Instrument de musique -Musical instrument

Anne Vallayer-Coster , Attributs de la musique , 1770. Cette nature morte représente une variété d'instruments de musique baroques français, tels qu'un cor naturel , une flûte traversière , une musette , un pardessus de viole et un luth .

Un instrument de musique est un appareil créé ou adapté pour produire des sons musicaux . En principe, tout objet qui produit un son peut être considéré comme un instrument de musique - c'est par le but que l'objet devient un instrument de musique. Une personne qui joue d'un instrument de musique est connue comme un instrumentiste . L'histoire des instruments de musique remonte aux débuts de la culture humaine. Les premiers instruments de musique peuvent avoir été utilisés pour des rituels, comme un cor pour signaler le succès de la chasse ou un tambour lors d'une cérémonie religieuse. Les cultures ont finalement développé la composition et l'interprétation de mélodies pour le divertissement. Les instruments de musique ont évolué au rythme de l'évolution des applications et des technologies.

La date et l'origine du premier appareil considéré comme un instrument de musique sont contestées. L'objet le plus ancien que certains érudits qualifient d'instrument de musique, une simple flûte , remonte à 50 000 - 60 000 ans. Certains consensus datent les premières flûtes il y a environ 40 000 ans. Cependant, la plupart des historiens pensent qu'il est impossible de déterminer un moment précis de l'invention des instruments de musique, car de nombreux instruments de musique anciens étaient fabriqués à partir de peaux d'animaux, d'os, de bois et d'autres matériaux non durables.

Les instruments de musique se sont développés indépendamment dans de nombreuses régions peuplées du monde. Cependant, le contact entre les civilisations a provoqué une propagation et une adaptation rapides de la plupart des instruments dans des endroits éloignés de leur origine. À l' époque post-classique , les instruments de Mésopotamie se trouvaient en Asie du Sud-Est maritime et les Européens jouaient des instruments originaires d' Afrique du Nord . Le développement dans les Amériques s'est produit à un rythme plus lent, mais les cultures d' Amérique du Nord , centrale et du Sud ont partagé des instruments de musique.

Vers 1400, le développement des instruments de musique ralentit dans de nombreux domaines et était dominé par l' Occident . Au cours des périodes de musique classique et romantique , d'une durée d'environ 1750 à 1900, de nombreux nouveaux instruments de musique ont été développés. Alors que l'évolution des instruments de musique traditionnels s'est ralentie à partir du XXe siècle, la prolifération de l'électricité a conduit à l'invention de nouveaux instruments électriques, tels que les guitares électriques , les synthétiseurs et le thérémine .

La classification des instruments de musique est une discipline à part entière et de nombreux systèmes de classification ont été utilisés au fil des ans. Les instruments peuvent être classés selon leur portée effective, leur composition matérielle, leur taille, leur rôle, etc. Cependant, la méthode académique la plus courante, Hornbostel-Sachs , utilise les moyens par lesquels ils produisent du son. L'étude académique des instruments de musique s'appelle l' organologie .

Définition et fonctionnement de base

Un instrument de musique est utilisé pour produire des sons musicaux . Une fois que les humains sont passés de la production de sons avec leur corps - par exemple, en applaudissant - à l'utilisation d'objets pour créer de la musique à partir de sons, les instruments de musique sont nés. Les instruments primitifs étaient probablement conçus pour imiter des sons naturels, et leur but était rituel plutôt que divertissant. Le concept de mélodie et la poursuite artistique de la composition musicale étaient probablement inconnus des premiers joueurs d'instruments de musique. Une personne qui sonne une flûte en os pour signaler le début d'une chasse le fait sans penser à la notion moderne de "faire de la musique".

Les instruments de musique sont construits dans un large éventail de styles et de formes, en utilisant de nombreux matériaux différents. Les premiers instruments de musique étaient fabriqués à partir d '«objets trouvés» tels que des coquillages et des parties de plantes. Au fur et à mesure que les instruments évoluaient, la sélection et la qualité des matériaux évoluaient également. Pratiquement tous les matériaux de la nature ont été utilisés par au moins une culture pour fabriquer des instruments de musique. On joue d'un instrument de musique en interagissant avec lui d'une certaine manière - par exemple, en pinçant les cordes d'un instrument à cordes , en frappant la surface d'un tambour ou en soufflant dans une corne d'animal.

Archéologie

Les chercheurs ont découvert des preuves archéologiques d'instruments de musique dans de nombreuses régions du monde. Certains artefacts ont été datés de 67 000 ans, tandis que les critiques contestent souvent les découvertes. Le consensus se solidifie sur les artefacts datant d'environ 37 000 ans et plus tard. Des artefacts fabriqués à partir de matériaux durables ou construits à l'aide de méthodes durables ont survécu. En tant que tels, les spécimens trouvés ne peuvent pas être irréfutablement placés comme les premiers instruments de musique.

Trouvée en Slovénie , la Divje Babe Flute est parfois considérée comme le plus ancien instrument de musique connu au monde.

En juillet 1995, l'archéologue slovène Ivan Turk a découvert une sculpture sur os dans la région nord-ouest de la Slovénie . La sculpture, nommée Divje Babe Flute , comporte quatre trous qui, selon le musicologue canadien Bob Fink, auraient pu être utilisés pour jouer quatre notes d'une gamme diatonique . Les chercheurs estiment l'âge de la flûte entre 43 400 et 67 000 ans, ce qui en fait le plus ancien instrument de musique connu et le seul instrument de musique associé à la culture néandertalienne . Cependant, certains archéologues et ethnomusicologues contestent le statut de la flûte en tant qu'instrument de musique. Des archéologues allemands ont trouvé des flûtes en os de mammouth et en os de cygne datant de 30 000 à 37 000 ans dans les Alpes souabes . Les flûtes ont été fabriquées au Paléolithique supérieur et sont plus communément acceptées comme étant les plus anciens instruments de musique connus.

Des preuves archéologiques d'instruments de musique ont été découvertes lors de fouilles au cimetière royal de la ville sumérienne d' Ur . Ces instruments, l'un des premiers ensembles d'instruments encore découverts, comprennent neuf lyres (les Lyres d'Ur ), deux harpes , une flûte double en argent , un sistre et des cymbales . Un ensemble de pipes en argent au son de roseau découvert à Ur était le prédécesseur probable des cornemuses modernes . Les tuyaux cylindriques comportent trois trous latéraux qui permettaient aux joueurs de produire une gamme de tons entiers . Ces fouilles, menées par Leonard Woolley dans les années 1920, ont mis au jour des fragments d'instruments non dégradables et les vides laissés par les segments dégradés qui, ensemble, ont servi à les reconstruire. Les tombes dans lesquelles ces instruments ont été enterrés ont été datées au carbone entre 2600 et 2500 avant JC, ce qui prouve que ces instruments étaient utilisés à Sumer à cette époque.

