Non - Noh

Théâtre Nôgaku
Noh3.jpg
Spectacle de au sanctuaire d'Itsukushima
Pays Japon
Domaines Arts performants
Référence 12
Région Asie et Pacifique
Historique des inscriptions
Une inscription 2008 (3ème session)
Lister Représentant
Patrimoine culturel de l'Unesco logo.svg

Noh (, , dérivé du mot sino-japonais pour « compétence » ou « talent ») est une forme majeure de danse- drame japonaise classique qui a été jouée depuis le 14ème siècle. Développé par Kan'ami et son fils Zeami , c'est le plus ancien grand art théâtral qui est encore régulièrement joué aujourd'hui. Bien que les termes Noh et nōgaku soient parfois utilisés de manière interchangeable, nōgaku englobe à la fois Noh et kyōgen . Traditionnellement, un programme complet de nōgaku comprenait plusieurs pièces de théâtre nô avec des pièces comiques de kyōgen entre les deux ; un programme abrégé de deux pièces de nô avec une pièce de kyōgen est devenu courant aujourd'hui. En option, la performance rituelle Okina peut être présentée au tout début de la présentation du nōgaku .

Nô est souvent basé sur des contes de la littérature traditionnelle avec un être surnaturel transformé en forme humaine en héros racontant une histoire. Noh intègre des masques, des costumes et divers accessoires dans une performance basée sur la danse, nécessitant des acteurs et des musiciens hautement qualifiés. Les émotions sont principalement véhiculées par des gestes conventionnels stylisés tandis que les masques emblématiques représentent les rôles tels que les fantômes, les femmes, les divinités et les démons. Écrit en japonais moyen tardif , le texte « décrit de manière vivante les gens ordinaires du XIIe au XVIe siècles ». Mettant fortement l'accent sur la tradition plutôt que sur l'innovation, Noh est extrêmement codifié et réglementé par le système iemoto .

Histoire

La plus ancienne scène nô du monde à Miyajima
Vêtement Karaori , époque Edo, XVIIIe siècle, motif bambou et chrysanthème sur fond damier rouge et blanc

Origines

Le kanji pour Noh () signifie « compétence », « artisanat » ou « talent », en particulier dans le domaine des arts de la scène dans ce contexte. Le mot Noh peut être utilisé seul ou avec gaku (; divertissement, musique) pour former le mot nōgaku . Le nô est une tradition classique très appréciée par beaucoup aujourd'hui. Lorsqu'il est utilisé seul, le nô fait référence au genre historique de théâtre qui est né du sarugaku au milieu du XIVe siècle et continue d'être joué aujourd'hui.

L'un des plus anciens précurseurs du nô et du kyōgen est le sangaku ( :ja ), qui a été introduit au Japon depuis la Chine au VIIIe siècle. À l'époque, le terme sangaku désignait divers types de performances mettant en scène des acrobates, des chants et des danses ainsi que des sketchs comiques. Son adaptation ultérieure à la société japonaise a conduit à l'assimilation d'autres formes d'art traditionnelles. » Divers réalisation des éléments d'art dans sangaku ainsi que des éléments de dengaku (fêtes rurales réalisées dans le cadre de la plantation de riz), sarugaku (divertissement populaire , y compris l' acrobatie, la jonglerie, et pantomime), shirabyōshi (danses traditionnelles exécutées par des danseuses à la cour impériale au XIIe siècle), gagaku (musique et danse exécutées à la cour impériale à partir du VIIe siècle) et kagura (anciennes danses shintoïstes dans les contes populaires) sont devenues Noh et kyōgen .

Des études sur la généalogie des acteurs Nô au 14ème siècle indiquent qu'ils étaient membres de familles spécialisées dans les arts du spectacle. Selon la légende, l'école Konparu, considérée comme la plus ancienne tradition de Nô, a été fondée par Hata no Kawakatsu au 6ème siècle. Cependant, le fondateur de l'école Konparu, qui est largement acceptée parmi les historiens, était Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) pendant la période Nanboku-chō au 14ème siècle. Selon le tableau généalogique de l'école Konparu, Bishaō Gon no Kami est un descendant après 53 générations de Hata no Kawakatsu. L'école Konparu descendait de la troupe sarugaku qui avait joué un rôle actif à Kasuga-taisha et Kofuku-ji dans la province de Yamato .

Une autre théorie, de Shinhachirō Matsumoto, suggère que Noh est issu de parias luttant pour revendiquer un statut social plus élevé en s'adressant à ceux au pouvoir, à savoir la nouvelle classe de samouraïs au pouvoir de l'époque. Le transfert du shogunat de Kamakura à Kyoto au début de la période Muromachi marqua la montée en puissance de la classe des samouraïs et renforça les relations entre le shogunat et la cour. Noh est devenu le shōgun ' forme d'art préférée s, Noh a pu devenir une forme d'art courtisan à travers cette relation nouvellement formée. Au 14ème siècle, avec un fort soutien et mécénat de shōgun Ashikaga Yoshimitsu , Zeami a pu établir Nô comme la forme d'art la plus importante théâtre du temps.

La création du Nô par Kan'ami et Zeami

Au 14ème siècle, pendant la période Muromachi (1336 à 1573), Kan'ami Kiyotsugu et son fils Zeami Motokiyo ont réinterprété divers arts du spectacle traditionnels et ont complété le Nô sous une forme très différente de la forme traditionnelle, amenant essentiellement le Nô à la forme actuelle. Kan'ami était un acteur de renom doté d'une grande polyvalence, jouant des rôles allant de femmes gracieuses et de garçons de 12 ans à des hommes forts. Lorsque Kan'ami a présenté son travail pour la première fois à Ashikaga Yoshimitsu , 17 ans , Zeami était un enfant acteur dans sa pièce, vers 12 ans. pour Yoshimitsu par la suite.

