Gina Pane - Gina Pane

Gina Volet
Née	( 1939-05-24 )24 mai 1939 Biarritz, France
Décédés	6 mars 1990 (1990-03-06)(50 ans) Paris, France
Nationalité	français
Éducation	École des Beaux-Arts, Paris
Les partenaires)	Anne Marchand

Gina Pane (Biarritz, 24 mai 1939 – Paris, 6 mars 1990) est une artiste française d'origine italienne. Elle a étudié à l' École des Beaux-Arts de Paris de 1960 à 1965 et a été membre du mouvement Body Art des années 1970 en France, appelé « Art corporel ».

Parallèlement à son art, Pane enseigne à l'Ecole des Beaux-Arts du Mans de 1975 à 1990 et dirige un atelier dédié à l' art de la performance au Centre Pompidou de 1978 à 1979 à la demande de Pontus Hulten.

Pane est peut-être mieux connue pour sa performance The Conditioning (1973), dans laquelle elle est allongée sur un cadre de lit en métal au-dessus d'une zone de bougies allumées. The Conditioning a été recréé par Marina Abramović dans le cadre de ses Seven Easy Pieces (2005) au Solomon R. Guggenheim Museum de New York en 2005.

Le domaine de Gina Pane est géré par son ancienne compagne Anne Marchand. Elle est représentée par la Galerie Kamel Mennour à Paris .

Biographie

Née à Biarritz de parents italiens, Pane a passé une partie de sa jeunesse en Italie. Elle revient en France pour étudier auprès d' André Chastel à l' École des Beaux-Arts de Paris de 1960 à 1965. Elle est décédée prématurément en 1990 des suites d'une longue maladie.

Les blessures auto-infligées extrêmes figuraient dans une grande partie du travail de performance de Pane, la distinguant de la plupart des autres artistes du corps féminin des années 1970. Par la violence de se couper la peau avec des lames de rasoir ou d'éteindre le feu avec ses mains et ses pieds nus, Pane avait l'intention de provoquer une « vraie expérience » chez le spectateur, qui serait amené à sympathiser avec son inconfort. La nature choquante de ces premières performances - ou "actions", comme elle préférait les appeler - a souvent éclipsé sa prolifique pratique photographique et sculpturale. Cependant, le corps était une préoccupation centrale dans tout le travail de Pane, que ce soit littéralement ou conceptuellement.

Pane a affirmé qu'elle avait été fortement influencée par les manifestations politiques à Paris en mai 1968 et par des conflits internationaux tels que la guerre du Vietnam (Ferrer 1989, pp. 37-8). Dans Nourriture-actualités télévisées-feu (1971; repr. Pluchart 1971), elle s'est gavée de force et a craché 600 grammes de viande hachée crue, a regardé les nouvelles du soir à la télévision en passant devant une ampoule presque aveuglante et a éteint les flammes avec ses mains et ses pieds nus. Après la représentation, a-t-elle dit, les gens ont signalé une sensibilité accrue. « Tout le monde là-bas a fait la remarque : 'C'est étrange, nous n'avons jamais ressenti ou entendu la nouvelle auparavant. Il y a en fait une guerre en cours au Vietnam, du chômage partout.'" (Stephano 1973, p. 22)

Travail

De 1962 à 1967, Pane a produit une abstraction géométrique et a créé un certain nombre de sculptures en métal en pliant des feuilles de métal en formes simples, les structures et son utilisation des couleurs primaires rappelant l'art minimal. À partir de sa formation universitaire, cependant, Pane a développé un intérêt pour le corps humain et s'est tournée vers la sculpture et l'installation. Ce travail a considéré la relation entre le corps et la nature. En 1968, Pane commence à réaliser des actions minutieusement préparées et documentées dans lesquelles chaque geste est empreint d'une dimension rituelle.

Pane distingue trois périodes de son évolution artistique :

• 1968-1971 : Placer le corps dans la nature. Les œuvres comprennent Displaced Stones (1968), Protected Earth (1968-1970) et Enfoncement d'un rayon de soleil (1969). Dans Unanaestheticized Climb (1971), elle gravit, pieds nus, une échelle aux barreaux parsemés de protubérances métalliques pointues, s'arrêtant lorsqu'elle ne pouvait plus supporter la douleur.