Des archéologues du site de Jiahu , dans la province centrale du Henan, en Chine, ont trouvé des flûtes faites d'os datant de 7 000 à 9 000 ans, représentant certains des « premiers instruments de musique multinotes complets, jouables et étroitement datés » jamais trouvés.

Histoire

Les chercheurs s'accordent à dire qu'il n'existe pas de méthodes totalement fiables pour déterminer la chronologie exacte des instruments de musique à travers les cultures. Comparer et organiser les instruments en fonction de leur complexité est trompeur, car les progrès des instruments de musique ont parfois réduit la complexité. Par exemple, la construction des premiers tambours à fente impliquait d'abattre et de creuser de grands arbres; plus tard , des tambours à fente ont été fabriqués en ouvrant des tiges de bambou, une tâche beaucoup plus simple.

Le musicologue allemand Curt Sachs , l'un des musicologues et ethnologues musicaux les plus éminents des temps modernes, soutient qu'il est trompeur d'organiser le développement des instruments de musique par la fabrication, car les cultures progressent à des rythmes différents et ont accès à des matières premières différentes. Par exemple, les anthropologues contemporains comparant des instruments de musique de deux cultures qui existaient en même temps mais qui différaient par leur organisation, leur culture et leur artisanat ne peuvent pas déterminer quels instruments sont les plus "primitifs" . Le classement des instruments par géographie n'est pas non plus fiable, car il n'est pas toujours possible de déterminer quand et comment les cultures se sont contactées et ont partagé des connaissances. Sachs a proposé qu'une chronologie géographique jusqu'à environ 1400 soit préférable, cependant, en raison de sa subjectivité limitée. Au-delà de 1400, on peut suivre l'évolution globale des instruments de musique dans le temps.

La science du marquage de l'ordre du développement des instruments de musique repose sur des artefacts archéologiques, des représentations artistiques et des références littéraires. Étant donné que les données d'un chemin de recherche peuvent ne pas être concluantes, les trois chemins fournissent une meilleure image historique.

Préhistorique

Deux tambours à fente aztèques ( teponaztli ). Les fentes en « H » caractéristiques sont visibles sur le dessus du tambour au premier plan.
Guitare (molo)

Jusqu'au 19ème siècle après JC, les histoires musicales écrites en Europe ont commencé par des récits mythologiques mêlés à des écritures sur la façon dont les instruments de musique ont été inventés. Ces récits incluaient Jubal , descendant de Caïn et "père de tous ceux qui manient la harpe et l'orgue" ( Genèse 4:21) Pan , inventeur de la flûte de pan , et Mercure , qui aurait transformé une carapace de tortue séchée en la première lyre . Les histoires modernes ont remplacé cette mythologie par des spéculations anthropologiques, parfois éclairées par des preuves archéologiques. Les chercheurs s'accordent à dire qu'il n'y a pas eu d'"invention" définitive de l'instrument de musique puisque le terme "instrument de musique" est subjectif et difficile à définir.

Parmi les premiers appareils externes au corps humain qui sont considérés comme des instruments figurent les hochets , les tampons et divers tambours . Ces instruments ont évolué en raison de l'impulsion motrice humaine pour ajouter du son aux mouvements émotionnels tels que la danse. Finalement, certaines cultures ont attribué des fonctions rituelles à leurs instruments de musique, les utilisant pour la chasse et diverses cérémonies. Ces cultures ont développé des instruments de percussion plus complexes et d'autres instruments tels que les anches à ruban, les flûtes et les trompettes. Certaines de ces étiquettes ont des connotations très différentes de celles utilisées de nos jours ; les premières flûtes et trompettes sont ainsi étiquetées pour leur fonctionnement et leur fonction de base plutôt que pour leur ressemblance avec des instruments modernes. Parmi les premières cultures pour lesquelles les tambours ont développé un rituel, voire une importance sacrée, figurent le peuple Chukchi de l' Extrême-Orient russe , le peuple indigène de Mélanésie et de nombreuses cultures d' Afrique . En fait, les tambours étaient omniprésents dans toutes les cultures africaines. Une tribu d'Afrique de l'Est, les Wahinda , croyait que c'était si sacré que voir un tambour serait fatal à toute personne autre que le sultan.

Les humains ont finalement développé le concept d'utilisation d'instruments de musique pour produire une mélodie , ce qui n'était auparavant courant que dans le chant. Semblable au processus de reduplication dans le langage, les instrumentistes ont d'abord développé la répétition, puis l'arrangement. Une première forme de mélodie a été produite en martelant deux tubes d'estampage de tailles légèrement différentes - un tube produirait un son "clair" et l'autre répondrait avec un son "plus sombre". Ces paires d'instruments comprenaient également des bullroarers , des tambours à fente, des trompettes à coquille et des tambours à peau. Les cultures qui utilisaient ces paires d'instruments les associaient au genre ; le "père" était l'instrument le plus gros ou le plus énergique, tandis que la "mère" était l'instrument le plus petit ou le plus terne. Les instruments de musique ont existé sous cette forme pendant des milliers d'années avant que des modèles de trois tons ou plus n'évoluent sous la forme du premier xylophone . Les xylophones sont originaires du continent et de l'archipel d' Asie du Sud-Est , pour finalement se répandre en Afrique, aux Amériques et en Europe. Outre les xylophones, qui allaient de simples ensembles de trois "barres de jambe" à des ensembles de barres parallèles soigneusement réglés, diverses cultures ont développé des instruments tels que la harpe terrestre , la cithare terrestre , l'arc musical et la guimbarde . Des recherches récentes sur l'usure et l'acoustique des objets en pierre ont révélé une nouvelle classe possible d'instruments de musique préhistoriques, connus sous le nom de lithophones .

