le Koothu est une ancienne forme d'art du spectacle qui trouve son origine au début du Tamilakam .

Les fragments les plus anciens du drame sanscrit datent du 1er siècle de notre ère. La richesse des témoignages archéologiques des périodes antérieures n'offre aucune indication de l'existence d'une tradition théâtrale. Les anciens Védas ( hymnes d'entre 1500 et 1000 avant notre ère qui sont parmi les premiers exemples de littérature dans le monde) n'en contiennent aucune allusion (bien qu'un petit nombre soient composés sous une forme de dialogue ) et les rituels de la période védique ne le font pas. semblent s'être transformés en théâtre. Le Mahābhāṣya de Patañjali contient la première référence à ce qui a pu être les germes du drame sanskrit. Ce traité de grammaire de 140 av. J.-C. fournit une date plausible pour les débuts du théâtre en Inde .

La principale source de preuves du théâtre sanskrit est Un traité sur le théâtre ( Nātyaśāstra ), un recueil dont la date de composition est incertaine (les estimations vont de 200 avant notre ère à 200 après J.-C.) et dont la paternité est attribuée à Bharata Muni . Le Traité est l'œuvre de dramaturgie la plus complète du monde antique. Il aborde le jeu , la danse , la musique , la construction dramatique , l' architecture , les costumes , le maquillage , les accessoires , l'organisation des compagnies, le public, les compétitions, et propose un récit mythologique de l'origine du théâtre. Ce faisant, il fournit des indications sur la nature des pratiques théâtrales réelles. Le théâtre sanskrit était joué sur un terrain sacré par des prêtres qui avaient été formés aux compétences nécessaires (danse, musique et récitation) dans un [processus héréditaire]. Son but était à la fois d'éduquer et de divertir.

Interprète jouant Sugriva dans la forme Koodiyattam du théâtre sanskrit

Sous le patronage des cours royales, les interprètes appartenaient à des compagnies professionnelles dirigées par un metteur en scène ( sutradhara ), qui pouvait également jouer la comédie. Cette tâche était considérée comme analogue à celle d'un marionnettiste — le sens littéral de « sutradhara » est « détenteur des ficelles ou des fils ». Les interprètes ont été formés rigoureusement à la technique vocale et physique. Il n'y avait aucune interdiction contre les interprètes féminines; les entreprises étaient entièrement masculines, entièrement féminines et mixtes. Cependant, certains sentiments étaient considérés comme inappropriés pour les hommes et étaient considérés comme mieux adaptés aux femmes. Certains interprètes ont joué des personnages de leur âge, tandis que d'autres ont joué des âges différents du leur (qu'ils soient plus jeunes ou plus âgés). De tous les éléments du théâtre, le Traité accorde la plus grande attention au jeu d'acteur ( abhinaya ), qui se compose de deux styles : réaliste ( lokadharmi ) et conventionnel ( natyadharmi ), bien que l'accent soit mis sur ce dernier.

Son drame est considéré comme la plus haute réalisation de la littérature sanskrite . Il utilisait des personnages courants , tels que le héros ( nayaka ), l'héroïne ( nayika ) ou le clown ( vidusaka ). Les acteurs peuvent s'être spécialisés dans un type particulier. Kālidāsa au 1er siècle avant notre ère, est sans doute considéré comme le plus grand dramaturge sanskrit de l' Inde ancienne . Trois pièces romantiques célèbres écrites par Kālidāsa sont le Mālavikāgnimitram ( Mālavikā et Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( relatif à Vikrama et Urvashi ) et Abhijñānaśākuntala ( La reconnaissance de Shakuntala ). Le dernier a été inspiré par une histoire du Mahabharata et est le plus célèbre. Il a été le premier à être traduit en anglais et en allemand . Śakuntalā (en traduction anglaise) a influencé le Faust de Goethe (1808-1832).

