Disputes classificatoires sur l'art - Classificatory disputes about art

Claude Monet , Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ), 1872, huile sur toile, Musée Marmottan Monet

Les historiens de l'art et les philosophes de l'art ont longtemps eu des conflits de classification au sujet de l'art concernant la question de savoir si une forme culturelle ou une œuvre particulière devait être classée comme art . Des différends sur ce qui compte et ce qui ne compte pas comme art continuent de se produire aujourd'hui.

Définitions de l'art

Dong Qichang , Paysage 1597. Dong Qichang était un haut fonctionnaire Ming , peignant des paysages imaginaires dans la tradition chinoise de la peinture littéraire , avec des sceaux de collectionneurs et des poèmes.

Définir l'art peut être difficile. Les esthéticiens et les philosophes de l'art se disputent souvent sur la définition de l'art. Par sa définition originale et la plus large, l' art (du latin ars , signifiant « compétence » ou « artisanat ») est le produit ou le processus de l'application efficace d'un ensemble de connaissances, utilisant le plus souvent un ensemble de compétences ; ce sens est conservé dans des expressions telles que " arts libéraux " et " arts martiaux ". Cependant, dans l'usage moderne du mot, qui a pris de l'importance après 1750, « art » est généralement compris comme une compétence utilisée pour produire un résultat esthétique (Hatcher, 1999).

Britannica Online le définit comme "l'utilisation de compétences ou d'imagination dans la création d'objets, d'environnements ou d'expériences esthétiques qui peuvent être partagés avec d'autres". Mais comment définir au mieux le terme « art » aujourd'hui est un sujet de controverse ; de nombreux livres et articles de revues ont été publiés, contestant même les bases de ce que nous entendons par le terme « art » (Davies, 1991 et Carroll, 2000). Theodor Adorno affirmait en 1969 « Il va de soi que plus rien concernant l'art ne va de soi. On ne sait pas qui a le droit de définir l'art. Artistes, philosophes, anthropologues, psychologues utilisent tous la notion d'art dans leurs domaines respectifs, et lui donnent des définitions opérationnelles peu proches les unes des autres.

Le deuxième sens, plus étroit et plus récent du mot « art » est à peu près une abréviation pour l'art créatif ou « les beaux-arts ». Nous voulons dire ici que la compétence est utilisée pour exprimer la créativité de l'artiste ou pour engager la sensibilité esthétique du public. Souvent, si la compétence est utilisée pour créer des objets avec une utilisation pratique, plutôt que des peintures ou des sculptures sans fonction pratique autre que comme une œuvre d' art , il sera considéré comme relevant de classifications telles que les arts décoratifs , arts appliqués et l' artisanat plutôt que des beaux-arts. De même, si la compétence est utilisée de manière commerciale ou industrielle, elle sera considérée comme une conception plutôt qu'un art. Certains penseurs ont soutenu que la différence entre les beaux-arts et les arts appliqués a plus à voir avec des jugements de valeur portés sur l'art qu'une différence de définition claire (Novitz, 1992). La distinction moderne ne fonctionne pas bien pour les périodes plus anciennes, telles que l'art médiéval , où les médias artistiques les plus appréciés à l'époque étaient souvent le travail du métal , les pierres précieuses gravées , les textiles et autres "arts appliqués", et la valeur perçue des œuvres d'art reflétait souvent la le coût des matériaux et le temps consacré à la création de l'œuvre au moins autant que l'apport créatif de l'artiste.

Schémas de classification des arts

Schémas historiques

Dans la dynastie Zhou de la Chine ancienne, l'excellence dans le liù yì (六藝), ou « Six Arts », était attendue du junzi (君子), ou « parfait gentleman », tel que défini par des philosophes comme Confucius . Parce que ces arts couvraient à la fois les aspects civils et militaires de la vie, exceller dans les six exigeait qu'un érudit soit très complet et polymathique . Les Six Arts étaient les suivants :

Plus tard dans l'histoire de la Chine impériale, les Six Arts ont été réduits, créant un système similaire de quatre arts que la caste des érudits officiels doit apprendre et suivre :

  • Qín (琴), un instrument représentant la musique
  • (棋), un jeu de société représentant la stratégie militaire
  • Shū (書), ou calligraphie chinoise , représentant l'alphabétisation
  • Huà (畫), ou peinture chinoise , représentant les arts visuels

Une autre tentative de définir systématiquement l'art comme un regroupement de disciplines dans l'antiquité est représentée par les anciennes Muses grecques . Chacune des neuf Muses standard symbolisait et incarnait l'une des neuf branches de ce que les Grecs appelaient techné , un terme qui signifie à peu près « art » mais a également été traduit par « artisanat » ou « artisanat », et la définition du mot a également inclus disciplines plus scientifiques. Ces neuf branches traditionnelles étaient :