Antiquité

Des images d'instruments de musique commencent à apparaître dans les artefacts mésopotamiens en 2800 avant JC ou avant. À partir d'environ 2000 avant JC, les cultures sumérienne et babylonienne ont commencé à délimiter deux classes distinctes d'instruments de musique en raison de la division du travail et de l'évolution du système de classe. Les instruments populaires, simples et jouables par tous, ont évolué différemment des instruments professionnels dont le développement s'est concentré sur l'efficacité et l'habileté. Malgré ce développement, très peu d'instruments de musique ont été récupérés en Mésopotamie . Les chercheurs doivent s'appuyer sur des artefacts et des textes cunéiformes écrits en sumérien ou en akkadien pour reconstituer l'histoire ancienne des instruments de musique en Mésopotamie. Même le processus d'attribution de noms à ces instruments est difficile car il n'y a pas de distinction claire entre les divers instruments et les mots utilisés pour les décrire.

Bien que les artistes sumériens et babyloniens aient principalement représenté des instruments de cérémonie, les historiens ont distingué six idiophones utilisés au début de la Mésopotamie : massues à commotion cérébrale, claquettes, sistra , cloches, cymbales et hochets. Sistra sont représentés en bonne place dans un grand relief d' Amenhotep III , et sont d'un intérêt particulier parce que des conceptions similaires ont été trouvées dans des endroits lointains tels que Tbilissi , en Géorgie et parmi la tribu amérindienne Yaqui . Les habitants de Mésopotamie préféraient les instruments à cordes , comme en témoigne leur prolifération dans les figurines, plaques et sceaux mésopotamiens. D'innombrables variétés de harpes sont représentées, ainsi que des lyres et des luths, précurseurs des instruments à cordes modernes comme le violon .

Peinture de tombe égyptienne antique représentant des joueurs de luth, 18e dynastie ( vers  1350 av. J.-C.)

Les instruments de musique utilisés par la culture égyptienne avant 2700 avant JC présentaient une similitude frappante avec ceux de la Mésopotamie, ce qui a conduit les historiens à conclure que les civilisations devaient avoir été en contact les unes avec les autres. Sachs note que l'Égypte ne possédait aucun instrument que la culture sumérienne ne possédait également. Cependant, vers 2700 av. J.-C., les contacts culturels semblent s'être dissipés ; la lyre, un instrument de cérémonie de premier plan à Sumer, n'est pas apparue en Égypte avant 800 ans. Des claquettes et des bâtons de commotion apparaissent sur des vases égyptiens dès 3000 av. La civilisation utilisait également des sistres, des flûtes verticales , des clarinettes doubles , des harpes arquées et angulaires et divers tambours.

Peu d'histoire est disponible dans la période entre 2700 av. J.-C. et 1500 av. J.-C., alors que l'Egypte (et en fait Babylone) entrait dans une longue et violente période de guerre et de destruction. Cette période a vu les Kassites détruire l' empire babylonien en Mésopotamie et les Hyksos détruire l' Empire du Milieu d'Égypte . Lorsque les pharaons d'Égypte ont conquis l'Asie du Sud-Ouest vers 1500 av. J.-C., les liens culturels avec la Mésopotamie ont été renouvelés et les instruments de musique égyptiens ont également reflété une forte influence des cultures asiatiques. Sous leurs nouvelles influences culturelles, les habitants du Nouvel Empire ont commencé à utiliser des hautbois , des trompettes, des lyres , des luths , des castagnettes et des cymbales .

Contrairement à la Mésopotamie et à l'Égypte, les musiciens professionnels n'existaient pas en Israël entre 2000 et 1000 av. Alors que l'histoire des instruments de musique en Mésopotamie et en Égypte repose sur des représentations artistiques, la culture en Israël a produit peu de telles représentations. Les érudits doivent donc se fier aux informations glanées dans la Bible et le Talmud . Les textes hébreux mentionnent deux instruments proéminents associés à Jubal : l' ugab (tuyaux) et le kinnor (lyre). D'autres instruments de l'époque comprenaient le tof ( tambour sur cadre ), le pa'amon (petites cloches ou jingles), le shofar et le hasosra en forme de trompette .

L'introduction d'une monarchie en Israël au 11ème siècle avant JC a produit les premiers musiciens professionnels et avec eux une augmentation drastique du nombre et de la variété des instruments de musique. Cependant, l'identification et la classification des instruments restent un défi en raison du manque d'interprétations artistiques. Par exemple, des instruments à cordes de conception incertaine appelés nevals et asors ont existé, mais ni l'archéologie ni l'étymologie ne peuvent les définir clairement. Dans son livre A Survey of Musical Instruments , la musicologue américaine Sibyl Marcuse propose que le nevel doit être similaire à la harpe verticale en raison de sa relation avec nabla , le terme phénicien pour «harpe».

En Grèce , à Rome et en Étrurie , l'utilisation et le développement des instruments de musique contrastaient fortement avec les réalisations de ces cultures en matière d'architecture et de sculpture. Les instruments de l'époque étaient simples et pratiquement tous importés d'autres cultures. Les lyres étaient l'instrument principal, car les musiciens les utilisaient pour honorer les dieux. Les Grecs jouaient d'une variété d' instruments à vent qu'ils classaient comme aulos (anches) ou syrinx (flûtes); L'écriture grecque de cette époque reflète une étude sérieuse de la production des anches et de la technique de jeu. Les Romains jouaient des instruments à anches nommés tibia , avec des trous latéraux qui pouvaient être ouverts ou fermés, permettant une plus grande flexibilité dans les modes de jeu. D'autres instruments couramment utilisés dans la région comprenaient des harpes verticales dérivées de celles de l' Orient , des luths de conception égyptienne, divers tuyaux et orgues, et des claquettes, qui étaient jouées principalement par des femmes.

Les preuves d'instruments de musique utilisés par les premières civilisations de l'Inde font presque totalement défaut, ce qui rend impossible d'attribuer de manière fiable des instruments aux cultures de langue munda et dravidienne qui se sont installées pour la première fois dans la région. Au contraire, l'histoire des instruments de musique dans la région commence avec la civilisation de la vallée de l'Indus qui a émergé vers 3000 av. Divers hochets et sifflets trouvés parmi les artefacts excavés sont la seule preuve physique d'instruments de musique. Une statuette en argile indique l'utilisation de tambours, et l'examen de l' écriture de l'Indus a également révélé des représentations de harpes à arc vertical identiques dans leur conception à celles représentées dans les artefacts sumériens. Cette découverte est parmi de nombreuses indications que la vallée de l'Indus et les cultures sumériennes ont maintenu un contact culturel. Des développements ultérieurs dans les instruments de musique en Inde se sont produits avec le Rigveda , ou hymnes. Ces chansons utilisaient divers tambours, trompettes à coquille, harpes et flûtes. D'autres instruments de premier plan utilisés au cours des premiers siècles de notre ère étaient la double clarinette du charmeur de serpent , la cornemuse , les tambours de baril, les flûtes croisées et les luths courts. En tout, l'Inde n'avait pas d'instruments de musique uniques jusqu'à l' ère post-classique .

