Réalisation de films - Filmmaking

La réalisation de films ( production cinématographique ) est le processus par lequel un film est réalisé. La réalisation d'un film implique un certain nombre d'étapes complexes et discrètes, y compris une histoire, une idée ou une commande initiale. Il se poursuit ensuite par l' écriture de scénarios , le casting , le tournage, la prise de son, la pré-production , le montage et la projection du produit fini devant un public pouvant déboucher sur une sortie de film et une exposition. La réalisation de films se déroule dans de nombreux endroits à travers le monde dans une gamme de contextes économiques, sociaux et politiques. Il utilise une variété de technologies et de techniques cinématographiques.

Bien que la réalisation de films impliquait à l'origine l'utilisation de films , la plupart des productions cinématographiques sont maintenant numériques. Aujourd'hui, la réalisation d'un film fait référence au processus d'élaboration commerciale d'une histoire audiovisuelle en vue de sa distribution ou de sa diffusion.

Étapes de fabrication

La production cinématographique comprend cinq grandes étapes :

  • Développement : La première étape au cours de laquelle les idées du film sont créées, les droits des livres/pièces de théâtre sont achetés, etc., et le scénario est écrit. Le financement du projet doit être recherché et obtenu.
  • Pré-production : des dispositions et des préparatifs sont faits pour le tournage, tels que l'embauche des acteurs et de l' équipe de tournage , la sélection des lieux et la construction des décors.
  • Production : Les images brutes et autres éléments du film sont enregistrés pendant le tournage, y compris la photographie principale .
  • Post-production : Les images, le son et les effets visuels du film enregistré sont montés et combinés en un produit fini.
  • Distribution : Le film terminé est distribué, commercialisé et projeté en salles et/ou diffusé en vidéo domestique .

Développement

La phase de développement contient à la fois des éléments généraux et spécifiques. Chaque studio de cinéma organise une retraite annuelle au cours de laquelle ses principaux cadres créatifs se rencontrent et discutent de divers domaines et sujets qu'ils souhaitent explorer grâce à des collaborations avec des producteurs et des scénaristes, puis des réalisateurs , des acteurs et des actrices. Ils choisissent des sujets d'actualité dans les médias et la vie réelle, ainsi que de nombreuses autres sources, pour déterminer leur programme annuel. Par exemple, au cours d'une année où l' action est populaire, ils peuvent souhaiter explorer ce sujet dans un ou plusieurs films. Parfois, ils achètent les droits d'articles, de romans à succès, de pièces de théâtre , de remakes de films plus anciens , d'histoires avec une certaine base dans la vie réelle à travers une personne ou un événement, un jeu vidéo , un conte de fées , une bande dessinée , un roman graphique . De même, la recherche par le biais d'enquêtes peut éclairer leurs décisions. Ils ont peut-être eu des Blockbusters de leur année précédente et souhaitent explorer une suite. Ils acquerront en outre un film achevé et financé et produit de manière indépendante. Ces exemples notables sont « Little Miss Sunshine » et « The English Patient » ainsi que « Roma ».

Les studios organisent des réunions générales avec les producteurs et les scénaristes sur des idées d'histoires originales. "Au cours de ma décennie de travail en tant qu'écrivain, je n'en connaissais que quelques-uns qui ont été vendus et moins qui sont passés à l'écran", relaie le scénariste-réalisateur-professeur Wayne Powers ( The Italian Job ). Alan Watt, scénariste-réalisateur et fondateur du LA Writer's Lab, a confirmé que les scénarios originaux terminés, appelés "spécifications", font l'actualité lorsqu'ils se vendent, mais ceux-ci ne représentent qu'une très petite partie des films qui reçoivent finalement le vert lumière produite par le président d'un studio.