Le prochain grand dramaturge indien était Bhavabhuti (c. 7ème siècle CE). Il aurait écrit les trois pièces suivantes : Malati-Madhava , Mahaviracharita et Uttar Ramacharita . Parmi ces trois, les deux derniers couvrent à eux deux toute l'épopée du Ramayana . Le puissant empereur indien Harsha (606-648) est crédité d'avoir écrit trois pièces : la comédie Ratnavali , Priyadarsika et le drame bouddhiste Nagananda .

théâtre chinois

Représentation publique au théâtre en plein air de Jade Dragon Snow Mountain

La dynastie Tang est parfois connue sous le nom de « L'âge des 1000 divertissements ». À cette époque, Ming Huang a formé une école de théâtre connue sous le nom de The Pear Garden pour produire une forme de drame principalement musicale. C'est pourquoi les acteurs sont communément appelés "Les enfants du jardin des poires". Au cours de la dynastie de l'impératrice Ling, le théâtre d' ombres est apparu pour la première fois comme une forme de théâtre reconnue en Chine. Il y avait deux formes distinctes de théâtre d'ombres, le Pékinois (au nord) et le Cantonais (au sud). Les deux styles se différenciaient par la méthode de fabrication des marionnettes et le positionnement des tiges sur les marionnettes , par opposition au type de jeu joué par les marionnettes. Les deux styles jouaient généralement des pièces représentant la grande aventure et la fantaisie, cette forme de théâtre très stylisée était rarement utilisée pour la propagande politique.

Les marionnettes d'ombres cantonaises étaient les plus grandes des deux. Ils ont été construits avec du cuir épais qui a créé des ombres plus substantielles. La couleur symbolique était également très répandue; un visage noir représentait l'honnêteté, un rouge la bravoure. Les tiges utilisées pour contrôler les marionnettes cantonaises étaient fixées perpendiculairement aux têtes des marionnettes. Ainsi, ils n'ont pas été vus par le public lorsque l'ombre a été créée. Les marionnettes pékinoises étaient plus délicates et plus petites. Ils ont été créés à partir de cuir fin et translucide (généralement prélevé sur le ventre d'un âne). Ils ont été peints avec des peintures vibrantes, ils ont donc projeté une ombre très colorée. Les fines tiges qui contrôlaient leurs mouvements étaient attachées à un collier de cuir au cou de la marionnette. Les tiges étaient parallèles aux corps de la marionnette puis tournaient à un angle de quatre-vingt-dix degrés pour se connecter au cou. Alors que ces tiges étaient visibles lorsque l'ombre était projetée, elles se trouvaient à l'extérieur de l'ombre de la marionnette ; ainsi ils n'ont pas interféré avec l'apparence de la figure. Les tiges attachées aux cous facilitent l'utilisation de plusieurs têtes avec un seul corps. Lorsque les têtes n'étaient pas utilisées, elles étaient stockées dans un livre en mousseline ou une boîte doublée de tissu. Les têtes étaient toujours enlevées la nuit. Cela était conforme à la vieille superstition selon laquelle si elles étaient laissées intactes, les marionnettes prendraient vie la nuit. Certains marionnettistes sont allés jusqu'à ranger les têtes dans un livre et les corps dans un autre, afin de réduire encore plus la possibilité de réanimer les marionnettes. On dit que les marionnettes d'ombres ont atteint leur point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement.

Sous la dynastie Song , il y avait de nombreuses pièces de théâtre populaires impliquant des acrobaties et de la musique. Ceux-ci se sont développés sous la dynastie Yuan en une forme plus sophistiquée connue sous le nom de zaju , avec une structure en quatre ou cinq actes. Le théâtre Yuan s'est répandu dans toute la Chine et s'est diversifié en de nombreuses formes régionales, dont l'une des plus connues est l'opéra de Pékin qui est toujours populaire aujourd'hui.

Xiangsheng est une certaine performance comique traditionnelle chinoise sous forme de monologue ou de dialogue.

théâtre indonésien

Rama et Shinta dans la représentation de Wayang Wong près du complexe du temple de Prambanan