Le monumental Bianzhong du marquis Yi de Zeng , v.  5e siècle avant notre ère, du Hubei

Les instruments de musique tels que les cithares sont apparus dans les écrits chinois vers le 12ème siècle avant JC et avant. Les premiers philosophes chinois tels que Confucius (551-479 avant JC), Mencius (372-289 avant JC) et Laozi ont façonné le développement des instruments de musique en Chine, adoptant une attitude envers la musique similaire à celle des Grecs. Les Chinois croyaient que la musique était une partie essentielle du caractère et de la communauté et ont développé un système unique de classification de leurs instruments de musique en fonction de leur composition matérielle.

Les idiophones étaient extrêmement importants dans la musique chinoise, c'est pourquoi la majorité des premiers instruments étaient des idiophones. La poésie de la dynastie Shang mentionne des cloches, des carillons, des tambours et des flûtes globulaires taillées dans l'os, cette dernière ayant été fouillée et conservée par des archéologues. La dynastie Zhou a vu des instruments à percussion tels que des claquettes , des auges, des poissons en bois et des (tigre en bois). Des instruments à vent tels que la flûte, la flûte de pan , la flûte à bec et les orgues à bouche sont également apparus à cette époque. Le xiao (une flûte soufflée ) et divers autres instruments qui se sont répandus dans de nombreuses cultures, sont entrés en usage en Chine pendant et après la dynastie Han .

Carnyx découvert à Tintignac

Bien que les civilisations d'Amérique centrale aient atteint un niveau de sophistication relativement élevé au XIe siècle après JC, elles étaient à la traîne par rapport aux autres civilisations dans le développement des instruments de musique. Par exemple, ils n'avaient pas d'instruments à cordes ; tous leurs instruments étaient des idiophones, des tambours et des instruments à vent tels que des flûtes et des trompettes. Parmi celles-ci, seule la flûte était capable de produire une mélodie. En revanche, les civilisations sud-américaines précolombiennes dans des régions telles que le Pérou , la Colombie , l'Équateur , la Bolivie et le Chili d'aujourd'hui étaient moins avancées culturellement mais plus avancées musicalement. Les cultures sud-américaines de l'époque utilisaient des flûtes de pan ainsi que des variétés de flûtes, d'idiophones, de tambours et de trompettes en coquille ou en bois.

Un instrument qui peut être attesté aux Celtes de l' âge du fer est le carnyx qui est daté d'environ 300 avant JC, l'instrument allongé en forme de trompette dont l'extrémité de la cloche était fabriquée en bronze en forme de tête d'animal hurlant qui était tenue haute. au-dessus de leurs têtes, lorsqu'il était soufflé, le carnyx émettait un son profond et dur, la tête avait également une langue qui cliquait lorsqu'elle vibrait, l'intention de l'instrument était de l'utiliser sur le champ de bataille pour intimider leurs adversaires.

Époque post-classique/Moyen Âge

Au cours de la période vaguement appelée l' ère post-classique et l'Europe en particulier sous le nom de Moyen Âge , la Chine a développé une tradition d'intégration de l'influence musicale d'autres régions. Le premier enregistrement de ce type d'influence remonte à 384 après JC, lorsque la Chine établit un orchestre dans sa cour impériale après une conquête du Turkestan . Des influences du Moyen-Orient, de Perse, d'Inde, de Mongolie et d'autres pays ont suivi. En fait, la tradition chinoise attribue de nombreux instruments de musique de cette période à ces régions et pays. Les cymbales ont gagné en popularité, ainsi que des trompettes, des clarinettes, des pianos, des hautbois, des flûtes, des tambours et des luths plus avancés. Certaines des premières cithares à archet sont apparues en Chine au IXe ou Xe siècle, influencées par la culture mongole.

L'Inde a connu un développement similaire à celui de la Chine à l'époque post-classique ; cependant, les instruments à cordes se sont développés différemment car ils s'adaptaient à différents styles de musique. Alors que les instruments à cordes de la Chine étaient conçus pour produire des sons précis capables de correspondre aux sons des carillons, les instruments à cordes de l'Inde étaient considérablement plus flexibles. Cette flexibilité convenait aux slides et trémolos de la musique hindoue. Le rythme était d'une importance primordiale dans la musique indienne de l'époque, comme en témoigne la représentation fréquente de tambours dans des reliefs datant de l'ère post-classique. L'accent mis sur le rythme est un aspect propre à la musique indienne. Les historiens divisent le développement des instruments de musique dans l'Inde médiévale entre les périodes préislamique et islamique en raison de l'influence différente de chaque période.

L'Alboka a une anche double qui vibre lorsqu'on souffle sur le petit tube. Les tubes régule la mélodie et le grand cor amplifie le son.

À l'époque préislamique, les idiophones tels que les clochettes , les cymbales et les instruments particuliers ressemblant à des gongs sont devenus largement utilisés dans la musique hindoue. L'instrument en forme de gong était un disque de bronze qui était frappé avec un marteau au lieu d'un maillet. Des tambours tubulaires, des cithares à bâton ( veena ), des violons courts, des flûtes doubles et triples, des trompettes enroulées et des cors incurvés sont apparus à cette époque. Les influences islamiques ont apporté de nouveaux types de tambours, parfaitement circulaires ou octogonaux par opposition aux tambours préislamiques irréguliers. L'influence persane a apporté des hautbois et des sitars , bien que les sitars persans aient trois cordes et que la version indienne en ait de quatre à sept. La culture islamique a également introduit des instruments à double clarinette comme l' Alboka (de l'arabe, al-buq ou "cor") aujourd'hui uniquement vivant au Pays basque . Il doit être joué en utilisant la technique de la respiration circulaire.

Un métallophone indonésien

Les innovations musicales d'Asie du Sud-Est incluent celles d'une période d'influence indienne qui s'est terminée vers 920 après JC. La musique balinaise et javanaise utilisait des xylophones et des métallophones , versions en bronze des premiers. L'instrument de musique le plus proéminent et le plus important de l'Asie du Sud-Est était le gong. Alors que le gong est probablement originaire de la zone géographique située entre le Tibet et la Birmanie , il faisait partie de toutes les catégories d'activités humaines en Asie du Sud-Est maritime, y compris Java .