Les cadres reviennent de la retraite avec des consignes assez bien établies. Ils diffusent ces concepts à travers la communauté de l'industrie, en particulier aux producteurs avec lesquels ils ont des accords (les studios traditionnels auront ces producteurs dans des bureaux sur leurs lots). Aussi, les agents des scénaristes sont sensibilisés. Cela se traduit par un jumelage de producteurs avec des scénaristes , où ils développent une "prise", une idée d'histoire de base qui utilise le concept donné par les dirigeants de studio. Il s'agit souvent d'une compétition avec plusieurs binômes rencontrant des cadres de studio et "présentant" leur "prise". Très peu de travaux d'écriture proviennent d'idées originales apportées aux studios par des producteurs ou des scénaristes. Peut-être qu'un film par an sera un script "spécifique" qui a été acheté.

Une fois qu'un producteur et/ou un écrivain a vendu son approche du sujet souhaité, ils commencent à travailler. Cependant, de nombreux scénaristes et producteurs passent généralement avant qu'un concept particulier ne soit réalisé d'une manière qui donne le feu vert à la production. " The Unforgiven ", qui a valu des Oscars à son réalisateur/star Clint Eastwood , ainsi qu'à son scénariste, David Webb Peoples, a mis 15 ans à être mis en production. Wayne Powers a raconté que "The Italian Job" a pris environ huit ans du concept à l'écran, ce qui, comme l'a ajouté Powers, "est moyen". Et la plupart des concepts transformés en scénarios payants finissent par prendre la poussière sur les étagères de certains dirigeants, sans jamais voir la production.

Les écrivains ont des styles et des processus créatifs différents ; certains ont des antécédents plus solides que d'autres. Pour cette raison, la façon dont le processus de développement se déroule à partir de là et la quantité de détails qu'un écrivain retourne au studio pour divulguer avant de commencer à écrire peuvent varier considérablement. Les scénaristes sont souvent protégés par le syndicat Writers Guild of America , ou WGA. La WGA permet à un scénariste de conclure un contrat pour One Draft, One Revision et One Polish. Bob Eisle, écrivain et membre du conseil d'administration de la Guilde, déclare : « Les écrits supplémentaires nécessitent une prolongation des contrats et le paiement des travaux supplémentaires ». Ils sont payés 80% de leurs honoraires après la première ébauche. Les discussions préliminaires sont minimes avec les dirigeants du studio mais peuvent être assez détaillées avec le producteur.

Ensuite, un scénariste écrit un scénario sur une période de plusieurs mois, ou aussi longtemps que cela prend. Les délais sont dans leurs contrats, mais il n'y a aucune pression pour les respecter. Encore une fois, le processus et la vitesse de chaque écrivain varient. Le scénariste peut réécrire le script plusieurs fois pour améliorer la dramatisation, la clarté, la structure, les personnages, les dialogues et le style général.

Script Coverage, un travail indépendant occupé par de récents diplômés universitaires, n'introduit pas dans le système des scripts prêts à être produits ou déjà produits. La « couverture » ​​est un moyen pour les jeunes scénaristes d'être lu et leurs idées peuvent aboutir jusqu'à un producteur exécutif ou célèbre et aboutir à des « rencontres et accueils » où des relations avec les nouveaux arrivants peuvent être formées. Mais ce ne sont pas des idées historiquement cédées que les studios poursuivent en production.

Le studio est le distributeur de films qui tente à un stade précoce de choisir une liste de concepts susceptibles d'avoir un attrait sur le marché et de trouver un succès financier potentiel. Les distributeurs hollywoodiens tiennent compte de facteurs tels que le genre du film , le public cible et le public supposé, le succès historique de films similaires, les acteurs susceptibles d'apparaître dans le film et les réalisateurs potentiels. Tous ces facteurs impliquent un certain attrait du film auprès d'un public potentiel. Tous les films ne tirent pas profit de la sortie en salles à eux seuls, cependant, le studio cible principalement le week-end d'ouverture et le deuxième week-end pour réaliser la plupart des bénéfices nationaux. Parfois, un film appelé « film de bouche à oreille » ne se commercialise pas fortement mais son succès se propage par le bouche à oreille. Il gagne peu à peu son audience. Il s'agit de circonstances particulières et ces films peuvent rester dans les salles pendant 5 mois alors qu'un film typique est plus proche de 5 week-ends. D'autres revenus proviennent des achats de télévision payante , des achats sur le marché étranger et des ventes de DVD pour établir une distribution mondiale Brut d'un film.