Dans l'Europe chrétienne médiévale , les universités enseignaient un ensemble standard de sept arts libéraux , définis par les premiers philosophes médiévaux tels que Boèce et Alcuin d'York et en tant que tels centrés sur la philosophie. Les définitions de ces sujets et leur pratique étaient fortement basées sur le système éducatif de la Grèce et de Rome. Ces sept arts étaient eux-mêmes divisés en deux catégories :

A cette époque, et après la Renaissance , le mot « art » en anglais et ses apparentés dans d'autres langues n'avaient pas encore atteint leur sens moderne. L'un des premiers philosophes à discuter de l'art dans le cadre que nous comprenons aujourd'hui était Georg Wilhelm Friedrich Hegel , qui a décrit dans ses Lectures on Aesthetics un classement des cinq arts majeurs du plus matériel au plus expressif :

  1. architecture
  2. sculpture
  3. La peinture
  4. la musique
  5. poésie

La liste des arts de Hegel s'est répandue particulièrement en France, et avec des modifications continuelles, la liste est restée pertinente et un sujet de débat dans la culture française au 21e siècle. Cette classification a été popularisée par Ricciotto Canudo , un des premiers érudits du cinéma qui a écrit "Manifeste du septième art" en 1923. Les épithètes données à chaque discipline par son placement dans la liste sont souvent utilisées pour s'y référer par paraphrase, en particulier avec l'appel film "le septième art". Le ministère français de la Culture participe souvent à la prise de décision pour la définition d'un « nouvel » art. Les dix arts sont généralement donnés comme suit :

  1. le premier art : architecture
  2. le deuxième art : sculpture
  3. le troisième art : la peinture
  4. le quatrième art : musique
  5. le cinquième art : littérature , y compris la poésie et la prose
  6. le sixième art : les arts de la scène , dont la danse et le théâtre
  7. le septième art : film et cinéma
  8. le huitième art : "les arts médiatiques", incluant la radio , la télévision et la photographie
  9. le neuvième art : la bande dessinée
  10. le dixième art : les jeux vidéo , ou plus généralement les formes d'art numérique

Le différend en cours sur ce qui devrait constituer la prochaine forme d'art dure depuis plus d'un siècle. Actuellement, il existe une variété de candidats au onzième art , dont beaucoup sont des disciplines plus anciennes dont les praticiens estiment que leur médium est sous-estimé en tant qu'art. Un candidat particulièrement populaire pour le 11e est le multimédia , qui vise à rassembler les dix arts, tout comme Canudo a soutenu que le cinéma était le point culminant des six premiers arts. L'art de la performance , en tant que séparé des arts de la scène, a été appelé le douzième , ou "douzième", art.

Définitions généralisées de l'art

Les classifications occidentales traditionnelles depuis la Renaissance ont été des variantes de la hiérarchie des genres en fonction du degré auquel l'œuvre affiche l'apport imaginatif de l'artiste, en utilisant une théorie artistique qui remonte au monde antique. Une telle pensée a reçu quelque chose d'un coup de pouce avec l' esthétique du romantisme . Un cadre théorique similaire appliqué dans l'art traditionnel chinois ; par exemple, dans les traditions occidentales et extrême-orientales de la peinture de paysage (voir la peinture des lettrés ), les paysages imaginaires se sont vu accorder un statut plus élevé que les représentations réalistes d'une vue de paysage réelle - en Occident reléguée aux " vues topographiques ".

Beaucoup ont fait valoir que c'est une erreur d'essayer même de définir l'art ou la beauté, qu'ils n'ont pas d'essence et ne peuvent donc pas avoir de définition. Souvent, on dit que l'art est un groupe de concepts liés plutôt qu'un concept unique. Des exemples de cette approche incluent Morris Weitz et Berys Gaut.

Andy Warhol a exposé des sculptures en bois de Brillo Boxes en tant qu'art.

Une autre approche consiste à dire que «l'art» est fondamentalement une catégorie sociologique, que quels que soient les écoles d'art et les musées, et les artistes qui s'en tirent est considéré comme de l'art quelles que soient les définitions formelles. Cette théorie institutionnelle de l'art a été défendue par George Dickie . La plupart des gens ne considéraient pas un urinoir acheté en magasin ou une représentation sculpturale d'une boîte Brillo comme de l'art jusqu'à ce que Marcel Duchamp et Andy Warhol (respectivement) les placent dans le contexte de l'art (c'est-à-dire la galerie d'art ), qui a ensuite fourni l'association de ces objets avec les valeurs qui définissent l'art.