Les régions de la Mésopotamie et de la péninsule arabique connaissent une croissance et un partage rapides des instruments de musique une fois qu'elles ont été unies par la culture islamique au VIIe siècle. Les tambours sur cadre et les tambours cylindriques de différentes profondeurs étaient extrêmement importants dans tous les genres de musique. Les hautbois coniques étaient impliqués dans la musique qui accompagnait les cérémonies de mariage et de circoncision. Les miniatures persanes renseignent sur le développement des timbales en Mésopotamie qui se sont propagées jusqu'à Java. Divers luths, cithares, dulcimers et harpes se sont répandus jusqu'à Madagascar au sud et les Sulawesi modernes à l'est.

Malgré les influences de la Grèce et de Rome, la plupart des instruments de musique en Europe au Moyen Âge provenaient d'Asie. La lyre est le seul instrument de musique qui ait pu être inventé en Europe jusqu'à cette époque. Les instruments à cordes étaient importants dans l'Europe du Moyen Âge. Les régions du centre et du nord utilisaient principalement des luths, des instruments à cordes à manche , tandis que la région du sud utilisait des lyres, qui comportaient un corps à deux bras et une barre transversale. Diverses harpes ont servi l'Europe centrale et du Nord jusqu'en Irlande, où la harpe est finalement devenue un symbole national. Les lyres se sont propagées dans les mêmes régions, aussi loin à l'est que l'Estonie .

La musique européenne entre 800 et 1100 est devenue plus sophistiquée, nécessitant plus fréquemment des instruments capables de polyphonie . Le géographe persan du IXe siècle Ibn Khordadbeh a mentionné dans sa discussion lexicographique des instruments de musique que, dans l' Empire byzantin , les instruments typiques comprenaient l' urghun ( orgue ), le shilyani (probablement un type de harpe ou de lyre ), le salandj (probablement une cornemuse ) et la lyre . La lyre byzantine, un instrument à cordes frottées, est l'ancêtre de la plupart des instruments à archet européens, dont le violon .

Le monocorde servait de mesure précise des notes d'une gamme musicale, permettant des arrangements musicaux plus précis. Les vielles à roue mécaniques permettaient à des musiciens célibataires de jouer des arrangements plus compliqués qu'un violon; les deux étaient des instruments folkloriques de premier plan au Moyen Âge. Les Européens du Sud jouaient des luths courts et longs dont les chevilles s'étendaient sur les côtés, contrairement aux chevilles orientées vers l'arrière des instruments d'Europe centrale et du Nord. Les idiophones tels que les cloches et les claquettes servaient à diverses fins pratiques, telles que l'avertissement de l'approche d'un lépreux .

Le IXe siècle a révélé les premières cornemuses , qui se sont répandues dans toute l'Europe et ont eu de nombreuses utilisations, des instruments folkloriques aux instruments militaires. La construction d' orgues pneumatiques a évolué en Europe à partir de l' Espagne du Ve siècle , s'étendant à l' Angleterre vers 700. Les instruments résultants variaient en taille et en utilisation, des orgues portables portés autour du cou aux grands orgues à tuyaux. Les récits littéraires d'orgues joués dans les abbayes bénédictines anglaises vers la fin du Xe siècle sont les premières références aux organes connectés aux églises. Les joueurs d'anches du Moyen Âge se limitaient aux hautbois ; aucune preuve de clarinettes n'existe pendant cette période.

Moderne

Classique occidental

Renaissance

Le développement des instruments de musique a été dominé par l' Occident à partir de 1400, en effet, les changements les plus profonds se sont produits pendant la période de la Renaissance . Les instruments avaient d'autres buts que d'accompagner le chant ou la danse, et les interprètes les utilisaient comme instruments solistes. Les claviers et les luths se sont développés en tant qu'instruments polyphoniques , et les compositeurs ont arrangé des pièces de plus en plus complexes en utilisant des tablatures plus avancées . Les compositeurs ont également commencé à concevoir des morceaux de musique pour des instruments spécifiques. Dans la seconde moitié du XVIe siècle, l' orchestration est devenue une pratique courante en tant que méthode d'écriture musicale pour une variété d'instruments. Les compositeurs spécifiaient désormais une orchestration où les interprètes individuels appliquaient autrefois leur propre discrétion. Le style polyphonique domine la musique populaire et les facteurs d'instruments réagissent en conséquence.

Le duo , du peintre néerlandais Cornelis Saftleven , ch. 1635. Il montre un violoniste et un joueur de cistre .

À partir de 1400 environ, le rythme de développement des instruments de musique s'est considérablement accéléré, les compositions exigeant des sons plus dynamiques. Les gens ont également commencé à écrire des livres sur la création, le jeu et le catalogage des instruments de musique ; le premier de ces livres était le traité de 1511 de Sebastian Virdung Musica getuscht und ausgezogen ("Musique germanisée et abstraite"). Le travail de Virdung est noté comme étant particulièrement approfondi pour inclure des descriptions d'instruments «irréguliers» tels que les cornes de chasseurs et les cloches de vache, bien que Virdung critique la même chose. D'autres livres suivirent, dont le Spiegel der Orgelmacher und Organisten ("Miroir des fabricants d'orgues et des joueurs d'orgue") d' Arnolt Schlick l'année suivante, un traité sur la facture d'orgues et le jeu d'orgue. Parmi les livres pédagogiques et les références publiés à l'époque de la Renaissance, l'un est connu pour sa description détaillée et sa représentation de tous les instruments à vent et à cordes, y compris leurs tailles relatives. Ce livre, le Syntagma musicum de Michael Praetorius , est maintenant considéré comme une référence faisant autorité sur les instruments de musique du XVIe siècle.

Au XVIe siècle, les facteurs d'instruments de musique ont donné à la plupart des instruments - comme le violon - les "formes classiques" qu'ils conservent aujourd'hui. L'accent mis sur la beauté esthétique s'est également développé; les auditeurs étaient aussi satisfaits de l'apparence physique d'un instrument que de son son. Par conséquent, les constructeurs ont accordé une attention particulière aux matériaux et à la fabrication, et les instruments sont devenus des objets de collection dans les maisons et les musées. C'est à cette époque que les luthiers commencent à construire des instruments du même type de différentes tailles pour répondre à la demande des consorts ou ensembles jouant des œuvres écrites pour ces groupes d'instruments.