Konparu Zenchiku , qui était l'arrière-petit-fils de Bishaō Gon no Kami, le fondateur de l'école Konparu et le mari de la fille de Zeami, a incorporé des éléments de waka (poésie) dans le Nô de Zeami et l'a développé davantage.

A cette époque, parmi les cinq grandes écoles de Nô, quatre furent établies : l' école Kanze , établie par Kan'ami et Zeami ; l' école Hōshō créée par le frère aîné de Kan'ami, l'école Konparu ; et l'école Kongō. Toutes ces écoles étaient des descendants de la troupe de sarugaku de la province de Yamato. Le shogunat Ashikaga ne soutenait que l'école Kanze parmi les quatre écoles.

L'ère Tokugawa

Au cours de la période Edo, le nô a continué à être une forme d'art aristocratique soutenue par le shogun , les seigneurs féodaux ( daimyos ), ainsi que par des roturiers riches et sophistiqués. Alors que le kabuki et le joruri populaires auprès de la classe moyenne se concentraient sur les divertissements nouveaux et expérimentaux, Noh s'efforçait de préserver ses normes élevées établies et son authenticité historique et est resté pratiquement inchangé tout au long de l'époque. Pour capturer l'essence des performances données par de grands maîtres, chaque détail des mouvements et des positions a été reproduit par d'autres, entraînant généralement un tempo cérémoniel de plus en plus lent au fil du temps.

À cette époque, le shogunat Tokugawa a nommé l'école Kanze à la tête des quatre écoles. Kita Shichidayū (Shichidayū Chōnō), un acteur nô de l'école Konparu qui a servi Tokugawa Hidetada , a fondé l'école Kita, qui était la dernière des cinq écoles principales.

Nô moderne après l'ère Meiji

Au théâtre Nô, 1891 par Ogata Gekkō

La chute du shogunat Tokugawa en 1868 et la formation d'un nouveau gouvernement modernisé ont entraîné la fin du soutien financier de l'État, et l'ensemble du domaine de Nô a connu une crise financière majeure. Peu de temps après la restauration de Meiji, le nombre d'interprètes et de scènes de nô a considérablement diminué. Le soutien du gouvernement impérial a finalement été regagné en partie grâce à l'appel de Nô aux diplomates étrangers. Les compagnies qui sont restées actives tout au long de l' ère Meiji ont également considérablement élargi la portée de Noh en s'adressant au grand public, se produisant dans des théâtres de grandes villes telles que Tokyo et Osaka .

En 1957, le gouvernement japonais a désigné le nōgaku comme bien culturel immatériel important , ce qui offre un certain degré de protection juridique à la tradition ainsi qu'à ses praticiens les plus accomplis. Le Théâtre National Nô fondé par le gouvernement en 1983 met en scène des représentations régulières et organise des cours pour former des acteurs aux rôles principaux du nōgaku . Le nô a été inscrit en 2008 sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l'humanité par l'UNESCO en tant que théâtre Nōgaku.

Bien que les termes nōgaku et Noh soient parfois utilisés de manière interchangeable, la définition du gouvernement japonais du théâtre « nōgaku » englobe à la fois les pièces de théâtre de n et les pièces de kyōgen . Kyōgen est joué entre les pièces de Nô dans le même espace. Par rapport au Nô, " le kyōgen s'appuie moins sur l'utilisation de masques et est dérivé des pièces humoristiques du sangaku , comme en témoignent ses dialogues comiques ".

Les femmes en nô

Pendant la période Edo , le système de guilde s'est progressivement resserré, ce qui excluait largement les femmes du nô, à l'exception de certaines femmes (comme les courtisanes ) interprétant des chansons dans des situations marginales. Plus tard, à l' ère Meiji , les interprètes de Noh enseignaient aux riches et aux nobles, ce qui a donné plus d'opportunités aux interprètes féminines parce que les femmes insistaient pour avoir des enseignantes. Au début des années 1900, après que les femmes ont été autorisées à rejoindre l'école de musique de Tokyo , les règles interdisant aux femmes de rejoindre diverses écoles et associations de nô ont été assouplies. En 1948, les premières femmes ont rejoint l'Association des artistes de Nohgaku. En 2004, les premières femmes ont rejoint l'Association for Japanese Noh Plays. En 2007, le National Noh Theatre a commencé à présenter chaque année des programmes réguliers par des interprètes féminines. En 2009, il y avait environ 1200 hommes et 200 femmes interprètes de Nô professionnels.

Jo-ha-kyô

Le concept de jo-ha-kyū dicte pratiquement tous les éléments du nô, y compris la compilation d'un programme de pièces de théâtre, la structuration de chaque pièce, les chants et les danses dans les pièces et les rythmes de base de chaque représentation de nô. Jo signifie début, ha signifie rupture et kyū signifie rapide ou urgent. Le terme est originaire du gagaku , ancienne musique de cour, pour indiquer un tempo progressivement croissant et a été adopté dans diverses traditions japonaises, notamment le nô, la cérémonie du thé, la poésie et les compositions florales.

Jo-ha-kyū est incorporé dans le programme traditionnel de cinq pièces de Nô. Le premier jeu est jo , les deuxième, troisième et quatrième jeux sont ha et le cinquième jeu est kyū . En fait, les cinq catégories discutées ci - dessous ont été créées pour que le programme représente jo-ha-kyū lorsqu'une pièce de chaque catégorie est sélectionnée et jouée dans l'ordre. Chaque pièce peut être divisée en trois parties, l'introduction, le développement et la conclusion. Une pièce commence dans un tempo lent à jo , devient légèrement plus rapide à ha , puis culmine à kyū .