En Indonésie , les représentations théâtrales sont devenues une partie importante de la culture locale, les représentations théâtrales en Indonésie se sont développées depuis des milliers d'années. La plupart des formes de théâtre les plus anciennes d' Indonésie sont directement liées aux traditions littéraires locales (orales et écrites). Les principaux théâtres de marionnetteswayang golek (pièce de marionnettes à tiges en bois) du Sundanais et wayang kulit (pièce d'ombres en cuir) des Javanais et des Balinais — tirent une grande partie de leur répertoire des versions indigènes du Ramayana et du Mahabharata . Ces contes fournissent également des sources pour le wayang wong (théâtre humain) de Java et de Bali , qui utilise des acteurs. Cependant, certains spectacles de wayang golek présentent également des histoires musulmanes, appelées menak . Le wayang est une ancienne forme de narration réputée pour ses styles musicaux élaborés de marionnettes/humains et complexes. Les premières preuves datent de la fin du 1er millénaire de notre ère, dans des textes de l'époque médiévale et des sites archéologiques. Le plus ancien enregistrement connu concernant le wayang date du IXe siècle. Vers 840 après JC, une ancienne inscription javanaise (Kawi) appelée Jaha Inscriptions publiée par le maharaja Sri Lokapalaform Medang Kingdom dans le centre de Java mentionne trois types d'interprètes : atapukan, aringgit et abanol. Aringgit signifie spectacle de marionnettes Wayang, Atapukan signifie spectacle de danse des masques et abanwal signifie art de la blague. Ringgit est décrit dans un poème javanais du XIe siècle comme une figure d'ombre en cuir.

Théâtre post-classique en Occident

Le théâtre a pris de nombreuses formes alternatives en Occident entre les XVe et XIXe siècles, y compris la commedia dell'arte et le mélodrame . La tendance générale s'éloignait du drame poétique des Grecs et de la Renaissance et se dirigeait vers un style de dialogue en prose plus naturaliste, en particulier après la révolution industrielle .

Théâtre Royal, Drury Lane dans le West End . Ouvert en mai 1663, c'est le plus ancien théâtre de Londres.

Le théâtre a fait une grande pause en 1642 et 1660 en Angleterre à cause de l' interrègne puritain . Considérant le théâtre comme un péché, les puritains ordonnèrent la fermeture des théâtres de Londres en 1642 . Cette période de stagnation prend fin avec le retour de Charles II sur le trône en 1660 à la Restauration . Le théâtre (parmi d'autres arts) a explosé, sous l'influence de la culture française, puisque Charles avait été exilé en France dans les années précédant son règne.

En 1660, deux compagnies furent autorisées à se produire, la Duke's Company et la King's Company . Les représentations ont eu lieu dans des bâtiments convertis, tels que le court de tennis de Lisle . Le premier théâtre du West End , connu sous le nom de Theatre Royal à Covent Garden , à Londres, a été conçu par Thomas Killigrew et construit sur le site de l'actuel Theatre Royal, Drury Lane .

L'un des grands changements a été le nouveau théâtre. Au lieu du type de l'ère élisabéthaine, comme le Globe Theatre , sans place pour les acteurs pour vraiment se préparer pour le prochain acte et sans "manières de théâtre", la maison de théâtre s'est transformée en un lieu de raffinement, avec un la scène devant et les sièges du stade lui faisant face. Comme les sièges n'étaient plus tout autour de la scène, ils sont devenus prioritaires - certains sièges étaient évidemment meilleurs que d'autres. Le roi aurait la meilleure place dans la maison : le centre même du théâtre, qui avait la vue la plus large de la scène ainsi que la meilleure façon de voir le point de vue et le point de fuite autour duquel la scène était construite. Philippe Jacques de Loutherbourg était l'un des scénographes les plus influents de l'époque en raison de son utilisation de l'espace au sol et des décors.

En raison de la tourmente avant cette heure, il y avait encore une certaine controverse sur ce qui devrait et ne devrait pas être mis en scène. Jeremy Collier , un prédicateur, a été l'un des chefs de file de ce mouvement à travers sa pièce A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage . Les croyances dans cet article étaient principalement détenues par des non-amateurs de théâtre et le reste des puritains et très religieux de l'époque. La question principale était de savoir si voir quelque chose d'immoral sur scène affecte le comportement dans la vie de ceux qui le regardent, une controverse qui se déroule toujours aujourd'hui.

Facturation d'un théâtre britannique en 1829

Le XVIIe siècle avait également introduit les femmes à la scène, ce qui était considéré comme inapproprié auparavant. Ces femmes étaient considérées comme des célébrités (un concept également plus récent, grâce aux idées sur l'individualisme qui ont surgi dans le sillage de l'humanisme de la Renaissance ), mais d'un autre côté, c'était encore très nouveau et révolutionnaire qu'elles soient sur scène, et certaines disaient ils n'étaient pas féminins et les méprisaient. Charles II n'aimait pas que les jeunes hommes jouent le rôle des jeunes femmes, alors il a demandé que les femmes jouent leurs propres rôles. Parce que les femmes étaient autorisées à monter sur scène, les dramaturges avaient plus de latitude avec les rebondissements, comme les femmes s'habillant comme des hommes et s'échappant de justesse des situations moralement délicates comme des formes de comédie.