Les constructeurs d'instruments ont développé d'autres fonctionnalités qui perdurent aujourd'hui. Par exemple, alors que les orgues à plusieurs claviers et pédaliers existaient déjà, les premiers orgues à jeux solistes sont apparus au début du XVe siècle. Ces jeux étaient censés produire un mélange de timbres, une évolution nécessaire à la complexité de la musique de l'époque. Les trompettes ont évolué vers leur forme moderne pour améliorer la portabilité, et les joueurs ont utilisé des sourdines pour se fondre correctement dans la musique de chambre .

Baroque

À partir du XVIIe siècle, les compositeurs ont commencé à écrire des œuvres à un degré émotionnel plus élevé. Ils ont estimé que la polyphonie convenait mieux au style émotionnel qu'ils visaient et ont commencé à écrire des parties musicales pour des instruments qui compléteraient la voix humaine chantante. En conséquence, de nombreux instruments incapables de gammes et de dynamiques plus grandes, et donc considérés comme sans émotion, sont tombés en disgrâce. L'un de ces instruments était le shawm. Les instruments à archet tels que le violon , l' alto , le baryton et divers luths dominaient la musique populaire. À partir de 1750 environ, cependant, le luth disparaît des compositions musicales au profit de la popularité croissante de la guitare . Au fur et à mesure que la prévalence des orchestres à cordes augmentait, les instruments à vent tels que la flûte, le hautbois et le basson ont été réadmis pour contrer la monotonie d'entendre uniquement les cordes.

Au milieu du XVIIe siècle, ce que l'on appelait le cor du chasseur subit une transformation en un "instrument d'art" composé d'un tube allongé, d'un alésage plus étroit, d'un pavillon plus large et d'une tessiture beaucoup plus large. Les détails de cette transformation ne sont pas clairs, mais le cor moderne ou, plus familièrement, le cor français, était apparu en 1725. La trompette à coulisse est apparue, une variante qui comprend un embout à longue gorge qui glissait vers l'intérieur et vers l'extérieur, permettant au joueur des ajustements infinis. en hauteur . Cette variation de la trompette était impopulaire en raison de la difficulté à en jouer. Les orgues ont subi des changements de tonalité à l'époque baroque, car des fabricants tels qu'Abraham Jordan de Londres ont rendu les jeux plus expressifs et ajouté des dispositifs tels que des pédales expressives. Sachs considérait cette tendance comme une "dégénérescence" du son général de l'orgue.

Classique et Romantique
Wolfgang Amadeus Mozart joue du clavier tandis que son père, Leopold Mozart , joue du violon.

Au cours des périodes musicales classique et romantique , qui durent d'environ 1750 à 1900, de nombreux instruments de musique capables de produire de nouveaux timbres et un volume plus élevé ont été développés et introduits dans la musique populaire. Les changements de conception qui ont élargi la qualité des timbres ont permis aux instruments de produire une plus grande variété d'expressions. Les grands orchestres ont gagné en popularité et, parallèlement, les compositeurs ont décidé de produire des partitions orchestrales entières utilisant les capacités expressives des instruments modernes. Les instruments étant impliqués dans des collaborations à plus grande échelle, leurs conceptions ont dû évoluer pour répondre aux exigences de l'orchestre.

Certains instruments devaient également devenir plus forts pour remplir de plus grandes salles et être entendus par des orchestres de taille. Les flûtes et les instruments à archet ont subi de nombreuses modifications et changements de conception - la plupart infructueux - dans le but d'augmenter le volume. D'autres instruments ont été changés juste pour qu'ils puissent jouer leurs rôles dans les partitions. Les trompettes avaient traditionnellement une gamme "défectueuse" - elles étaient incapables de produire certaines notes avec précision. De nouveaux instruments tels que la clarinette , le saxophone et le tuba sont devenus incontournables dans les orchestres. Des instruments tels que la clarinette se sont également développés en "familles" entières d'instruments capables de différentes gammes : petites clarinettes, clarinettes normales, clarinettes basses, etc.

Un « jeune garçon jouant du violon ».  À côté de lui se trouve une table avec probablement un banjo dessus.
Un « jeune garçon jouant du violon » du comté de Glengarry, en Ontario, extrait [entre 1895 et 1910] du fonds Bartle Brothers aux Archives publiques de l'Ontario.

Accompagnant les changements de timbre et de volume, il y avait un changement dans la hauteur typique utilisée pour accorder les instruments. Les instruments destinés à jouer ensemble, comme dans un orchestre, doivent être accordés sur le même standard, de peur qu'ils ne produisent des sons audiblement différents tout en jouant les mêmes notes. À partir de 1762, la hauteur de concert moyenne a commencé à passer d'un minimum de 377 vibrations à un maximum de 457 en 1880 à Vienne. Différentes régions, pays et même fabricants d'instruments préféraient des normes différentes, ce qui rendait la collaboration orchestrale un défi. Malgré même les efforts de deux sommets internationaux organisés auxquels ont participé des compositeurs renommés comme Hector Berlioz , aucune norme n'a pu être convenue.

XXe siècle à nos jours

Les premières guitares électriques de la marque Fender

L'évolution des instruments de musique traditionnels s'est ralentie à partir du XXe siècle. Des instruments tels que le violon, la flûte, le cor français et la harpe sont en grande partie les mêmes que ceux fabriqués au cours des XVIIIe et XIXe siècles. Des itérations graduelles émergent ; par exemple, la "New Violin Family" a commencé en 1964 à fournir des violons de tailles différentes pour élargir la gamme de sons disponibles. Le ralentissement du développement était une réponse pratique au ralentissement simultané de la taille de l'orchestre et de la salle. Malgré cette tendance des instruments traditionnels, le développement de nouveaux instruments de musique a explosé au XXe siècle, et la variété des instruments développés éclipse toute période antérieure.

La prolifération de l'électricité au XXe siècle a conduit à une nouvelle catégorie d'instruments de musique : les instruments électroniques, ou électrophones . La grande majorité produite dans la première moitié du 20e siècle était ce que Sachs appelait des «instruments électromécaniques»; ils comportent des pièces mécaniques qui produisent des vibrations sonores captées et amplifiées par des composants électriques. Les exemples incluent les orgues Hammond et les guitares électriques . Sachs a également défini une sous-catégorie d'"instruments radioélectriques" tels que le thérémine , qui produit de la musique grâce aux mouvements de la main du joueur autour de deux antennes .