Une fois qu'un scénario est « feu vert », les réalisateurs et les acteurs sont attachés et le film passe à la phase de pré-production. Bien que très souvent, l'étape de développement et l'étape de pré-production se chevauchent.

Analogue à presque n'importe quelle entreprise commerciale, le financement d'un projet de film traite de l'étude de la réalisation cinématographique comme de la gestion et de l'obtention d' investissements . Il comprend la dynamique des actifs qui sont nécessaires pour financer la réalisation du film et les passifs encourus pendant la réalisation du film au cours de la période allant du début du développement à la gestion des profits et des pertes après la distribution dans des conditions de différents degrés d'incertitude et de risque. Les aspects pratiques du financement du cinéma peuvent également être définis comme la science de la gestion de l'argent de toutes les phases impliquées dans le cinéma. Le financement cinématographique vise à évaluer les actifs en fonction de leur niveau de risque et de leur taux de rendement attendu en fonction des bénéfices attendus et de la protection contre les pertes.

Pré-production

En pré-production, chaque étape de la création du film est soigneusement conçue et planifiée. C'est la phase où l'on affinerait toutes les options de la production. C'est là que toute la planification a lieu avant que la caméra ne tourne et fixe la vision globale du projet. La société de production est créée et un bureau de production mis en place. Le film est pré-visualisé par le réalisateur et peut être scénarisé avec l'aide d' illustrateurs et d' artistes conceptuels . Un budget de production est établi pour planifier les dépenses du film. Pour les grandes productions, une assurance est souscrite pour se protéger contre les accidents. La pré-production comprend également l'élaboration du lieu de tournage et le processus de casting. Le producteur engage un directeur de ligne ou un directeur de production pour créer le calendrier et le budget du film.

La nature du film et le budget déterminent la taille et le type d'équipe utilisée pendant le tournage. De nombreux blockbusters hollywoodiens emploient un casting et une équipe de centaines, tandis qu'un film indépendant à petit budget peut être réalisé par une "équipe squelettique" de huit ou neuf (ou moins). Voici les postes d'équipage typiques :

Production

Steven Spielberg (debout) avec Chandran Rutnam au Sri Lanka, lors de la production d' Indiana Jones et le Temple maudit (sortie 1984)

En production, le film est créé et tourné. Dans cette phase, il est essentiel de continuer à planifier avant le tournage quotidien. L'objectif premier est de respecter le budget et l'échéancier, cela demande une vigilance constante. D'autres membres d'équipage seront recrutés à ce stade, tels que le maître de propriété , le superviseur du scénario , les assistants réalisateurs , le photographe d' images fixes , le monteur d'images et les monteurs sonores . Ce sont les rôles les plus courants dans le cinéma ; le bureau de production sera libre de créer n'importe quel mélange unique de rôles pour répondre aux diverses responsabilités nécessaires lors de la production d'un film. La communication est essentielle entre le lieu, le plateau, le bureau, la société de production, les distributeurs et toutes les autres parties impliquées.

Une journée de tournage typique commence avec l'arrivée de l'équipe sur le plateau/l'emplacement à l'heure de son appel. Les acteurs ont généralement leurs propres heures d'appel séparées. Comme la construction des décors, l' habillage et l' éclairage peuvent prendre plusieurs heures, voire plusieurs jours, ils sont souvent mis en place à l'avance.

Les équipes de conception prise en main , électrique et de production ont généralement une longueur d'avance sur les services caméra et son : par souci d'efficacité, pendant qu'une scène est filmée, elles préparent déjà la suivante.

