Op art - Op art
L'op art , abréviation d' art optique , est un style d' art visuel qui utilise des illusions d'optique .
Les œuvres d'art op sont abstraites, avec de nombreuses pièces plus connues créées en noir et blanc. Typiquement, ils donnent au spectateur l'impression de mouvement, d'images cachées, de motifs clignotants et vibrants, ou de gonflement ou de déformation.
Histoire
Les antécédents de l'op art, en termes d'effets graphiques et de couleurs, remontent au néo-impressionnisme , au cubisme , au futurisme , au constructivisme et à Dada . László Moholy-Nagy a produit de l'art photographique et a enseigné le sujet au Bauhaus . Une de ses leçons consistait à faire faire à ses élèves des trous dans des cartes puis à les photographier.
Le magazine Time a inventé le terme op art en 1964, en réponse à l'exposition Optical Paintings de Julian Stanczak à la Martha Jackson Gallery , pour désigner une forme d'art abstrait (en particulier l'art non objectif) qui utilise des illusions d'optique. Des œuvres maintenant décrites comme « op art » avaient été produites pendant plusieurs années avant l' article de Time de 1964. Par exemple,le tableau Zèbres de Victor Vasarely (1938) est entièrement composé debandes noires et blanches curvilignes non contenues par des lignes de contour. Par conséquent, les rayures semblent à la fois se fondre et jaillir du fond environnant. De plus, les premiers panneaux "éblouissants" en noir et blanc que John McHale a installés à l'exposition This Is Tomorrow en 1956 et sasérie Pandora à l' Institute of Contemporary Arts en 1962 démontrent des tendances artistiques proto-op. Martin Gardner a présenté l'art op et sa relation avec les mathématiques dans sa chronique de juillet 1965 sur les jeux mathématiques dans Scientific American . En Italie, Franco Grignani , qui a d'abord suivi une formation d'architecte, est devenu une force de premier plan du design graphique où l'op art ou l'art cinétique était central. Son logo Woolmark (lancé en Grande-Bretagne en 1964) est probablement le plus célèbre de tous ses designs.
L'op art dérive peut-être plus étroitement des pratiques constructivistes du Bauhaus . Cette école allemande, fondée par Walter Gropius , mettait l'accent sur la relation entre forme et fonction dans un cadre d'analyse et de rationalité. Les élèves ont appris à se concentrer sur la conception globale ou la composition entière pour présenter des œuvres unifiées. L'op art relève aussi du trompe-l'œil et de l' anamorphose . Des liens avec la recherche psychologique ont également été faits, notamment avec la théorie de la Gestalt et la psychophysiologie . Lorsque le Bauhaus a été contraint de fermer en 1933, nombre de ses instructeurs ont fui aux États-Unis. Là, le mouvement a pris racine à Chicago et finalement au Black Mountain College à Asheville, en Caroline du Nord , où Anni et Josef Albers ont finalement enseigné.
Les artistes op ont ainsi réussi à exploiter divers phénomènes », écrit Popper, « l'image rémanente et le mouvement consécutif ; interférence de ligne; l'effet d'éblouissement ; figures ambiguës et perspective réversible ; contrastes de couleurs et vibrations chromatiques successifs ; et dans les œuvres tridimensionnelles, différents points de vue et la superposition d'éléments dans l'espace.
En 1955, pour l'exposition Mouvements à la galerie Denise René à Paris, Victor Vasarely et Pontus Hulten promeuvent dans leur « Manifeste jaune » de nouvelles expressions cinétiques basées sur des phénomènes optiques et lumineux ainsi que sur l'illusionnisme de la peinture. L'expression art cinétique sous cette forme moderne est apparue pour la première fois au Museum für Gestaltung de Zürich en 1960, et a trouvé ses principaux développements dans les années 1960. Dans la plupart des pays européens, il comprend généralement la forme d'art optique qui utilise principalement des illusions d'optique , comme l'op art, ainsi que l'art basé sur le mouvement représenté par Yacov Agam , Carlos Cruz-Diez , Jesús Rafael Soto , Gregorio Vardanega ou Nicolas. Schöffer . De 1961 à 1968, le Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV) fondé par François Morellet , Julio Le Parc , Francisco Sobrino , Horacio Garcia Rossi, Yvaral , Joël Stein et Vera Molnár était un collectif d'artistes opto-cinétiques qui— selon son manifeste de 1963, fait appel à la participation directe du public ayant une influence sur son comportement, notamment par l'utilisation de labyrinthes interactifs .