Un synthétiseur Moog Modular 55 de 1975

La seconde moitié du 20e siècle a vu l'évolution des synthétiseurs , qui produisent du son à l'aide de circuits et de micropuces . À la fin des années 1960, Bob Moog et d'autres inventeurs ont développé les premiers synthétiseurs commerciaux, tels que le synthétiseur Moog . Alors qu'ils remplissaient autrefois les salles, les synthétiseurs peuvent désormais être intégrés à n'importe quel appareil électronique et sont omniprésents dans la musique moderne. Les échantillonneurs , introduits vers 1980, permettent aux utilisateurs d' échantillonner et de réutiliser des sons existants, et ont été importants pour le développement du hip hop . 1982 a vu l'introduction du MIDI , un moyen standardisé de synchronisation des instruments électroniques. La prolifération moderne des ordinateurs et des micropuces a créé une industrie des instruments de musique électroniques.

Classification

Il existe de nombreuses méthodes de classification des instruments de musique. Diverses méthodes examinent des aspects tels que les propriétés physiques de l'instrument (matériau, couleur, forme, etc.), l'utilisation de l'instrument, les moyens par lesquels la musique est produite avec l'instrument, la gamme de l'instrument et la place de l'instrument dans un orchestre ou un autre ensemble. La plupart des méthodes sont spécifiques à une zone géographique ou à un groupe culturel et ont été développées pour répondre aux exigences de classification uniques du groupe. Le problème avec ces schémas de classification spécialisés est qu'ils ont tendance à s'effondrer une fois qu'ils sont appliqués en dehors de leur domaine d'origine. Par exemple, un système basé sur l'utilisation d'instruments échouerait si une culture inventait une nouvelle utilisation pour le même instrument. Les chercheurs reconnaissent Hornbostel-Sachs comme le seul système qui s'applique à n'importe quelle culture et, plus important encore, fournit la seule classification possible pour chaque instrument. Les classifications les plus courantes sont les cordes , les cuivres , les bois et les percussions .

Systèmes anciens

Un ancien système hindou nommé Natya Shastra , écrit par le sage Bharata Muni et datant d'entre 200 avant JC et 200 après JC, divise les instruments en quatre principaux groupes de classification : les instruments où le son est produit par des cordes vibrantes ; instruments à percussion à peaux; instruments dont le son est produit par des colonnes d'air vibrantes; et des instruments de percussion "solides", ou sans peau. Ce système était similaire dans une certaine mesure dans l'Europe du XIIe siècle par Johannes de Muris , qui utilisait les termes tensibilia (instruments à cordes), inflatibilia (instruments à vent) et percussibilia (tous les instruments à percussion). En 1880, Victor-Charles Mahillon adapte le Natya Shastra et attribue des étiquettes grecques aux quatre classifications : cordophones (instruments à cordes), membranophones (instruments à percussion à peau), aérophones (instruments à vent) et autophones (instruments à percussion sans peau) .

Hornbostel–Sachs

Erich von Hornbostel et Curt Sachs ont adopté le schéma de Mahillon et ont publié un nouveau schéma complet de classification dans Zeitschrift für Ethnologie en 1914. Hornbostel et Sachs ont utilisé la majeure partie du système de Mahillon, mais ont remplacé le terme autophone par idiophone .

Le système original Hornbostel – Sachs classait les instruments en quatre groupes principaux:

  • Idiophones , qui produisent du son en faisant vibrer le corps principal de l'instrument lui-même ; ils sont classés en idiophones à commotion cérébrale, à percussion, secoués, grattés, fendus et pincés, tels que les claves , le xylophone , le guiro , le tambour à fente , le mbira et le hochet .
  • Membranophones , qui produisent un son en faisant vibrer une membrane étirée ; il peut s'agir de tambours (en outre triés selon la forme de la coque), qui sont frappés à la main, avec un bâton ou frottés, mais des kazoos et d'autres instruments qui utilisent une membrane étirée pour le son principal (pas simplement pour modifier le son produit dans une autre manière) sont également considérés comme des membranophones.
  • Les cordophones , qui produisent un son en faisant vibrer une ou plusieurs cordes ; ils sont triés en fonction de la relation entre la ou les cordes et la table d'harmonie ou la chambre. Par exemple, si les cordes sont disposées parallèlement à la table d'harmonie et qu'il n'y a pas de manche, l'instrument est une cithare qu'il soit pincé comme une autoharpe ou frappé avec des marteaux comme un piano . Si l'instrument a des cordes parallèles à la table d'harmonie ou à la chambre et que les cordes s'étendent au-delà de la table avec un manche, alors l'instrument est un luth , que la chambre sonore soit construite en bois comme une guitare ou utilise une membrane comme un banjo .
  • Les aérophones , qui produisent un son avec une colonne d'air vibrante ; ils sont triés en aérophones libres tels qu'un rhombe ou un fouet , qui se déplacent librement dans l'air ; les aérophones sans roseau tels que les flûtes et les flûtes à bec, qui font passer l'air sur une arête vive ; les instruments à anche, qui utilisent une anche vibrante (cette catégorie peut être subdivisée en deux catégories : les instruments à anche simple et à anche double. Les premiers sont par exemple les clarinettes et les saxophones, tandis que les seconds comprennent les hautbois et les bassons) ; et les aérophones vibrés par les lèvres tels que les trompettes , les trombones et les tubas, pour lesquels les lèvres elles-mêmes fonctionnent comme des anches vibrantes.

Sachs a ensuite ajouté une cinquième catégorie, les électrophones , tels que les thérémines , qui produisent du son par des moyens électroniques. Au sein de chaque catégorie se trouvent de nombreux sous-groupes. Le système a été critiqué et révisé au fil des ans, mais reste largement utilisé par les ethnomusicologues et les organologues .

Schaeffner

André Schaeffner, conservateur au Musée de l'Homme , n'était pas d'accord avec le système Hornbostel-Sachs et a développé son propre système en 1932. Schaeffner croyait que la physique pure d'un instrument de musique, plutôt que sa construction ou sa méthode de jeu spécifique, devrait toujours déterminer son classement. (Hornbostel-Sachs, par exemple, divise les aérophones sur la base de la production sonore, mais les membranophones sur la base de la forme de l'instrument). Son système divise les instruments en deux catégories : les instruments à corps solide et vibrant et les instruments contenant de l'air vibrant.