Pendant que l'équipe prépare son matériel, les comédiens confectionnent leurs costumes et assistent aux départements coiffure et maquillage. Les acteurs répètent le scénario et le blocage avec le réalisateur, et les équipes de tournage et de son répètent avec eux et apportent les derniers réglages. Enfin, l'action est tournée en autant de prises que le réalisateur le souhaite. La plupart des productions américaines suivent une procédure spécifique :

L' assistant-réalisateur (AD) crie « l'image est en place ! » pour informer tout le monde qu'une prise est sur le point d'être enregistrée, puis « silencieux, tout le monde ! » Une fois que tout le monde est prêt à tourner, l'AD appelle « roll sound » (si la prise comporte du son), et le mixeur de production démarre son équipement, enregistre une liste verbale des informations de la prise et annonce la « vitesse du son », ou tout simplement "vitesse", quand ils sont prêts. L'AD suit avec "roll camera", répondu par "speed!" par le caméraman une fois que la caméra enregistre. Le clapper loader , qui est déjà devant la caméra avec le clapperboard , appelle "marker!" et le gifle. Si la prise implique des extras ou une action en arrière-plan, l'AD les signalera ("action en arrière-plan !"), et le dernier est le réalisateur, disant aux acteurs "action !". L'AD peut faire écho à "l'action" plus fort sur les grands ensembles.

Une prise est terminée lorsque le réalisateur appelle "Cut!" et la caméra et le son arrêtent l'enregistrement. Le superviseur du scénario notera tout problème de continuité, et les équipes de son et de caméra enregistrent des notes techniques pour la prise sur leurs fiches de rapport respectives. Si le réalisateur décide que des prises supplémentaires sont nécessaires, tout le processus se répète. Une fois satisfait, l'équipe passe à l'angle de caméra suivant ou à la « configuration » jusqu'à ce que toute la scène soit « couverte ». Lorsque le tournage est terminé pour la scène, l'assistant réalisateur déclare un « bouclage » ou « passer à autre chose », et l'équipe « frappera » ou démontera le décor de cette scène.

A la fin de la journée, le réalisateur approuve le programme de tournage du lendemain et un rapport d'avancement quotidien est envoyé au bureau de production. Cela inclut les fiches de rapport des équipes de continuité, de son et de caméra. Des feuilles d'appel sont distribuées aux acteurs et à l'équipe pour leur dire quand et où se présenter le prochain jour de tournage. Plus tard, le réalisateur, le producteur, d'autres chefs de département et, parfois, les acteurs, peuvent se réunir pour regarder les images de ce jour ou d'hier, appelées quotidiens , et revoir leur travail.

Avec des journées de travail qui durent souvent quatorze ou dix-huit heures dans des endroits éloignés, la production cinématographique a tendance à créer un esprit d'équipe . Lorsque l'ensemble du film est "dans la boîte", ou à l'achèvement de la phase de production, il est d'usage que le bureau de production organise une soirée de clôture , pour remercier tous les acteurs et l'équipe pour leurs efforts.

Pour la phase de production des films d'action réelle , la synchronisation des horaires de travail des acteurs clés et des membres de l'équipe est très importante, car pour de nombreuses scènes, plusieurs acteurs et la plupart des membres de l'équipe doivent être physiquement présents au même endroit en même temps ( et les stars bancables peuvent avoir besoin de se précipiter d'un projet à l'autre). Les films d'animation ont un flux de travail différent lors de la phase de production, en ce sens que les acteurs de la voix peuvent enregistrer leurs prises dans le studio d'enregistrement à des moments différents et peuvent ne pas se voir avant la première du film, car la plupart des tâches physiques d'action réelle sont soit inutiles, soit simulées par divers types d' animateurs .

Post-production

Cette étape commence à la fin de la production principale du film, mais ils peuvent se chevaucher. L'essentiel de la post-production consiste à revoir le métrage, à assembler le film et à le faire passer à l'étape suivante, le montage. Ici, la vidéo/le film est assemblé par le monteur du film . Le matériel filmé est monté. Le son de production (dialogue) est également édité ; des morceaux de musique et des chansons sont composés et enregistrés si un film est recherché pour avoir une partition ; les effets sonores sont conçus et enregistrés. Tous les effets visuels infographiques sont ajoutés numériquement par un artiste . Enfin, tous les éléments sonores sont mélangés en « tiges », qui sont ensuite jointes aux images, et le film est entièrement terminé (« verrouillé »).