Comédies étaient pleins de jeunes et très en vogue, avec le scénario suivant leur vie amoureuse: souvent un jeune héros espiègle professant son amour à l'héroïne d' esprit chaste et libre à la fin du jeu, un peu comme de Sheridan The School for Scandal . De nombreuses comédies ont été façonnées d'après la tradition française, principalement Molière, rappelant à nouveau l'influence française ramenée par le roi et la famille royale après leur exil. Molière était l'un des meilleurs dramaturges comiques de l'époque, révolutionnant la façon dont la comédie était écrite et interprétée en combinant la commedia dell'arte italienne et la comédie française néoclassique pour créer certaines des comédies satiriques les plus durables et les plus influentes. Les tragédies étaient également victorieuses dans leur sens du redressement du pouvoir politique, particulièrement poignant en raison de la récente restauration de la Couronne. Ils étaient également des imitations de la tragédie française, bien que les Français aient une plus grande distinction entre la comédie et la tragédie, tandis que les Anglais falsifiaient parfois les lignes et ajoutaient des éléments comiques à leurs tragédies. Les formes courantes de pièces non comiques étaient les comédies sentimentales ainsi que quelque chose qui serait plus tard appelé tragédie bourgeoise , ou tragédie domestique - c'est-à-dire la tragédie de la vie commune - étaient plus populaires en Angleterre parce qu'elles faisaient davantage appel à la sensibilité anglaise.

Alors qu'autrefois les troupes de théâtre voyageaient souvent, l'idée du théâtre national a gagné du terrain au XVIIIe siècle, inspirée par Ludvig Holberg . Le principal promoteur de l'idée du théâtre national en Allemagne, ainsi que des poètes Sturm und Drang , était Abel Seyler , propriétaire de la Hamburgische Entreprise et de la Seyler Theatre Company .

La "Petite Maison" du Théâtre Vanemuine de 1918 à Tartu , Estonie .

A travers le 19ème siècle , les formes théâtrales populaires du romantisme , le mélodrame , le burlesque victorien et les pièces bien faites de Scribe et Sardou ont cédé la place aux pièces à problèmes du Naturalisme et du Réalisme ; les farces de Feydeau ; l' opéra Gesamtkunstwerk de Wagner ; théâtre musical (y compris les opéras de Gilbert et Sullivan ) ; les comédies de salon de FC Burnand , de WS Gilbert et d' Oscar Wilde ; Symbolisme ; le proto- expressionnisme dans les œuvres tardives d' August Strindberg et d' Henrik Ibsen ; et comédie musicale édouardienne .

Ces tendances se sont poursuivies tout au long du XXe siècle dans le réalisme de Stanislavski et Lee Strasberg , le théâtre politique d' Erwin Piscator et Bertolt Brecht , le théâtre dit de l'absurde de Samuel Beckett et Eugène Ionesco , les comédies musicales américaines et britanniques, les créations collectives de des compagnies d'acteurs et de metteurs en scène comme le Theatre Workshop de Joan Littlewood , le théâtre expérimental et postmoderne de Robert Wilson et Robert Lepage , le théâtre postcolonial d' August Wilson ou Tomson Highway , et le Theatre of the Oppressed d' Augusto Boal .

Traditions théâtrales orientales

Rakshasa ou le démon tel qu'il est représenté dans Yakshagana , une forme de danse musicale- drame de l' Inde

La première forme de théâtre indien était le théâtre sanskrit . Cela a commencé après le développement du théâtre grec et romain et avant le développement du théâtre dans d'autres parties de l'Asie. Il est apparu quelque temps entre le 2ème siècle avant JC et le 1er siècle et a prospéré entre le 1er siècle et le 10e, qui était une période de paix relative dans l' histoire de l' Inde au cours de laquelle des centaines de pièces ont été écrites. Les formes japonaises de Kabuki , et Kyōgen se sont développées au XVIIe siècle de notre ère. Le théâtre dans le monde islamique médiéval comprenait le théâtre de marionnettes (qui comprenait des marionnettes à main, des jeux d'ombres et des productions de marionnettes ) et des pièces de passion en direct connues sous le nom de ta'ziya , où les acteurs reconstituent des épisodes de l'histoire musulmane . En particulier, les pièces islamiques chiites tournaient autour du chahid (martyre) des fils d' Ali , Hasan ibn Ali et Husayn ibn Ali . Les pièces profanes étaient connues sous le nom d' akhraja , enregistrées dans la littérature adab médiévale , bien qu'elles soient moins courantes que les marionnettes et le théâtre ta'ziya .