Interprètes et rôles

Kanze Sakon (観世左近, 1895-1939), chef ( sōke ) de l' école Kanze

Les comédiens commencent leur formation dès le plus jeune âge, traditionnellement à l'âge de trois ans.

Entraînement

Zeami a isolé neuf niveaux ou types de Nô agissant à partir de degrés inférieurs qui mettent l'accent sur le mouvement et la violence à des degrés supérieurs qui représentent l'ouverture d'une fleur et des prouesses spirituelles.

En 2012, il existe cinq écoles de théâtre Nô appelées écoles Kanze (観世), Hōshō (宝生), Komparu (金春), Kongō (金剛) et Kita (喜多) qui forment des acteurs shite . Chaque école a sa propre famille iemoto qui porte le nom de l'école et est considérée comme la plus importante. L' iemoto détient le pouvoir de créer de nouvelles pièces ou de modifier les paroles et les modes de performance. Les acteurs Waki sont formés dans les écoles Takayasu (高安), Fukuou (福王) et Hōshō (宝生). Il existe deux écoles qui forment le kyōgen , Ōkura (大蔵) et Izumi (和泉). 11 écoles forment des instrumentistes, chaque école étant spécialisée dans un à trois instruments.

L'Association des artistes de Nohgaku ( Nōgaku Kyōkai ), à laquelle tous les professionnels sont inscrits, protège strictement les traditions transmises par leurs ancêtres (voir iemoto ). Cependant, plusieurs documents secrets de l'école Kanze écrits par Zeami, ainsi que des matériaux de Konparu Zenchiku , ont été diffusés dans toute la communauté des savants du théâtre japonais.

Les rôles

Nô étape. Centre : merde ; avant droit : waki ; à droite : jiutai (choeur) à huit membres ; centre arrière : quatre hayashi-kata (musiciens) ; arrière gauche : deux kōken (mains de scène).

Il existe quatre grandes catégories d'interprètes de Nô : shite , waki , kyōgen et hayashi .

  1. Merde (仕手, シテ). Shite est le protagoniste principal ou le rôle principal dans les pièces de théâtre. Dans les pièces où le shite apparaît d'abord en tant qu'humain puis en tant que fantôme, le premier rôle est connu sous le nom de mae-shite et le second sous celui de nochi-shite .
    • Shitetsure (仕手連れ, シテヅレ). Le compagnon de merde . Parfois, shitetsure est abrégé en tsure (連れ, ツレ), bien que ce terme désigne à la fois le shitetsure et le wakitsure .
    • Les Kōken (後見) sont des machinistes, généralement une à trois personnes.
    • Jiutai (地謡) est le chœur, composé généralement de six à huit personnes.
  2. Waki (脇, ワキ) joue le rôle qui est la contrepartie ou le repoussoir du shite .
    • Wakitsure (脇連れ, ワキヅレ) ou Waki-tsure est le compagnon du waki .
  3. Kyōgen (狂言) exécute les aikyōgen (間狂言), qui sont des intermèdes pendant les pièces. Les acteurs de Kyōgen jouent également dans des pièces séparées entre les pièces de nô individuelles.
  4. Hayashi (囃子) ou hayashi-kata (囃子方) sont les instrumentistes qui jouent des quatre instruments utilisés dans le théâtre Nô : la flûte traversière (, fue ) , le tambour de hanche (大鼓, ōtsuzumi ) ou ōkawa (大皮) , l' épaule- tambour (小鼓, kotsuzumi ) , et le bâton-tambour (太鼓, taiko ) . La flûte utilisée pour le nô est spécifiquement appelée nōkan ou nohkan (能管) .

Une pièce typique de Nô implique toujours le chœur, l'orchestre et au moins un acteur shite et un waki .

Éléments de performance

La performance de Noh combine une variété d'éléments dans un ensemble stylistique, chaque élément particulier étant le produit de générations de raffinement selon les aspects centraux bouddhistes, shintoïstes et minimalistes des principes esthétiques de Noh.

Masques

Pas de masques. À droite : Esprit ivre ( shōjō ). Fabriqué en bois laqué rouge et noir, avec cordon de serrage en soie rouge, par Himi Munetada (氷見宗忠). Période Edo, XIXe siècle. À gauche : Nakizo, représentant une divinité féminine ou une femme de haut rang, associée à des pièces de théâtre Nō telles que Hagoromo et Ohara Miyuki. Fabriqué en bois laqué et peint par Norinari (憲成), conçu par Zoami (増阿弥). 18e-19e siècle.
Trois images du même masque féminin montrant comment l'expression change avec une inclinaison de la tête. Ce masque exprime différentes humeurs. Sur ces photos, le masque était apposé sur un mur avec un éclairage constant, et seule la caméra bougeait.
Masque nô de type hannya . XVIIe ou XVIIIe siècle. Bien culturel réputé important .

Les masques Nô (能面nō-men ou 面omote ) sont sculptés dans des blocs de cyprès japonais (檜 " hinoki "), et peints avec des pigments naturels sur une base neutre de colle et de coquillage croqué. Il existe environ 450 masques différents, pour la plupart basés sur une soixantaine de types, tous portant des noms distinctifs. Certains masques sont représentatifs et fréquemment utilisés dans de nombreuses pièces différentes, tandis que d'autres sont très spécifiques et ne peuvent être utilisés que dans une ou deux pièces. Les masques Noh signifient le sexe, l'âge et le rang social des personnages, et en portant des masques, les acteurs peuvent représenter des jeunes, des vieillards, des femmes ou des personnages non humains ( divins , démoniaques ou animaux ). Seul le shite , l'acteur principal, porte un masque dans la plupart des pièces, même si le tsure peut également porter un masque dans certaines pièces pour représenter des personnages féminins.