• 1970-fin des années 1970 : Le corps actif en public. Pane considérait l'espace et le temps comme la matière de ces œuvres. Il ne reste de ces œuvres que la documentation photographique de moments soigneusement choisis et l'objet performatif. Ces actions constituent une recherche dans une autre langue. Ils cherchent à transformer l'individu par une communication volontaire avec l'Autre. Cette œuvre rejette l'esthétisme pour produire une nouvelle image de la beauté. En 1973, à la Galerie Diagramma de Milan, Pane exécute Sentimental Action devant un public dont le premier rang est exclusivement féminin. Le volet a répété deux fois une action deux fois, la première fois avec un bouquet de roses rouges, et la deuxième fois avec un bouquet de roses blanches. Passant progressivement de la position debout à la position fœtale, elle exécute d'abord un mouvement de va-et-vient avec le bouquet, avant de serrer les épines d'une rose dans ses bras et de pratiquer une incision avec une lame de rasoir dans la paume de sa main. La forme des blessures sur son bras ressemblait aux pétales et à la tige d'une rose. Elle a décrit ce travail comme une « projection d'un espace intra » qui traitait de la relation mère-enfant.

• À partir de la fin des années 1970 : Rapport du corps au monde. Pour la série d'installations Action Notation, elle a mélangé des photographies de ses blessures précédentes avec des objets, tels que des jouets, du verre, etc., issus de ses actions précédentes. Le procédé était controversé car il impliquait presque toujours un élément de masochisme : grimper une échelle parsemée de lames de rasoir, se couper la langue ou l'oreille, enfoncer des clous dans son avant-bras, défoncer une porte vitrée, ingérer de la nourriture jusqu'à la nausée. Pane ne fonde plus son approche sur l'expérience corporelle directe, bien que le corps reste central et conserve sa signification symbolique à travers les figures (croix, rectangle, cercle) et les matériaux (métal brûlé ou rouillé, verre ou cuivre).

Faits intéressants sur Gina Pane et son rôle dans l'amélioration de l'art féminin

• Escalade non anesthésiée s'est déroulée sans public. Au lieu de cela, l'artiste, en collaboration avec Françoise Masson, une photographe, a réussi à documenter l'événement en photo, un aspect qu'elle a défini comme un constat (Baumgartner 247).

• L'importance de l'utilisation d'un constat par l'artiste est qu'il illustre plus efficacement l'art performatif (Baumgartner 247).

• Pane a publié des essais sur ses travaux dans des revues telles que Art Press, Opus International et Arttitudes (Baumgartner 251).

• Les œuvres tardives de Gina Pane sont affiliées à l'iconographie martyre en relation avec le féminisme.

• La souffrance endurée par l'artiste lors de l'exposition de ses œuvres d'art est associée à l'idée que Pane « s'est sacrifiée sur l'autel d'une civilisation homophobe » pour que les spectateurs stéréotypés sympathisent avec elle.

• Sa souffrance est également associée à des références religieuses en termes de comparaison avec les souffrances que le Christ a endurées sur la croix. Les blessures, dans ce cas, sont abordées comme nécessaires pour que l'artiste mette en évidence la douleur que lui fait subir la société en raison de son identité homosexuelle (Leszkowicz, 1).

• Pane est perçue comme s'étant davantage concentrée sur l'utilisation d'attributs commerciaux dans l'affichage de sa performance féminine contemporaine (Maude-Roxby 5).

• Le terme jouissance est utilisé pour définir les œuvres de Pane. Le terme implique l'association entre soi et l'autre (Gonzenbach 41).

• L'utilisation du rouge à lèvres dans son œuvre d'art de 1974, psyche, est perçue comme représentant symboliquement l'idée de « ultimement féminin » (Gonzenbach 42).