Les types

Drame

Le théâtre est le mode spécifique de fiction représenté dans la performance . Le terme vient d'un mot grec signifiant « action », qui est dérivé du verbe δράω, dráō , « faire » ou « agir ». La mise en scène d'une pièce de théâtre, jouée par des comédiens sur une scène devant un public , suppose des modes de production collaboratifs et une forme collective de réception. La structure des textes dramatiques , contrairement à d'autres formes de littérature , est directement influencée par cette production collaborative et cette réception collective. La première tragédie moderne Hamlet (1601) de Shakespeare et la tragédie athénienne classique Odipe Rex (vers 429 avant notre ère) de Sophocle comptent parmi les chefs-d'œuvre de l'art dramatique. Un exemple moderne est Long Day's Journey into Night d' Eugene O'Neill (1956).

Considéré comme un genre de poésie en général, le mode dramatique a été opposée à l' épopée et les lyriques modes jamais depuis Aristote de Poétique (c. 335 avant notre ère) -le premier travail de théorie dramatique . L'utilisation de « drame » au sens étroit pour désigner un type de jeu spécifique date du XIXe siècle . Le drame en ce sens renvoie à une pièce qui n'est ni une comédie ni une tragédie, par exemple Thérèse Raquin de Zola (1873) ou Ivanov de Tchekhov (1887). Dans la Grèce antique cependant, le mot drame englobait toutes les pièces de théâtre, tragiques, comiques ou n'importe quoi entre les deux.

Le drame est souvent associé à la musique et à la danse : le drame de l' opéra est généralement chanté d'un bout à l'autre ; les comédies musicales comprennent généralement à la fois des dialogues parlés et des chansons ; et certaines formes de théâtre ont une musique de scène ou un accompagnement musical soulignant le dialogue ( mélodrame et japonais , par exemple). Dans certaines périodes de l'histoire (la Rome antique et le Romantisme moderne ), certains drames ont été écrits pour être lus plutôt que joués. Dans l' improvisation , le drame ne préexiste pas au moment de la représentation ; les interprètes conçoivent spontanément un scénario dramatique devant un public.

Théâtre musical

La musique et le théâtre entretiennent une relation étroite depuis l'Antiquité - la tragédie athénienne , par exemple, était une forme de danse - drame qui employait un chœur dont les parties étaient chantées (avec l'accompagnement d'un aulos - un instrument comparable à la clarinette moderne ), de même que certaines des réponses des acteurs et leurs « chansons solo » ( monodies ). Le théâtre musical moderne est une forme de théâtre qui combine également la musique, le dialogue parlé et la danse. Il a émergé des genres d' opéra-comique (en particulier Gilbert et Sullivan ), de variétés , de vaudeville et de music-hall de la fin du XIXe et du début du XXe siècle . Après la comédie musicale édouardienne qui a débuté dans les années 1890, les comédies musicales Princess Theatre du début du 20e siècle, et les comédies des années 1920 et 1930 (comme les œuvres de Rodgers et Hammerstein ), avec Oklahoma ! (1943), les comédies musicales ont pris une direction plus dramatique. Les comédies musicales célèbres au cours des décennies suivantes comprenaient My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) et The Phantom of the Opera (1986), ainsi que des succès plus contemporains dont Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) et Frozen (2018) .

Le théâtre musical peut être produit à une échelle intime Off-Broadway , dans des théâtres régionaux et ailleurs, mais il comprend souvent du spectacle. Par exemple, les comédies musicales de Broadway et du West End incluent souvent des costumes et des décors somptueux soutenus par des budgets de plusieurs millions de dollars.

