Art de la performance - Performance art

Le travail conceptuel par Yves Klein Rue Bernard-Gentil, Fontenay-aux-Roses, Octobre 1960. Le Saut dans le vide ( saut dans le vide ).

L'art de la performance est une œuvre d'art ou une exposition d'art créée par des actions exécutées par l'artiste ou d'autres participants. Elle peut être en direct, à travers la documentation, spontanée ou écrite, présentée à un public dans un contexte des Beaux-Arts , traditionnellement interdisciplinaire. Également connu sous le nom d' action artistique , il s'est développé au fil des ans comme un genre à part entière dans lequel l'art est présenté en direct. Il a joué un rôle important et fondamental dans l'art d'avant-garde du XXe siècle.

Elle implique quatre éléments fondamentaux : le temps, l'espace, le corps et la présence de l'artiste, et la relation entre le créateur et le public. Les actions, généralement développées dans les galeries d'art et les musées, peuvent se dérouler dans la rue, dans tout type de cadre ou d'espace et à toute époque. Son but est de susciter une réaction, parfois avec l'appui de l'improvisation et du sens de l'esthétique. Les thèmes sont généralement liés aux expériences de vie de l'artiste lui-même, ou au besoin de dénonciation ou de critique sociale et avec un esprit de transformation.

Les termes « performance art » et « performance » se sont largement répandus dans les années 1970, même si l'histoire de la performance en arts visuels remonte aux productions futuristes et aux cabarets des années 1910. Les principaux pionniers de l'art de la performance sont Carolee Schneemann , Marina Abramović , Ana Mendieta , Chris Burden , Hermann Nitsch , Joseph Beuys , Nam June Paik , Yves Klein et Vito Acconci . Certains des principaux représentants plus récemment sont Tania Bruguera , Abel Azcona , Regina José Galindo , Tehching Hsieh , Marta Minujín et Petr Pavlensky . La discipline est liée au happening , au mouvement Fluxus , au body art et à l'art conceptuel .

Définition

Georgia O'Keeffe , photographiée lors d'un processus performatif

La définition et la contextualisation historique et pédagogique de l'art de la performance sont controversées. Un des handicaps vient du terme lui-même, qui est polysémique, et une de ses significations concerne les arts scéniques. Cette signification de la performance dans le contexte des arts scéniques est opposée à la signification de l'art de la performance, puisque l'art de la performance a émergé avec une position critique et antagoniste envers les arts scéniques. L'art de la performance ne jouxte les arts scéniques que dans certains aspects tels que le public et le corps présent, et toutes les œuvres d'art de la performance ne contiennent toujours pas ces éléments.

Le sens du terme au sens étroit est lié aux traditions postmodernistes de la culture occidentale. Du milieu des années 1960 environ aux années 1970, souvent dérivé de concepts d'art visuel, en ce qui concerne Antonin Artaud , Dada , les situationnistes , Fluxus , l' art de l'installation et l'art conceptuel, l'art de la performance a eu tendance à être défini comme une antithèse au théâtre, contester les formes d'art orthodoxes et les normes culturelles. L'idéal avait été une expérience éphémère et authentique pour l'artiste et le public dans un événement qui ne pouvait être répété, capturé ou acheté. La différence largement discutée, comment les concepts des arts visuels et les concepts des arts de la scène sont utilisés, peut déterminer les significations d'une présentation d'art de la performance.

L'art de la performance est un terme généralement réservé pour désigner un art conceptuel qui véhicule un sens basé sur le contenu dans un sens plus dramatique, plutôt que d'être une simple performance en soi à des fins de divertissement. Il se réfère en grande partie à une performance présentée à un public, mais qui ne cherche pas à présenter une pièce de théâtre conventionnelle ou un récit linéaire formel, ou qui alternativement ne cherche pas à dépeindre un ensemble de personnages fictifs dans des interactions scénarisées formelles. Il peut donc inclure l'action ou la parole comme communication entre l'artiste et le public, ou même ignorer les attentes d'un public, plutôt que de suivre un script écrit au préalable.

Certains types d'art de la performance peuvent néanmoins être proches des arts de la scène. Une telle performance peut utiliser un script ou créer un cadre dramatique fictif, mais constitue toujours un art de la performance en ce sens qu'elle ne cherche pas à suivre la norme dramatique habituelle consistant à créer un cadre fictif avec un script linéaire qui suit la dynamique conventionnelle du monde réel ; plutôt, il chercherait intentionnellement à faire la satire ou à transcender les dynamiques habituelles du monde réel qui sont utilisées dans les pièces de théâtre conventionnelles.

Les artistes de performance mettent souvent le public au défi de penser de manière nouvelle et non conventionnelle, de briser les conventions des arts traditionnels et de briser les idées conventionnelles sur « ce qu'est l'art ». Tant que l'interprète ne devient pas un acteur qui répète un rôle, l'art de la performance peut inclure des éléments satiriques ; utiliser des robots et des machines comme interprètes, comme dans les pièces des Laboratoires de recherche sur la survie ; impliquer des éléments ritualisés (par exemple Shaun Caton ) ; ou emprunter des éléments de tout art du spectacle comme la danse, la musique et le cirque .