Même si le masque couvre les expressions faciales d'un acteur, l'utilisation du masque dans Nô n'est pas un abandon total des expressions faciales. Son intention est plutôt de styliser et de codifier les expressions faciales grâce à l'utilisation du masque et de stimuler l'imagination du public. En utilisant des masques, les acteurs sont capables de transmettre des émotions de manière plus contrôlée à travers des mouvements et un langage corporel. Certains masques utilisent un effet de lumière pour transmettre différentes émotions grâce à une légère inclinaison de la tête. Faire face légèrement vers le haut, ou "éclaircir" le masque, permettra au masque de capturer plus de lumière, révélant plus de traits qui semblent rire ou sourire. Le fait de faire face vers le bas, ou de "l'assombrir", fera paraître le masque triste ou fou.

Les masques nô sont précieux pour les familles et les institutions nô, et les puissantes écoles nô détiennent les masques nô les plus anciens et les plus précieux dans leurs collections privées, rarement vues par le public. Le masque le plus ancien est censé être conservé comme un trésor caché par la plus ancienne école, le Konparu. Selon le directeur actuel de l'école Konparu, le masque a été sculpté par le légendaire prince régent Shōtoku (572-622) il y a plus de mille ans. Bien que l'exactitude historique de la légende du masque du prince Shōtoku puisse être contestée, la légende elle-même est ancienne car elle est enregistrée pour la première fois dans le style de Zeami et la fleur écrite au 14ème siècle. Certains des masques de l'école Konparu appartiennent au Musée national de Tokyo , et y sont exposés fréquemment.

Organiser

Un théâtre Nô contemporain avec une structure couverte à l'intérieur
Un théâtre Nô contemporain avec une structure couverte à l'intérieur
1 : hashigakari. 2: point kyōgen. 3 : agents de scène. 4: bâton tambour. 5: tambour de hanche. 6 : tambour d'épaule. 7 : flûte. 8 : chœur. 9 : siège waki . 10 : tache de waki . 11 : point de merde . 12 : shite-bashira . 13 : metsuke-bashira . 14 : waki-bashira . 15 : fue-bashira .

La scène Nô traditionnelle ( butai ) a une ouverture totale qui offre une expérience partagée entre les interprètes et le public tout au long de la représentation. Sans proscenium ni rideaux pour obstruer la vue, le public voit chaque acteur même pendant les moments avant qu'ils entrent (et après qu'ils sortent) de la « scène » centrale ( honbutai , « scène principale »). Le théâtre lui-même est considéré comme symbolique et traité avec respect tant par les artistes que par le public.

L'une des caractéristiques les plus reconnaissables de la scène Nô est son toit indépendant qui surplombe la scène même dans les théâtres d'intérieur. Soutenu par quatre colonnes, le toit symbolise le caractère sacré de la scène, avec sa conception architecturale dérivée du pavillon de culte ( haiden ) ou du pavillon de la danse sacrée ( kagura-den ) des sanctuaires shintoïstes . Le toit unifie également l'espace du théâtre et définit la scène comme une entité architecturale.

Les piliers soutenant le toit sont nommés shitebashira (pilier du personnage principal), metsukebashira (pilier du regard), wakibashira (pilier du personnage secondaire) et fuebashira (pilier de flûte), respectivement dans le sens des aiguilles d'une montre à partir de la droite de la scène. Chaque pilier est associé aux interprètes et à leurs actions.

La scène est entièrement faite de hinoki inachevé , cyprès japonais, avec presque aucun élément décoratif. Le poète et romancier Tōson Shimazaki écrit que « sur la scène du théâtre Nô, il n'y a pas de décors qui changent avec chaque pièce. Il n'y a pas non plus de rideau. Il n'y a qu'un simple panneau ( kagami-ita ) avec une peinture d'un pin vert arbre. Cela crée l'impression que tout ce qui pourrait fournir de l'ombre a été banni. Briser une telle monotonie et faire bouger les choses n'est pas chose facile. "

Une autre caractéristique unique de la scène est le hashigakari , un pont étroit à l'arrière de la scène utilisé par les acteurs pour entrer sur scène. Hashigakari signifie "pont suspendu", signifiant quelque chose d'aérien qui relie deux mondes séparés sur un même niveau. Le pont symbolise la nature mythique des pièces de théâtre Nô dans lesquelles apparaissent fréquemment des fantômes et des esprits d'un autre monde. En revanche, hanamichi dans les théâtres Kabuki est littéralement un chemin ( michi ) qui relie deux espaces dans un même monde, a donc une signification complètement différente.

Déguisements

Costume Noh ( Kariginu ) avec des carreaux et des conques. Période Edo, XVIIIe siècle, Musée national de Tokyo

Les acteurs de Noh portent des costumes en soie appelés shozoku (robes) ainsi que des perruques, des chapeaux et des accessoires tels que l'éventail. Avec des couleurs saisissantes, une texture élaborée, un tissage et des broderies complexes, les robes Noh sont de véritables œuvres d'art à part entière. Les costumes pour le shite en particulier sont des brocarts de soie extravagants et chatoyants, mais sont de moins en moins somptueux pour le tsure, le wakizure et l' aikyōgen .

Pendant des siècles, conformément à la vision de Zeami, les costumes Nô ont imité les vêtements que les personnages porteraient véritablement, tels que les robes de cérémonie pour un courtisan et les vêtements de ville pour un paysan ou un roturier. Mais à la fin du XVIe siècle, les costumes se sont stylisés avec certaines conventions symboliques et stylistiques. Pendant la période Edo (Tokugawa), les robes élaborées données aux acteurs par les nobles et les samouraïs de la période Muromachi ont été développées en tant que costumes.

Les musiciens et le chœur portent généralement un kimono montsuki formel (noir et orné de cinq emblèmes familiaux) accompagnés d'un hakama (un vêtement en forme de jupe) ou d'un kami-shimo , une combinaison de hakama et d'un gilet aux épaules exagérées. Enfin, les préposés à la scène sont vêtus de vêtements noirs pratiquement sans fioritures, un peu à la manière des machinistes du théâtre occidental contemporain.