Masques théâtraux de Tragédie et Comédie. Mosaïque, œuvre d'art romaine , IIe siècle de notre ère. Musées du Capitole , Rome

Comédie

Les productions théâtrales qui utilisent l' humour comme véhicule pour raconter une histoire sont qualifiées de comédies. Cela peut inclure une farce moderne comme Boeing Boeing ou une pièce classique comme As You Like It . Le théâtre exprimant un sujet sombre, controversé ou tabou d'une manière délibérément humoristique est appelé comédie noire . La comédie noire peut avoir plusieurs genres comme l'humour burlesque, la comédie noire et sarcastique.

La tragédie

La tragédie est donc une imitation d'une action sérieuse, complète et d'une certaine ampleur : dans le langage agrémenté de chaque espèce d'ornement artistique, les diverses espèces se trouvant dans des parties séparées de la pièce ; sous forme d'action, non de récit ; par la pitié et la peur effectuant la purge appropriée de ces émotions.

L'expression d'Aristote « plusieurs sortes se trouvant dans des parties distinctes de la pièce » est une référence aux origines structurelles du drame. Les parties parlées y étaient écrites en dialecte attique alors que les parties chorales (récitées ou chantées) en dialecte dorique , ces divergences reflétant les différentes origines religieuses et les mètres poétiques des parties qui ont été fusionnées en une nouvelle entité, le drame théâtral .

La tragédie fait référence à une spécifique tradition du drame qui a joué un rôle unique et important historiquement dans l'auto-définition de la civilisation occidentale . Cette tradition a été multiple et discontinue, mais le terme a souvent été utilisé pour invoquer un puissant effet d' identité culturelle et de continuité historique : « les Grecs et les Élisabéthains , sous une forme culturelle ; Hellènes et chrétiens , dans une activité commune », comme Raymond Williams le dit. De ses origines obscures dans les théâtres d'Athènes il y a 2500 ans, dont il ne subsiste qu'une fraction de l'œuvre d' Eschyle , de Sophocle et d' Euripide , en passant par ses articulations singulières dans les œuvres de Shakespeare , Lope de Vega , Racine et Schiller , à la tragédie naturaliste plus récente de Strindberg , les méditations modernistes de Beckett sur la mort, la perte et la souffrance et les remaniements postmodernes de Müller du canon tragique, la tragédie est restée un site important d'expérimentation culturelle, de négociation, de lutte et de changement. Dans le sillage de Aristote Poétique (335 avant notre ère), la tragédie a été utilisé pour faire genre distinctions, que ce soit à l'échelle de la poésie en général (où les clivages tragiques contre épique et lyrique ) ou à l'échelle du drame (où la tragédie est opposé à la comédie ). À l' époque moderne , la tragédie a également été définie contre le drame, le mélodrame , le tragi-comique et le théâtre épique .

Improvisation

L'improvisation est une caractéristique constante du théâtre, la Commedia dell'arte au XVIe siècle étant reconnue comme la première forme d'improvisation. Popularisé par le lauréat du prix Nobel Dario Fo et des troupes telles que le théâtre d'improvisation Upright Citizens Brigade continue d'évoluer avec de nombreux courants et philosophies différents. Keith Johnstone et Viola Spolin sont reconnus comme les premiers professeurs d'improvisation des temps modernes, Johnstone explorant l'improvisation comme alternative au théâtre scénarisé et Spolin et ses successeurs explorant l'improvisation principalement comme outil pour développer un travail ou des compétences dramatiques ou comme forme de mise en situation. comédie. Spolin s'est également intéressé à la façon dont le processus d'apprentissage de l'improvisation était applicable au développement du potentiel humain. Le fils de Spolin, Paul Sills a popularisé le théâtre d'improvisation en tant que forme d'art théâtral lorsqu'il a fondé, en tant que premier directeur, The Second City à Chicago.