Les procéduralistes suggèrent souvent que c'est le processus par lequel une œuvre d'art est créée ou considérée qui en fait de l'art, et non une caractéristique inhérente à un objet, ou à quel point elle est bien reçue par les institutions du monde de l'art après son introduction dans la société. en général. Pour John Dewey , par exemple, si l'écrivain voulait qu'un morceau soit un poème, c'en est un, que les autres poètes le reconnaissent ou non. Alors que si exactement le même ensemble de mots était écrit par un journaliste, en les destinant à des notes abrégées pour l'aider à écrire un article plus long plus tard, il ne s'agirait pas d'un poème.

Léon Tolstoï , quant à lui, affirme que ce qui fait de quelque chose de l'art ou non, c'est la façon dont il est vécu par son public, et non par l'intention de son créateur. Les fonctionnalistes, comme Monroe Beardsley, soutiennent que le fait qu'une pièce compte comme de l'art dépend de la fonction qu'elle joue dans un contexte particulier. Par exemple, le même vase grec peut jouer une fonction non artistique dans un contexte (porter du vin) et une fonction artistique dans un autre contexte (nous aider à apprécier la beauté de la figure humaine).

Différends sur la classification de l'art

Le philosophe David Novitz a soutenu que les désaccords sur la définition de l'art sont rarement le cœur du problème, plutôt que « les préoccupations et les intérêts passionnés que les humains investissent dans leur vie sociale » font « tellement partie de tous les conflits de classification sur l'art » ( Novitz, 1996). Selon Novitz, les conflits de classification sont plus souvent des conflits sur nos valeurs et sur la direction que nous voulons prendre avec notre société que sur la théorie proprement dite.

D'un autre côté, Thierry de Duve soutient que les conflits sur la définition de l'art sont une conséquence nécessaire de la présentation par Marcel Duchamp d'un ready - made comme une œuvre d'art. Dans son livre de 1996 Kant After Duchamp, il réinterprète la Critique du jugement de Kant en échangeant l'expression « c'est beau » avec « c'est de l'art », en utilisant l'esthétique kantienne pour aborder l'art post-duchampien.

Art conceptuel

Le travail de l'artiste français Marcel Duchamp des années 1910 et 1920 a ouvert la voie aux conceptualistes, leur fournissant des exemples d'œuvres conceptuelles prototypiques (les ready - made , par exemple) qui défiaient les catégorisations précédentes. L'art conceptuel a émergé comme un mouvement dans les années 1960. La première vague du mouvement "d'art conceptuel" s'est étendue d'environ 1967 à 1978. Les premiers artistes "conceptuels" comme Henry Flynt , Robert Morris et Ray Johnson ont influencé le mouvement ultérieur et largement accepté d'artistes conceptuels comme Dan Graham , Hans Haacke et Douglas. Huebler .

Plus récemment, les « Young British Artists » (YBA), dirigés par Damien Hirst , se sont fait connaître dans les années 1990 et leur travail est perçu comme conceptuel, même s'il s'appuie très fortement sur l'objet d'art pour faire son impact. Le terme est utilisé par rapport à eux sur la base que l'objet n'est pas l'œuvre d'art, ou est souvent un objet trouvé , qui n'a pas eu besoin de compétence artistique dans sa production. Tracey Emin est considérée comme une YBA de premier plan et une artiste conceptuelle, même si elle a nié l'être et a mis l'accent sur l'expression émotionnelle personnelle.

Exemples récents d'art conceptuel contesté

1991

Charles Saatchi finance Damien Hirst . L'année suivante, la Saatchi Gallery expose L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant de Hirst , un requin dans du formaldéhyde dans une vitrine.

1993

Vanessa Beecroft est titulaire d'une performance à Milan , en Italie . Ici, les jeunes filles agissent comme un deuxième public à l'affichage de son journal alimentaire.

1999

Tracey Emin est nominée pour le Turner Prize . Mon lit se composait de son lit échevelé, entouré de détritus tels que des préservatifs, des culottes tachées de sang, des bouteilles et ses chaussons de chambre.

2001

Martin Creed remporte le Turner Prize pour le titre avec précision The Lights Going On and Off , dans lequel les lumières s'allumaient et s'éteintaient dans une pièce autrement vide.

2002

Miltos Manetas confronte la Whitney Biennial avec son Whitneybiennial.com.

2005

Simon Starling remporte le Turner Prize pour Shedboatshed . Starling a présenté un hangar en bois qu'il avait transformé en bateau, a flotté sur le Rhin , puis refait en hangar.