Accessoires

L'utilisation d'accessoires dans Noh est minimaliste et stylisée. L'accessoire le plus couramment utilisé dans Nô est l' éventail , car il est porté par tous les interprètes, quel que soit leur rôle. Les choristes et les musiciens peuvent porter leur éventail à la main en entrant sur scène, ou le porter rentré dans l' obi (la ceinture). L'éventail est généralement placé à côté de l'interprète lorsqu'il prend position et n'est souvent repris qu'à la sortie de la scène. Pendant les séquences de danse, l'éventail est généralement utilisé pour représenter tous les accessoires à main, tels qu'une épée, une cruche à vin, une flûte ou un pinceau. L'éventail peut représenter divers objets au cours d'une même pièce.

Lorsque des accessoires manuels autres que des ventilateurs sont utilisés, ils sont généralement introduits ou récupérés par kuroko qui remplit un rôle similaire à celui de l'équipe de scène dans le théâtre contemporain. Comme leurs homologues occidentaux, les préposés à la scène pour Nô s'habillent traditionnellement en noir, mais contrairement au théâtre occidental, ils peuvent apparaître sur scène pendant une scène, ou peuvent rester sur scène pendant toute une représentation, dans les deux cas à la vue du public. Le costume tout noir de kuroko implique qu'ils ne font pas partie de l'action sur scène et sont effectivement invisibles.

Les pièces de théâtre en nô, telles que les bateaux, les puits, les autels et les cloches, sont généralement montées sur scène avant le début de l'acte pour lequel elles sont nécessaires. Ces accessoires ne sont normalement que des contours pour suggérer des objets réels, bien que la grande cloche, une exception perpétuelle à la plupart des règles Nô pour les accessoires, soit conçue pour dissimuler l'acteur et permettre un changement de costume pendant l' interlude kyōgen .

Chant et musique

Hayashi-kata (musiciens de noh). De gauche à droite : taiko , ōtsuzumi (tambour de hanche), kotsuzumi (tambour d'épaule), flûte .

Le théâtre nô est accompagné d'un chœur et d'un ensemble hayashi ( Noh-bayashi能囃子). Nô est un drame chanté, et quelques commentateurs l'ont surnommé « opéra japonais ». Cependant, le chant en nô implique une gamme tonale limitée, avec de longs passages répétitifs dans une gamme dynamique étroite. Les textes sont poétiques, s'appuyant fortement sur le rythme japonais sept-cinq commun à presque toutes les formes de poésie japonaise , avec une économie d'expression et une abondance d'allusions. Les parties chantées du Noh sont appelées " Utai " et les parties parlées " Kataru ". La musique a de nombreux espaces blancs ( ma ) entre les sons réels, et ces espaces blancs négatifs sont en fait considérés comme le cœur de la musique. En plus de l' utai , l' ensemble Noh hayashi se compose de quatre musiciens, également connus sous le nom de "hayashi-kata", dont trois batteurs, qui jouent respectivement le shime-daiko , l' ōtsuzumi (tambour de hanche) et le kotsuzumi (tambour d'épaule) et un flûtiste nohkan .

Le chant n'est pas toujours exécuté « dans le caractère » ; c'est-à-dire que parfois l'acteur dira des lignes ou décrira des événements du point de vue d'un autre personnage ou même d'un narrateur désintéressé. Loin de casser le rythme de la représentation, cela correspond en fait à l'atmosphère d'un autre monde de nombreuses pièces de nô, en particulier dans celles qualifiées de mugen .

Pièces

Sur les quelque 2000 pièces créées pour le nô qui sont connues aujourd'hui, environ 240 constituent le répertoire actuel joué par les cinq écoles de nô existantes. Le répertoire actuel est fortement influencé par le goût de la classe aristocratique de la période Tokugawa et ne reflète pas nécessairement la popularité parmi les roturiers. Il existe plusieurs façons de classer les pièces de nô.

Sujet

Toutes les pièces de nô peuvent être classées en trois grandes catégories.

  • Genzai Noh (現在能, "présent Noh") présente des personnages humains et les événements se déroulent selon une chronologie linéaire au sein de la pièce.
  • Mugen Noh (夢幻能, "Nô surnaturel") implique des mondes surnaturels, mettant en scène des dieux, des esprits, des fantômes ou des fantasmes dans le rôle de merde . Le temps est souvent décrit comme s'écoulant de manière non linéaire , et l'action peut basculer entre deux ou plusieurs périodes d'un instant à l'autre, y compris les flashbacks.
  • Ryōkake Noh (両掛能, "Nô mixte"), bien que quelque peu rare, est un hybride de ce qui précède, le premier acte étant Genzai Noh et le deuxième acte Mugen Noh.

Alors que Genzai Noh utilise des conflits internes et externes pour générer des scénarios et faire ressortir des émotions, Mugen Noh se concentre sur l'utilisation de flashbacks du passé et du défunt pour invoquer des émotions.

Style de performance

De plus, toutes les pièces de nô peuvent être classées selon leur style.

  • Geki Noh (劇能) est une pièce de théâtre basée sur l'avancement de l'intrigue et la narration de l'action.
  • Furyū Noh (風流能) n'est guère plus qu'une pièce de danse caractérisée par une action scénique élaborée, impliquant souvent des acrobaties, des propriétés scéniques et de multiples personnages.

Thème

Okina hōnō (dédicace de Noh jouer A Venerable Old Man ) le jour du Nouvel An

Toutes les pièces de nô sont divisées par leurs thèmes dans les cinq catégories suivantes. Cette classification est considérée comme la plus pratique et est encore utilisée dans les choix de programmation formels aujourd'hui. Traditionnellement, un programme formel de 5 jeux est composé d'une sélection de chacun des groupes.