Distribution

La distribution est la dernière étape, où le film est sorti dans les cinémas ou, occasionnellement, directement sur les médias grand public ( VHS , VCD , DVD , Blu-ray ) ou en téléchargement direct à partir d'un fournisseur de médias numériques . Le film est dupliqué selon les besoins (soit sur film, soit sur disques durs ) et distribué aux cinémas pour projection (projection). Des dossiers de presse, des affiches et d'autres supports publicitaires sont publiés et le film fait l'objet d'une publicité et d'une promotion . Un clip B-roll peut être diffusé à la presse sur la base d'images brutes tournées pour un documentaire "making of", qui peut inclure des clips de making-of ainsi que des interviews sur le plateau distinctes de celles de la société de production ou du distributeur. Pour les grands films, le personnel clé est souvent contractuellement tenu de participer à des tournées promotionnelles au cours desquelles ils apparaissent lors de premières et de festivals et passent des interviews avec de nombreux journalistes de la télévision, de la presse écrite et en ligne. Les plus grandes productions peuvent nécessiter plus d'une tournée promotionnelle, afin de rajeunir la demande du public à chaque fenêtre de sortie.

Depuis l'avènement de la vidéo domestique au début des années 1980, la plupart des grands films ont suivi un modèle d'avoir plusieurs fenêtres de sortie distinctes. Un film peut d'abord être diffusé dans quelques cinémas sélectionnés, ou s'il est suffisamment testé , peut passer directement en grande diffusion . Ensuite, il est libéré, normalement à des moments différents de plusieurs semaines (ou mois) à part, dans différents segments de marché comme la location , la vente au détail , pay-per-view , divertissement en vol , la télévision par câble , télévision par satellite , ou free-to-air diffuser la télévision. Les droits de distribution du film sont également généralement vendus pour une distribution mondiale. Le distributeur et la société de production se partagent les bénéfices et gèrent les pertes.

Réalisation de films indépendants

L'ingénieur du son Curtis Choy (à gauche) sur place pour Dim Sum: a Little Bit of Heart , un film indépendant du réalisateur Wayne Wang (au centre) sur Clement Street dans le district de Richmond à San Francisco, Californie 1983
Spede Pasanen , un réalisateur et producteur finlandais , entretenait une relation longue et tendue avec la Finnish Film Foundation , une organisation de financement de films financée par le gouvernement qui refusait continuellement de financer ses films, de sorte que beaucoup de ses œuvres sont des films indépendants.

La réalisation de films se déroule également en dehors du courant dominant et est communément appelée réalisation de films indépendants . Depuis l'introduction de la technologie DV , les moyens de production se sont démocratisés et économiquement viables. Les cinéastes peuvent éventuellement tourner et éditer un film, créer et éditer le son et la musique, et mixer le montage final sur un ordinateur personnel. Cependant, si les moyens de production peuvent se démocratiser, le financement, la distribution traditionnelle et la commercialisation restent difficiles à réaliser en dehors du système traditionnel. Dans le passé, la plupart des cinéastes indépendants se sont appuyés sur les festivals de films (tels que le Festival du film de Sundance , le Festival du film de Venise , le Festival de Cannes et les Festivals internationaux du film de Toronto ) pour que leurs films soient remarqués et vendus pour la distribution et la production. Cependant, Internet a permis la distribution relativement peu coûteuse de films indépendants sur des sites Web tels que YouTube . En conséquence, plusieurs sociétés ont vu le jour pour aider les cinéastes à faire voir et vendre des films indépendants via les marchés Internet grand public, souvent adjacents aux titres hollywoodiens populaires. Avec la distribution de films sur Internet, les cinéastes indépendants qui choisissent de renoncer à un accord de distribution traditionnel ont désormais la possibilité d'atteindre un public mondial.

Voir également

Les références

Liens externes