Théories

Fête du village avec représentation théâtrale vers 1600

Ayant été une partie importante de la culture humaine depuis plus de 2500 ans, le théâtre a développé un large éventail de théories et de pratiques différentes. Certains sont liés à des idéologies politiques ou spirituelles, tandis que d'autres sont basés uniquement sur des préoccupations « artistiques ». Certains processus se concentrent sur une histoire, d'autres sur le théâtre en tant qu'événement et d'autres sur le théâtre en tant que catalyseur de changement social. Le philosophe grec classique Aristote , dans son traité fondateur , Poétique (vers 335 avant notre ère) est le premier exemple survivant et ses arguments ont influencé les théories du théâtre depuis lors. Dans ce document , il offre un compte de ce qu'il appelle « la poésie » (un terme qui en grec signifie littéralement « faire » et dans ce contexte comprend drame - la comédie , la tragédie , et le jeu de satyre -ainsi que la poésie lyrique , la poésie épique , et le dithyrambe ). Il en examine les « premiers principes » et en identifie les genres et les éléments de base ; son analyse de la tragédie constitue le cœur de la discussion.

Aristote soutient que la tragédie se compose de six parties qualitatives, qui sont (par ordre d'importance) mythos ou "intrigue", ethos ou "personnage", dianoia ou "pensée", lexique ou "diction", melos ou "chanson", et opsis ou "spectacle". "Bien que la Poétique d' Aristote soit universellement reconnue dans la tradition critique occidentale ", explique Marvin Carlson , "presque chaque détail de son œuvre phare a suscité des opinions divergentes". D'importants praticiens du théâtre du 20e siècle incluent Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone et Robert Wilson (réalisateur) .

Stanislavski traité le théâtre comme une forme d'art qui est autonome de la littérature et dans lequel l' auteur de la contribution de doit être respectée comme celle d'un seul d'un ensemble d'artistes créatifs. Sa contribution innovante à la théorie du jeu moderne est restée au cœur de la formation à la performance occidentale traditionnelle pendant une grande partie du siècle dernier. Que bon nombre des préceptes de son système de formation d'acteur semblent relever du bon sens et aller de soi, témoigne de son succès hégémonique. Les acteurs utilisent fréquemment ses concepts de base sans le savoir. Grâce à sa promotion et à son élaboration par des professeurs de théâtre qui étaient d'anciens élèves et aux nombreuses traductions de ses écrits théoriques, le « système » de Stanislavski a acquis une capacité sans précédent à franchir les frontières culturelles et a développé une portée internationale, dominant les débats sur le jeu en Europe et aux États-Unis. . De nombreux acteurs assimilent régulièrement son « système » à la méthode nord-américaine , bien que les techniques exclusivement psychologiques de cette dernière contrastent fortement avec l'approche multivariée, holistique et psychophysique de Stanislavski , qui explore le caractère et l'action à la fois de « l'intérieur vers l'extérieur » et « de l'extérieur vers l'intérieur » et traite l'esprit et le corps de l'acteur comme faisant partie d'un continuum.

Aspects techniques

Un bâtiment de scène de théâtre dans les coulisses de l'Opéra national de Vienne

Le théâtre suppose des modes de production collaboratifs et une forme collective de réception. La structure des textes dramatiques , contrairement à d'autres formes de littérature , est directement influencée par cette production collaborative et cette réception collective. La production de pièces de théâtre implique généralement la contribution d'un dramaturge , d'un metteur en scène , d'une troupe d' acteurs et d'une équipe de production technique qui comprend un scénographe ou scénographe , un éclairagiste , un costumier , un concepteur sonore , un régisseur , un directeur de production et un directeur technique. Selon la production, cette équipe peut également comprendre un compositeur , un dramaturge , un vidéaste ou un directeur de combat .

L'auditorium tournant du théâtre d'été en plein air Pyynikki à Tampere , Finlande

Stagecraft est un terme générique désignant les aspects techniques de la production théâtrale, cinématographique et vidéo. Cela comprend, mais sans s'y limiter, la construction et le montage de décors, l'accrochage et la mise au point de l'éclairage, la conception et l'achat de costumes, le maquillage, l'achat d'accessoires, la gestion de scène et l'enregistrement et le mixage du son. Stagecraft se distingue du terme générique plus large de scénographie. Considéré comme un domaine technique plutôt qu'artistique, il concerne avant tout la mise en œuvre pratique de la vision artistique d'un designer.