  1. Kami mono (神物, dieu joue) ou waki Noh (脇能) présentent généralement le shite dans le rôle d'une divinité pour raconter l'histoire mythique d'un sanctuaire ou louer un dieu particulier. Beaucoup d'entre eux structurés en deux actes, la divinité prend une forme humaine déguisée dans le premier acte et révèle le vrai soi dans le deuxième acte. (par exemple Takasago , Chikubushima )
  2. Shura mono (修羅物, guerrier joue) ou ashura Noh (阿修羅能) tire son nom du monde souterrain bouddhiste . Le protagoniste apparaissant comme le fantôme d'un célèbre samouraï plaide auprès d'un moine pour le salut et le drame se termine par une reconstitution glorieuse de la scène de sa mort dans un costume de guerre complet. (par exemple Tamura , Atsumori )
  3. Katsura mono (鬘物, pièces de perruque) ou onna mono (女物, pièces de femmes) dépeignent la merde dans un rôle féminin et présentent certaines des chansons et danses les plus raffinées de tout Noh, reflétant les mouvements fluides et fluides représentant des personnages féminins . (par exemple Basho , Matsukaze )
  4. Il y a environ 94 pièces "diverses" jouées traditionnellement à la quatrième place dans un programme de cinq pièces. Ces pièces comprennent les sous-catégories kyōran mono (狂乱物, pièces de folie), onryō mono (怨霊物, pièces de fantôme vengeur ), genzai mono (現在物, pièces présentes), ainsi que d'autres. (par exemple Aya no tsuzumi , Kinuta )
  5. Kiri Noh (切り能, pièces finales) ou oni mono (鬼物, pièces démoniaques) présentent généralement le shite dans le rôle de monstres, de gobelins ou de démons, et sont souvent sélectionnés pour leurs couleurs vives et leurs mouvements finaux rapides et tendus. Kiri Noh est joué le dernier dans un programme de cinq pièces. Il y a environ 30 pièces dans cette catégorie, dont la plupart sont plus courtes que les pièces des autres catégories.

En plus des cinq ci-dessus, Okina (翁) (ou Kamiuta ) est fréquemment joué au tout début du programme, en particulier au Nouvel An, aux vacances et à d'autres occasions spéciales. Combinant la danse avec le rituel shintoïste , il est considéré comme le plus ancien type de jeu Nô.

Pièces célèbres

La catégorisation suivante est celle de l' école Kanze .

Nom Kanji Sens Catégorie
Aoi no Ue ?? Dame Aoi 4 (divers)
Aya no Tsuzumi ?? Le tambour damassé 4 (divers)
Dōjōji ?? Temple de Dōjō 4 (divers)
Hagoromo ?? Le manteau de plumes 3 (femme)
Izutsu ?? Le berceau du puits 3 (femme)
Matsukaze ?? Le vent dans les pins 3 (femme)
Sekidera Komachi ?? Komachi au temple Seki 3 (femme)
Shōjō ?? L'elfe renversant 5 (démon)
Sotoba Komachi ?? Komachi au poste funéraire 3 (femme)
Takasago ?? A Takasago 1 (divinité)
Yorimasa ?? Yorimasa 2 (guerrier)

Influence en Occident

De nombreux artistes occidentaux ont été influencés par le nô.

Praticiens du théâtre

  • Eugenio Barba  – Entre 1966 et 1972, les maîtres japonais du nô Hideo Kanze et Hisao Kanze ont donné des séminaires sur le nô au laboratoire théâtral Barba de Holstebro . Barba étudia principalement les aspects physiques du Nô.
  • Samuel Beckett  - Yoshihiko Ikegami considère En attendant Godot de Beckett comme une parodie de Noh, en particulier Kami Noh, dans laquelle un dieu ou un esprit apparaît devant un personnage secondaire en tant que protagoniste. Ikegami soutient que « le conflit dramatique qui était très présent dans Yeats est si complètement écarté que le théâtre de Beckett (où « rien ne se passe ») en vient à ressembler encore plus à Noh que celui de Yeats. »
  • Bertolt Brecht  – Selon Maria P. Alter, Brecht a commencé à lire des pièces de théâtre japonaises au milieu des années vingt et a lu au moins 20 pièces de nô traduites en allemand en 1929. Der Jasager de Brecht est une adaptation d'une pièce de nô Taniko . Brecht lui-même a identifié Die Massnahme comme une adaptation de la pièce de Nô.
  • Peter Brook  – Yoshi Oida, un acteur japonais formé au nô, a commencé à travailler avec Brook dans leur production de The Tempest en 1968. Oida a ensuite rejoint la compagnie de Brook.
  • Paul Claudel  – Selon John Willet, Paul Claudel a entendu parler de Nô pendant qu'il était ambassadeur de France au Japon. L'opéra Christophe Colomb de Claudel montre une influence indéniable du Nô.
  • Jacques Copeau  – En 1923, Copeau travaille à une pièce de nô, Kantan, avec Suzanne Bing au Théâtre du Vieux-Colombier , sans jamais avoir vu une pièce de nô. Thomas Leabhart déclare que « Jacques Copeau a été attiré instinctivement par goût et tendance vers un théâtre sobre qui était basé sur la spiritualité. » Copeau a fait l'éloge du théâtre nô par écrit lorsqu'il a finalement vu une production en 1930.
  • Jacques Lecoq  – Le théâtre physique enseigné à L'École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq fondé par Lecoq est influencé par le Nô.
  • Eugene O'Neill  - Les pièces d'O'Neill, The Iceman Cometh , Long Day's Journey Into Night et Hughie présentent diverses similitudes avec les pièces de Noh.
  • Thornton Wilder  - Wilder lui-même a exprimé son intérêt pour Noh dans sa "Préface" à Three Plays et sa sœur Isabel Wilder a également confirmé ses intérêts. Le travail de Wilder Our Town incorpore divers éléments de Noh tels que le manque d'intrigue, les personnages représentatifs et l'utilisation de fantômes. .