Certains membres du groupe Nouvelle tendance (1961-1965) en Europe se sont également engagés dans l'op art comme Almir Mavignier et Gerhard von Graevenitz , principalement avec leurs sérigraphies. Ils ont étudié les illusions d'optique. Le terme op a irrité de nombreux artistes étiquetés sous ce terme, notamment Albers et Stanczak. Ils avaient discuté dès la naissance du terme d'une meilleure étiquette, à savoir l'art perceptif . À partir de 1964, Arnold Schmidt ( Arnold Alfred Schmidt ) a présenté plusieurs expositions personnelles de ses grandes peintures optiques en noir et blanc à la Terrain Gallery de New York.
L'œil réactif
En 1965, entre le 23 février et le 25 avril, une exposition intitulée The Responsive Eye , créée par William C. Seitz, s'est tenue au Museum of Modern Art de New York et a été présentée à St. Louis, Seattle, Pasadena et Baltimore. Les œuvres présentées étaient très variées, englobant le minimalisme de Frank Stella et Ellsworth Kelly , la plasticité douce d' Alexander Liberman , les efforts de collaboration du groupe Anonima , aux côtés des célèbres Victor Vasarely , Richard Anuszkiewicz , Wen-Ying Tsai , Bridget Riley et Getulio Alviani . L'exposition s'est concentrée sur les aspects perceptifs de l'art, qui résultent à la fois de l'illusion du mouvement et de l'interaction des relations entre les couleurs.
L'exposition est un succès auprès du public (plus de 180 000 visiteurs), mais moins auprès de la critique. Les critiques ont rejeté l'op art comme ne représentant rien de plus qu'un trompe-l'œil , ou des tours qui trompent l'œil. Quoi qu'il en soit, l'op art, bien que l'acceptation du public ait augmenté, et les images d'op art ont été utilisées dans un certain nombre de contextes commerciaux. L'une des premières œuvres de Brian de Palma était un film documentaire sur l'exposition.
Mode opératoire
Le noir et blanc et la relation figure-fond
L'op art est une expérience perceptive liée au fonctionnement de la vision. C'est un art visuel dynamique qui découle d'une relation figure-fond discordante qui met les deux plans - premier plan et arrière-plan - dans une juxtaposition tendue et contradictoire. Les artistes créent de l'art op de deux manières principales. La première méthode, la plus connue, consiste à créer des effets à travers des motifs et des lignes. Souvent, ces peintures sont en noir et blanc , ou en nuances de gris ( grisaille )—comme dans les premières peintures de Bridget Riley telles que Current (1964), sur la couverture du catalogue The Responsive Eye . Ici, des lignes ondulées noires et blanches sont proches les unes des autres sur la surface de la toile, créant une relation figure-fond volatile. Getulio Alviani a utilisé des surfaces en aluminium, qu'il a traitées pour créer des motifs lumineux qui changent au fur et à mesure que l'observateur se déplace (surfaces texturées vibrantes). Une autre réaction qui se produit est que les lignes créent des images rémanentes de certaines couleurs en raison de la façon dont la rétine reçoit et traite la lumière. Comme Goethe le démontre dans son traité Théorie des couleurs , à la limite où la lumière et l'obscurité se rencontrent, la couleur surgit parce que la clarté et l'obscurité sont les deux propriétés centrales dans la création de la couleur.