Controverse au Royaume-Uni

Un requin mort n'est pas de l'art , Stuckism International Gallery , 2003

Le groupe d'artistes Stuckist , fondé en 1999, s'est proclamé "peinture figurative pro-contemporaine avec des idées et un art anti-conceptuel, principalement à cause de son manque de concepts". Ils l'ont également qualifié de prétentieux, " banal et ennuyeux " et le 25 juillet 2002, lors d'une manifestation , ont déposé un cercueil devant la galerie White Cube , marqué " La mort de l'art conceptuel ". En 2003, la Stuckism International Gallery a exposé un requin préservé sous le titre A Dead Shark Isn't Art , faisant clairement référence à l'œuvre de Damien Hirst (voir litiges ci-dessus).

Dans une émission de BBC2 Newsnight le 19 octobre 1999 animée par Jeremy Paxman avec Charles Thomson attaquant le Turner Prize de cette année-là et l'artiste Brad Lochore le défendant, Thomson montrait des peintures de Stuckist, tandis que Lochore avait apporté une bouteille de détergent en plastique sur un socle en carton. À un moment donné, Lochore déclare : « si les gens disent que c'est de l'art, c'est de l'art ». Paxman demande : « Vous pouvez donc dire que tout est de l'art ? » et Lochore répond : "On pourrait dire que tout est art..." À ce stade, Thomson, hors écran, peut être entendu dire : "Est-ce que ma chaussure est de l'art ?" tandis qu'en même temps sa chaussure apparaît devant Lochore, qui observe: "Si vous dites que c'est. Je dois le juger en ces termes." La réponse de Thomson est : "Je n'ai jamais rien entendu d'aussi ridicule de ma vie auparavant."

En 2002, Ivan Massow , le président de l' Institute of Contemporary Arts a qualifié l'art conceptuel de « tat prétentieux, complaisant et sans artifice » et « en danger de disparaître dans son propre cul ... dirigé par des tsars culturels tels que la Tate . Sir Nicolas Serota ". Massow a donc été contraint de démissionner. En fin d'année, la ministre de la Culture, Kim Howells , diplômée d'une école d'art, a dénoncé le Turner Prize comme "des conneries froides, mécaniques, conceptuelles".

En octobre 2004, la Saatchi Gallery a déclaré aux médias que « la peinture continue d'être le moyen le plus pertinent et le plus vital pour les artistes de communiquer ». Suite à cela, Charles Saatchi a commencé à vendre des œuvres importantes de sa collection YBA ( Young British Artists ).

Jeux informatiques et vidéo

Les jeux informatiques datent d'aussi loin que 1947, bien qu'ils n'aient pas atteint un grand public avant les années 1970. Il serait difficile et étrange de nier que les jeux informatiques et vidéo incluent de nombreux types d'art (en gardant à l'esprit, bien sûr, que le concept « art » lui-même est, comme indiqué, ouvert à une variété de définitions). Les graphismes d'un jeu vidéo constituent l'art numérique , l'art graphique et probablement l' art vidéo ; la bande originale d'un jeu vidéo constitue clairement de la musique . Cependant, la question de savoir si le jeu vidéo dans son ensemble doit être considéré comme une œuvre d'art, peut-être une forme d' art interactif, fait débat .

Le critique de cinéma Roger Ebert , par exemple, a déclaré publiquement que les jeux vidéo ne sont pas de l'art, et pour des raisons structurelles seront toujours inférieurs au cinéma, mais a ensuite admis son manque de connaissances dans le domaine lorsqu'il a affirmé qu'il "ne jouera jamais un jeu quand il y a un bon livre à lire ou un bon film à regarder". Le concepteur de jeux vidéo Hideo Kojima a fait valoir que jouer à un jeu vidéo n'est pas de l'art, mais que les jeux ont un style artistique et incorporent de l'art. Le concepteur de jeux vidéo Chris Crawford soutient que les jeux vidéo sont de l'art. Le chroniqueur d'Esquire, Chuck Klosterman, soutient également que les jeux vidéo sont de l'art. Tadhg Kelly soutient que le jeu en lui-même n'est pas un art et que le plaisir est une constante requise pour tous les jeux, de sorte que l'art dans les jeux est l'art de l'emplacement et du lieu plutôt que de l'interaction.

Voir également

Notes et références

Lectures complémentaires

  • Noel Carroll, Théories de l'art aujourd'hui. 2000
  • Thierry de Duve, Kant d'après Duchamp. 1996
  • Evelyn Hatcher, éd. L'art en tant que culture : une introduction à l'anthropologie de l'art. 1999
  • David Novitz, ''Disputes about Art'' Journal of Aesthetics and Art Criticism 54:2, printemps 1996
  • Nina Felshin , éd. Mais est-ce de l'Art ? 1995
  • David Novitz, Les frontières de l'art. 1992
  • Stephen Davies, Définitions de l'art. 1991
  • Léon Tolstoï , Qu'est-ce que l'art ?