Compositeurs

  • William Henry Bell  - Un compositeur anglais Bell a écrit la musique pour la présentation moderne de plusieurs pièces de nô, dont Komachi (1925), Tsuneyo des trois arbres (1926), Hatsuyuki (1934), L'oreiller de Kantan (1935) et Kageyiko (1936 ).
  • Benjamin Britten  – Britten s'est rendu au Japon en 1956 et a vu pour la première fois des pièces de théâtre japonaises sur le nô, qu'il a qualifiées de « certains des drames les plus merveilleux que j'aie jamais vus ». Les influences ont été vues et entendues dans son ballet Le prince des pagodes (1957) et plus tard dans deux des trois "Paraboles pour la performance d'église" semi-opératiques : Curlew River (1964) et The Prodigal Son (1968).
  • David Byrne  – Byrne a rencontré Noh lorsqu'il était en tournée au Japon avec Talking Heads et il s'est inspiré des pratiques très stylisées de Noh, complètement différentes de ses homologues occidentaux qui se concentrent sur le naturalisme . Selon Josh Kun, "le théâtre japonais Noh l'a inspiré pour concevoir le costume d'affaires surdimensionné qui est devenu un élément visuel essentiel des spectacles en direct de Talking Heads".
  • Alan Watts  - philosophe du 20e siècle, les notes de pochette de sa troisième chanson de l'album de 1962 "This is IT" déclarent "Watts in a Japanese no-noh".
  • Harry Partch  - Partch a appelé son travail Delusion of the Fury "une toile rituelle". Kate Molleson a écrit pour ' The Guardian que " le récit est un mélange lugubre de théâtre nô japonais, de mythologie populaire éthiopienne, de drame grec et de sa propre imagination farfelue ". Will Salmon cite Partch lui-même en train d'écrire : « Le nô a été pendant des siècles un art raffiné, l'un des plus sophistiqués que le monde ait connu. Delusion of the Fury incorpore deux pièces de Noh, Atsumori de Zeami et Ikuta de Zenbō Motoyasu, dans son histoire.
  • Karlheinz Stockhausen  - Le livret essentiellement sans intrigue du grand cycle d'opéra de Stockhausen Licht ("Lumière") est basé sur "une mythologie s'appuyant sur de multiples traditions culturelles, du théâtre Nô japonais au folklore allemand".
  • Iannis Xenakis  - Xenakis "admirait Nô, la forme théâtrale vénérable connue pour sa formalité rituelle et sa complexité gestuelle". Electronic Music Foundation a présenté Xenakis & Japan en mars 2010, « un événement de danse/musique soulignant l'intérêt de longue date de Xenakis pour la musique et le théâtre japonais ». L'événement mettait en vedette une interprète féminine de Noh, Ryoko Aoki.

Poètes

  • William Butler Yeats  – Yeats a écrit un essai sur le nô intitulé "Certaines pièces nobles du Japon" en 1916. Autant il a essayé d'apprendre le nô, autant les ressources disponibles en Angleterre à l'époque étaient limitées. Le manque de compréhension complète de Noh l'a amené à créer des œuvres innovantes guidées par sa propre imagination et ce qu'il fantasmait sur Noh. Yeats a écrit quatre pièces fortement influencées par Noh, utilisant pour la première fois des fantômes ou des êtres surnaturels comme personnage central du dramatis . Les pièces sont At the Hawk's Well , The Dreaming of the Bones , The Words on the Window-Fane et Purgatory .

Terminologie esthétique

Zeami et Zenchiku décrivent un certain nombre de qualités distinctes qui sont considérées comme essentielles à la bonne compréhension du Nô en tant que forme d'art.

  • Hana (花, fleur) : Dans le Kadensho (Instructions sur la posture de la fleur), Zeami décrit hana en disant « après avoir maîtrisé les secrets de toutes choses et épuisé les possibilités de chaque appareil, le hana qui ne disparaît jamais demeure. » Le véritable interprète de Nô cherche à cultiver une relation raréfiée avec son public semblable à la façon dont on cultive les fleurs. Ce qui est remarquable à propos de hana, c'est que, comme une fleur, elle est destinée à être appréciée par n'importe quel public, peu importe à quel point son éducation est élevée ou grossière. Hana se présente sous deux formes. Le hana individuelest la beauté de la fleur de la jeunesse, qui passe avec le temps, tandis que le « vrai hana » est la fleur de la création et du partage de la beauté parfaite à travers la performance.
  • Yūgen (幽玄, sublimité profond) : Yūgen est un concept apprécié dans diverses formes d'art à travers la culture japonaise. Utilisé à l'origine pour signifier l'élégance ou la grâce représentant la beauté parfaite en waka , yūgen est la beauté invisible qui est ressentie plutôt que vue dans une œuvre d'art. Le terme est utilisé spécifiquement en relation avec Nô pour désigner la beauté profonde du monde transcendantal, y compris la beauté lugubre impliquée dans la tristesse et la perte.
  • Rōjaku (老弱) : signifie vieux, et jaku signifie tranquille et calme. Rōjaku est la dernière étape du développement de la performance de l'acteur nô, dans laquelle il élimine toute action ou son inutile dans la performance, ne laissant que la véritable essence de la scène ou de l'action imitée.
  • Kokoro ou shin (les deux 心) : défini comme « coeur », « esprit » ou les deux. Le kokoro de noh est ce dont Zeami parle dans ses enseignements, et est plus facilement défini comme "l'esprit". Pour développer hana, l'acteur doit entrer dans un état de non-mental, ou mushin .
  • Myō (妙) : le « charme » d'un acteur qui joue parfaitement et sans aucun sens de l'imitation ; il devient effectivement son rôle.
  • Monomane (物真似, imitation ou mimesis) : l'intention d'un acteur de Nô de représenter avec précision les mouvements de son rôle, par opposition aux raisons purement esthétiques d'abstraction ou d'embellissement. Monomane est parfois contrasté avec yūgen , bien que les deux représentent les extrémités d'un continuum plutôt que d'être complètement séparés.
  • Kabu-ishin (歌舞一心, "chant-danse-un cœur") : la théorie selon laquelle le chant (y compris la poésie) et la danse sont les deux moitiés d'un même tout, et que l'acteur nô s'efforce de jouer les deux avec une unité de cœur totale et l'esprit.