• À travers ses performances, Pane est perçue comme conditionnant son auditoire tout en la regardant en raison du fait que le public est influencé pour qu'il soit conscient du processus impliqué en la regardant (Gonzenbach 42).

• L'art vivant est considéré comme un élément de re-performance qui est adéquatement illustré par Gina Pane dans ses performances féminines contemporaines (Morgan 1).

Bibliographie

• Baumgartner, Frédérique. « Reviving the Collective Body: Gina Pane's 'Escalade Non Anesthésiée.' » Oxford Art Journal, vol. 34, non. 2, 2011, p. 247-263. JSTOR, www.jstor.org/stable/41315380. Consulté le 17 mars 2021.

• Gonzenbach, Alexandra. "Bleeding Borders: Abjection in the Works of Ana Mendieta et Gina Pane." Lettres féminines, vol. 37, non. 1, 2011, p. 31-46. JSTOR, www.jstor.org/stable/23021842. Consulté le 20 avril 2021.

• Leszkowicz, Paweł. "Gina Pane-autoagresja à wy !." Czas Kultury, vol 1, 2004, pp.32-40.

• Lucy Lippard : Les douleurs et les plaisirs de la renaissance : l'art corporel féminin , A. America (1976)
• Polar Crossing (cat. d'exposition, Los Angeles, CA, ICA; San Francisco, CA, A. Inst. Gals; 1978)
• Gina Pane : Travail d'action (cat. expo, Paris, Gal. Isy Brachot, 1980)
• Pluchart, François : L'Art corporel , Éd. Limage 2, Paris, 1983
• Gina Pane : Partitions et dessins (cat. expo, Paris, Gal. Isy Brachot, 1983–4) [avec bibliog.]
• Écritures dans la peinture , catalogue d'exposition, Villa Arson – Centre national des arts plastiques , Nice, 1984.
• Vergine, L./Manganelli, G. : Gina Pane Partitions , Mazzotta, Milan, 1985.
• G. Verzotti : "Richard Long, Salvatore Scarpitta, Gina Pane", Flash A. , 117, 1986.
• Gina Pane, catalogue d'exposition, Gal. Brachot, Bruxelles, 1988.
• Gina Pane, catalogue d'exposition, musée des Beaux-Arts, Nancy, 2002.
• Gina Pane (cat. d'exposition, éd. C. Collier et S. Foster ; Southampton, U. Southampton, Hansard Gal. ; Bristol, Arnolfini Gal. ; 2002.
• Fréruchet, Maurice, et al. : Les Années soixante-dix : l'art en cause, catalogue d'exposition, Capc musée d'Art contemporain , Bordeaux, 2002.

Maude-Roxby, Alice. « Les pratiques collaboratives de Gina Pane et Françoise Masson ». Dans : Fast Forward : How do Women Work ?, 2019, Tate Modern, Londres, Royaume-Uni, pp.1-15.

Morgan, Robert C. "Réflexions sur la réinterprétation, l'expérience et l'archivisme." PAJ: A Journal of Performance and Art, vol 32, n°3, 2010, pp.1-15.

• Michel, Régis : 'Gina Pane (dessins)' in coll. reConnaître, Réunion des musées nationaux, Paris, 2002.
• O'Dell, Kathy : "L'artiste de la performance en tant que femme masochiste"
• Sorkin, Jenni, "Gina Pane", dans Butler, Cornelia H et Lisa G. Mark. Wack ! : L'art et la révolution féministe . Los Angeles : Le Musée d'Art Contemporain, 2007. Impression.
• Weibel, Peter (éd.): 'Phantom der Lust. Visionen des Masochismus in der Kunst' in 2 vol., catalogue d'exposition, Neue Galerie am Landesmuseum, Graz, Belleville Verlag, Munich, 2003.
• Pane, Gina : Lettre à un(e) inconnnu(e), texte d'artiste, Énsba, Paris, 2004.

Les références

Jennifer Blessing, 'Les témoins de Gina Pane. Le public et la photographie », Performance Research , vol.7, n°4, 2002, p. 14.

Liens externes

"Gina Pane", kamel mennour consulté le 1er février 2014