Dans sa forme la plus basique, la mise en scène est gérée par une seule personne (souvent le régisseur d'une petite production) qui organise tous les décors, costumes, éclairages et sons, et organise la distribution. À un niveau plus professionnel, par exemple dans les maisons modernes de Broadway, la mise en scène est gérée par des centaines de menuisiers, peintres, électriciens, machinistes, piqueurs, perruquiers, etc. Cette forme moderne de mise en scène est hautement technique et spécialisée : elle comprend de nombreuses sous-disciplines et un vaste trésor d'histoire et de tradition. La majorité de la mise en scène se situe entre ces deux extrêmes. Les théâtres régionaux et les plus grands théâtres communautaires auront généralement un directeur technique et un effectif de concepteurs, chacun d'eux ayant une part directe dans leurs conceptions respectives.

Sous-catégories et organisation

Il existe de nombreux mouvements théâtraux modernes qui produisent du théâtre de diverses manières. Les entreprises théâtrales varient énormément en termes de sophistication et de finalité. Les personnes impliquées varient des novices et des amateurs (dans le théâtre communautaire) aux professionnels (à Broadway et des productions similaires). Le théâtre peut être joué avec un budget restreint ou à grande échelle avec des budgets de plusieurs millions de dollars. Cette diversité se manifeste dans l'abondance des sous-catégories de théâtre, qui comprennent :

Compagnies de répertoire

Theatre Royal, Drury Lane , Londres, v. 1821

Alors que la plupart des compagnies théâtrales modernes répètent une pièce de théâtre à la fois, interprètent cette pièce pour un set « run », retirent la pièce et commencent à répéter un nouveau spectacle, les compagnies de répertoire répètent plusieurs spectacles à la fois. Ces compagnies sont capables d'exécuter ces différentes pièces sur demande et exécutent souvent des œuvres pendant des années avant de les retirer. La plupart des compagnies de danse fonctionnent sur ce système de répertoire. Le Royal National Theatre de Londres joue sur un système de répertoire.

Le théâtre de répertoire implique généralement un groupe d'acteurs accomplis de la même manière et repose davantage sur la réputation du groupe que sur un acteur vedette individuel. Il repose également généralement moins sur un contrôle strict par un réalisateur et moins sur le respect des conventions théâtrales, car les acteurs qui ont travaillé ensemble dans plusieurs productions peuvent se répondre sans autant dépendre des conventions ou de la direction externe.

Produire vs présenter

Intérieur du Teatro Colón , un théâtre moderne

Pour monter une pièce de théâtre, il faut à la fois une troupe de théâtre et une salle de théâtre . Lorsqu'une troupe de théâtre est la seule troupe en résidence dans une salle de théâtre, cette salle (et la troupe de théâtre correspondante) est appelée théâtre en résidence ou théâtre de production, car la salle produit sa propre œuvre. D'autres compagnies de théâtre, ainsi que des compagnies de danse, qui n'ont pas leur propre salle de théâtre, se produisent dans des salles de location ou dans des salles de spectacle. Les salles de location et de présentation n'ont aucune compagnie résidente à temps plein. Ils disposent cependant parfois d'une ou plusieurs entreprises résidentes à temps partiel, en plus d'autres entreprises partenaires indépendantes qui s'arrangent pour utiliser l'espace lorsqu'elles sont disponibles. Un théâtre de location permet aux compagnies indépendantes de rechercher l'espace, tandis qu'un théâtre de diffusion recherche les compagnies indépendantes pour soutenir leur travail en les présentant sur leur scène.

Certains groupes de performance se produisent dans des espaces non théâtraux. Ces performances peuvent avoir lieu en dehors ou à l' intérieur, dans un espace de performance non traditionnels, et comprennent le théâtre de rue et théâtre spécifique au site . Des lieux non traditionnels peuvent être utilisés pour créer des environnements plus immersifs ou significatifs pour le public. Ils peuvent parfois être modifiés plus fortement que les salles de théâtre traditionnelles, ou peuvent accueillir différents types d'équipements, d'éclairage et de décors.

Une compagnie de tournée est une compagnie de théâtre ou de danse indépendante qui voyage, souvent à l'étranger, étant présentée dans un théâtre différent dans chaque ville.

Syndicats

Il existe de nombreux syndicats de théâtre, notamment : Actors' Equity Association (pour les acteurs et les régisseurs), la Stage Directors and Choreographers Society (SDC) et l' International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE, pour les concepteurs et les techniciens). De nombreux théâtres exigent que leur personnel soit membre de ces organisations.

Voir également

Notes d'explication

Citations

Sources générales

Lectures complémentaires

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Liens externes