Théâtres Nô existants

Le nô est encore régulièrement joué aujourd'hui dans des théâtres publics ainsi que dans des théâtres privés principalement situés dans les grandes villes. Il existe plus de 70 théâtres Nô à travers le Japon, présentant à la fois des productions professionnelles et amateurs.

Les théâtres publics comprennent le Théâtre National Noh (Tokyo), le Théâtre Nagoya Noh et le Théâtre Noh d'Osaka. Chaque école de nô a son propre théâtre permanent, comme le théâtre Kanze Noh (Tokyo), le théâtre Hosho Noh (Tokyo), le théâtre Kongo Noh ( Kyoto ) et le théâtre Nara Komparu Noh ( Nara ). De plus, il existe divers théâtres préfectoraux et municipaux situés dans tout le Japon qui présentent des compagnies professionnelles en tournée et des compagnies amateurs locales. Dans certaines régions, des Noh régionaux uniques comme Ogisai Kurokawa Noh se sont développés pour former des écoles indépendantes de cinq écoles traditionnelles.

Étiquette du public

L'étiquette du public est généralement similaire au théâtre occidental formel : le public regarde tranquillement. Les surtitres ne sont pas utilisés, mais certains spectateurs suivent le livret . Parce qu'il n'y a pas de rideaux sur la scène, le spectacle commence avec l'entrée des acteurs sur scène et se termine avec leur sortie de scène. Les lumières de la maison sont généralement allumées pendant les performances, créant une atmosphère intime qui offre une expérience partagée entre les artistes et le public.

A la fin de la pièce, les acteurs défilent lentement (le plus important d'abord, avec des écarts entre les acteurs), et tandis qu'ils sont sur le pont ( hashigakari ), le public applaudit avec retenue. Entre les acteurs, les applaudissements cessent, puis recommencent lorsque l'acteur suivant s'en va. Contrairement au théâtre occidental, il n'y a pas d'archet et les acteurs ne reviennent pas sur scène après en être sortis. Une pièce peut se terminer avec le personnage shite quittant la scène dans le cadre de l'histoire (comme dans Kokaji, par exemple) - plutôt que de se terminer avec tous les personnages sur scène - auquel cas on applaudit lorsque le personnage sort.

Pendant l'entracte, du thé , du café et des wagashi (bonbons japonais) peuvent être servis dans le hall. À l'époque d'Edo, lorsque Noh était une affaire d'une journée, des makunouchi ' bentō (幕の内弁当, « boîte à lunch entre deux actes ») étaient servis. Lors d'occasions spéciales, lorsque la représentation est terminée, お神酒 ( o-miki, saké de cérémonie ) peut être servi dans le hall à la sortie, comme cela se produit dans les rituels shintoïstes .

Le public est assis devant la scène, sur le côté gauche de la scène et dans le coin avant gauche de la scène ; ceux-ci sont classés par ordre décroissant de désirabilité. Alors que le pilier metsuke-bashira obstrue la vue de la scène, les acteurs sont principalement dans les coins, pas au centre, et donc les deux allées sont situées là où les vues des deux acteurs principaux seraient obscurcies, assurant une vue généralement claire quel que soit le de sièges.

Voir également

Les références

Lectures complémentaires

  • Brandon, James R. (éd.) (1997). Nō et kyōgen dans le monde contemporain. (Préface de Ricardo D. Trimillos) Honolulu : University of Hawaiʻi Press.
  • Brazell, Karen (1998). Théâtre japonais traditionnel : une anthologie de pièces de théâtre. New York : Columbia University Press.
  • Eckersley. M. (éd.) (2009). Drame de la jante . Melbourne : Drame Victoria.CS1 maint : texte supplémentaire : liste des auteurs ( lien )
  • Ortolani, Benito; Leiter, Samuel L. (éd.) (1998). Zeami et le théâtre Nō dans le monde. New York : Center for Advanced Study in Theatre Arts, CUNY.
  • Livre, Esdras ; Fenollosa, Ernest (1959). Le théâtre nô classique du Japon . New York : Édition de Nouvelles Directions.
  • Tyler, Royall (éd. et traduction) (1992). Drames japonais Nō. Londres : Livres de Pingouin . ISBN  0-14-044539-0 .
  • Waley, Arthur (2009). Nô joue du Japon . Tuttle Shokai Inc. ISBN  4-8053-1033-2 , ISBN  978-4-8053-1033-5 .
  • Yasuda, Noboru (2021). Noh comme art vivant : À l'intérieur de la plus ancienne tradition théâtrale du Japon (Première édition anglaise). Tokyo : Fondation japonaise de l'industrie de l'édition pour la culture. ISBN 978-4-86658-178-1.
  • Zeami Motokiyo (1984). Sur l'Art du Drame Nō : Les Traités Majeurs de Zeami. Trans. J. Thomas Rimer . Éd. Masakazu Yamazaki. Princeton, New Jersey : Princeton UP.

Liens externes