Couleur
À partir de 1965, Bridget Riley a commencé à produire de l'op art basé sur la couleur; cependant, d'autres artistes, tels que Julian Stanczak et Richard Anuszkiewicz , ont toujours été intéressés à faire de la couleur l'objectif principal de leur travail. Josef Albers a enseigné à ces deux pratiquants primaires de l'école "Color Function" à Yale dans les années 1950. Souvent, le travail des coloristes est dominé par les mêmes préoccupations de mouvement figure-fond, mais ils ont en plus l'élément de couleurs contrastées qui produisent des effets différents sur l'œil. Par exemple, dans les peintures "temple" d'Anuszkiewicz, la juxtaposition de deux couleurs très contrastées provoque une impression de profondeur dans l'espace tridimensionnel illusionniste, de sorte qu'il semble que la forme architecturale envahit l'espace du spectateur.
Victor Vasarely , Kezdi-Ga, 1970, Sérigraphie, Tirage à 250 exemplaires, 20 × 20 pouces
Harmonie intrinsèque , par Richard Anuszkiewicz, 1965
Interaction des couleurs
Il existe trois grandes classes de l'interaction de la couleur: contraste simultané , contraste successif , et contraste inverse (ou assimilation) . (i) Un contraste simultané peut se produire lorsqu'une zone de couleur est entourée d'une autre zone d'une couleur différente. En général, le contraste améliore la différence de luminosité et/ou de couleur entre les zones d'interaction. De tels effets de contraste sont mutuels, mais si la zone environnante est plus grande et plus intense que la zone qu'elle renferme, alors le contraste est en conséquence déséquilibré et peut sembler s'exercer dans une seule direction. (ii) En contraste successif, d'abord une couleur est visualisée, puis une autre. Ceci peut être réalisé soit en fixant l'œil de manière constante sur une couleur puis en remplaçant rapidement cette couleur par une autre, soit en déplaçant la fixation d'une couleur à une autre. (iii) En contraste inversé (parfois appelé assimilation de la couleur ou effet d'étalement), la clarté du blanc ou l'obscurité du noir peuvent sembler se propager dans les régions voisines. De même, les couleurs peuvent sembler se répandre ou s'assimiler dans les zones voisines. Tous les effets tendent à rendre les zones voisines plus semblables, plutôt qu'à accentuer leurs différences comme dans le contraste simultané plus familier, d'où le terme de contraste inversé (Jameson et Hurvich). Notez que dans l'interaction des couleurs, les couleurs constitutives conservent une grande partie de leur propre identité même si elles peuvent être quelque peu altérées par le contraste.
— Floyd Ratliff, "La théorie de la couleur et la pratique de la peinture"
Des expositions
- L'Œil moteur : Art optique et cinétique 1960-1975 , Musée d'art moderne et contemporain, Strasbourg, France, 13 mai-25 septembre 2005.
- Op Art , Schirn Kunsthalle, Francfort, Allemagne, 17 février-20 mai 2007.
- The Optical Edge , The Pratt Institute of Art, New York, du 8 mars au 14 avril 2007.
- Optic Nerve: Perceptual Art of the 1960s , Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, 16 février-17 juin 2007.
- CLE OP: Cleveland Op Art Pioneers , Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio, 9 avril 2011–26 février 2012
- Bridget Riley a eu plusieurs expositions internationales (par exemple Dia Center, New York, 2000 ; Tate Britain, Londres, 2003 ; Museum of Contemporary Art, Sydney, 2004).
Voir également
- Liste des artistes op
- Divisionnisme
- Art cinétique
- Binakael (motifs similaires dans les textiles traditionnels philippins)
- Illusion de Chubb
- Illusion douce de maïs
- Objet impossible
- Chasseur de lilas
- MC Escher
- Bandes de mach
- Perception multistable
- Illusion d'optique
- Éblouissement de motif
- la perception
- Illusion de même couleur
- Trompe-l'œil
- Zéro (art)
Les références
Bibliographie
- Frank Popper , Origines et développement de l'art cinétique , New York Graphic Society/Studio Vista, 1968
- Frank Popper, De l'art technologique à l'art virtuel , Leonardo Books, MIT Press, 2007
- Seitz, William C. (1965). L'œil réactif (PDF) . New York : Musée d'Art Moderne. Catalogue d'exposition.CS1 maint: postscript ( lien )