Intervalle

Les instruments de musique sont aussi souvent classés selon leur tessiture musicale par rapport aux autres instruments de la même famille. Cet exercice est utile pour placer des instruments dans le contexte d'un orchestre ou d'un autre ensemble.

Ces termes sont nommés d'après les classifications des voix chantées :

Certains instruments appartiennent à plus d'une catégorie. Par exemple, le violoncelle peut être considéré comme ténor, baryton ou basse, selon la façon dont sa musique s'intègre dans l'ensemble. Le trombone et le cor français peuvent être alto, ténor, baryton ou basse selon la gamme dans laquelle il est joué. De nombreux instruments ont leur gamme dans le cadre de leur nom : saxophone soprano , saxophone ténor , cor baryton , flûte alto , guitare basse , etc. Des adjectifs supplémentaires décrivent des instruments au-dessus de la gamme soprano ou au-dessous de la basse , par exemple le saxophone sopranino et la clarinette contrebasse . Lorsqu'ils sont utilisés dans le nom d'un instrument, ces termes sont relatifs, décrivant la gamme de l'instrument par rapport aux autres instruments de sa famille et non par rapport à la gamme de voix humaine ou aux instruments d'autres familles. Par exemple, la gamme d'une flûte basse va de C 3 à F ♯ 6 , tandis qu'une clarinette basse joue environ une octave plus bas.

Construction

Kalimba africain fabriqué à partir d'une boîte de conserve

Les matériaux utilisés dans la fabrication d'instruments de musique varient considérablement selon la culture et l'application. De nombreux matériaux ont une signification particulière en raison de leur source ou de leur rareté. Certaines cultures ont travaillé des substances du corps humain dans leurs instruments. Dans l'ancien Mexique, par exemple, les matériaux utilisés pour la fabrication des tambours pouvaient contenir de véritables parties du corps humain obtenues à partir d'offrandes sacrificielles. En Nouvelle-Guinée, les fabricants de tambours mélangeaient du sang humain dans l'adhésif utilisé pour fixer la membrane . Les mûriers sont tenus en haute estime en Chine en raison de leur signification mythologique - les fabricants d'instruments les utilisaient donc pour fabriquer des cithares. Les Yakoutes pensent que la fabrication de tambours à partir d'arbres frappés par la foudre leur confère un lien particulier avec la nature.

Deux kanteles finlandais à cinq cordes . La forme du kantele supérieur est plus traditionnelle, tandis que celle du kantele ci-dessous est légèrement modernisée

La construction d'instruments de musique est un métier spécialisé qui nécessite des années de formation, de pratique et parfois un apprentissage. La plupart des fabricants d'instruments de musique se spécialisent dans un genre d'instruments ; par exemple, un luthier ne fabrique que des instruments à cordes. Certains ne fabriquent qu'un seul type d'instrument, comme un piano. Quel que soit l'instrument construit, le facteur d'instruments doit tenir compte des matériaux, de la technique de construction et de la décoration, créant un instrument équilibré à la fois fonctionnel et esthétique. Certains constructeurs se concentrent sur une approche plus artistique et développent des instruments de musique expérimentaux , souvent destinés à des styles de jeu individuels développés par le constructeur lui-même.

Les interfaces des utilisateurs

La console détachée à cinq manuels et 522 jeux de la chapelle de l'Académie navale des États-Unis, conçue par RA Colby, Inc.

Indépendamment de la façon dont le son est produit, de nombreux instruments de musique ont un clavier comme interface utilisateur. Les instruments à clavier sont tous les instruments qui sont joués avec un clavier musical , qui est une rangée de petites touches sur lesquelles on peut appuyer. Chaque touche génère un ou plusieurs sons ; la plupart des instruments à clavier ont des moyens supplémentaires ( pédales pour un piano, jeux et clavier à pédales pour un orgue) pour manipuler ces sons. Ils peuvent produire du son par vent soufflé ( orgue ) ou pompé ( accordéon ), cordes vibrantes martelées ( piano ) ou pincées ( clavecin ), par des moyens électroniques ( synthétiseur ) ou d'une autre manière. Parfois, des instruments qui n'ont généralement pas de clavier, comme le glockenspiel , en sont équipés. Bien qu'ils n'aient pas de pièces mobiles et soient frappés par des maillets tenus dans les mains du joueur, ils ont la même disposition physique des touches et produisent des ondes sonores de la même manière. Le thérémine , un électrophone , est joué sans contact physique par le joueur. Le thérémine détecte la proximité des mains du joueur, ce qui déclenche des changements dans son son. Plus récemment, un clavier de contrôleur MIDI utilisé avec une station de travail audio numérique peut avoir un clavier musical et une banque de curseurs, de boutons et de boutons qui modifient de nombreux paramètres sonores d'un synthétiseur .

Instrumentaliste

Une personne qui joue d'un instrument de musique est connue sous le nom d'instrumentiste ou de musicien instrumental . De nombreux instrumentistes sont connus pour jouer des instruments de musique spécifiques tels que guitariste ( guitare ), pianiste ( piano ), bassiste ( basse ) et batteur ( batterie ). Ces différents types d'instrumentistes peuvent jouer ensemble dans un groupe de musique. Une personne capable de jouer de plusieurs instruments est appelée multi-instrumentiste. Selon David Baskerville dans le livre Music Business Handbook and Career Guide , les heures de travail d'un instrumentiste à temps plein peuvent ne représenter en moyenne que trois heures par jour, mais la plupart des musiciens y consacrent au moins quarante heures par semaine.

Voir également

Remarques

Références

Lectures complémentaires

  • Wade-Matthews, Max (2003). Instruments de musique : Encyclopédie illustrée . Lorenz. ISBN 978-0-7548-1182-4.
  • Association de la bibliothèque musicale (1974). Comité des collections d'instruments de musique. Une enquête sur les collections d'instruments de musique aux États-Unis et au Canada , menée par un comité de la Music Library Association, William Lichtenwanger, président et compilateur, éd. et produit par James W. Pruitt. Ann Arbor, Michigan : Association des bibliothèques musicales. XI, p. 137, ISBN  0-914954-00-8
  • West, ML (mai 1994). "La notation musicale babylonienne et les textes mélodiques hurriens". Musique & Lettres . 75 (2): 161–179. doi : 10.1093/ml/75.2.161 .

Liens externes