Certains artistes, par exemple les actionnistes viennois et les néo-dadaïstes , préfèrent utiliser les termes « art vivant », « art d'action », « actions », « intervention » (voir intervention artistique ) ou « manœuvre » pour décrire leurs activités de spectacle. Au fur et à mesure que les genres d'art de la performance apparaissent , l'art corporel , le fluxus-performance, le happening , la poésie d'action et l' intermedia .

Origines

El Cabaret Voltaire sur la rue Spiegelgasse 1 à Zurich , 2011

L'art de la performance est une forme d'expression qui est née comme une manifestation artistique alternative. La discipline a émergé en 1916 parallèlement au dadaïsme, sous l'égide de l'art conceptuel. Le mouvement était dirigé par Tristan Tzara , l'un des pionniers de Dada . Les théoriciens de la culture occidentale ont établi les origines de l'art de la performance au début du 20e siècle, avec le constructivisme , le futurisme et le dadaïsme. Dada était une source d'inspiration importante en raison de leurs actions poétiques, qui s'éloignaient des conventionnalismes, et les artistes futuristes, en particulier certains membres du futurisme russe , pouvaient également être identifiés comme faisant partie du processus de démarrage de l'art de la performance.

Plaque originale du Cabaret Voltaire à Zurich
Affiche originale de la première fonction du Cabaret Voltaire créée par Marcel Slodki (1916)

Cabaret Voltaire

Le Cabaret Voltaire a été fondé à Zurich (Suisse) par le couple Hugo Ball et Emmy Hennings à des fins artistiques et politiques et était un lieu d'exploration de nouvelles tendances. Situées à l'étage supérieur d'un théâtre, dont ils se moquaient des expositions dans leurs spectacles, les œuvres interprétées dans le cabaret étaient avant-gardistes et expérimentales. On pense que le mouvement Dada a été fondé dans un local de dix mètres carrés. D'ailleurs, les surréalistes, dont le mouvement descendait directement du dadaïsme, se réunissaient au Cabaret. Au cours de sa brève existence - à peine six mois, clôturant l'été 1916 - le Manifeste dadaïste a été lu et a organisé les premières actions, performances et présentations hybrides de poésie, d'art plastique, de musique et d'action répétitive dada. Des fondateurs tels que Richard Huelsenbeck , Marcel Janco , Tristan Tzara , Sophie Taeuber-Arp et Jean Arp ont participé à des événements provocateurs et scandaleux qui étaient fondamentaux et à la base de la fondation du mouvement anarchiste appelé Dada.

Inauguration de la première exposition Dada : International Dada Fair, Berlin, 5 juin 1920. De gauche à droite : Raoul Hausmann , Hannah Höch (assis), Otto Burchard, Johannes Baader , Wieland Herzfelde , Margarete Herzfelde, Dr. Oz (Otto Schmalhausen), George Grosz et John Heartfield .

Le dadaïsme est né avec l'intention de détruire tout système ou norme établie dans le monde de l'art. C'est un mouvement anti-art, anti-littéraire et anti-poésie, qui a remis en question l'existence même de l'art, de la littérature et de la poésie. C'était non seulement une manière de créer, mais de vivre ; il a créé une toute nouvelle idéologie. C'était contre la beauté éternelle, l'éternité des principes, les lois de la logique, l'immobilité de la pensée et clairement contre tout ce qui est universel. Il prônait le changement, la spontanéité, l'immédiateté, la contradiction, l'aléatoire et la défense du chaos contre l'ordre et de l'imperfection contre la perfection, des idées proches de celles de l'art de la performance. Ils ont défendu la provocation, la protestation anti-art et le scandale, par des moyens d'expression souvent satiriques et ironiques. L'absurde ou le manque de valeur et le chaos ont protagonisé leurs actions de rupture avec la forme artistique traditionnelle.

De gauche à droite, les futuristes Benedikt Lifshits, Nikolái Burluik, Vladímir Mayakovski, David Burliuk et Alekséi Kruchónyj. Entre 1912 et 1913.
Bâtiment Bauhaus Dessau , 2005

Futurisme

Le futurisme était un mouvement artistique d' avant-garde apparu en 1909. Il a d'abord commencé comme un mouvement littéraire, même si la plupart des participants étaient des peintres. Au début, il comprenait également la sculpture, la photographie, la musique et le cinéma. La Première Guerre mondiale met fin au mouvement, même si en Italie il se prolonge jusque dans les années 1930. L'un des pays où il a eu le plus d'impact était la Russie. En 1912 des manifestes comme le Manifeste de la sculpture futuriste et l' Architecture futuriste voient le jour, et en 1913 le Manifeste de la luxure futuriste de Valentine de Saint-Point , danseuse, écrivaine et artiste française. Les futuristes diffusent leurs théories à travers des rencontres, des rencontres et des conférences dans l'espace public, qui se rapprochent de l'idée d'une concentration politique, avec la poésie et les music-halls, qui anticipe la performance.

Bauhaus

Le Bauhaus , fondé à Weimar en 1919, comprenait un atelier d'arts scéniques expérimentaux dans le but d'explorer la relation entre le corps, l'espace, le son et la lumière. Le Black Mountain College , fondé aux États-Unis par des instructeurs du Bauhaus d'origine qui ont été exilés par le parti nazi, a continué d'incorporer les arts du spectacle expérimentaux dans la formation aux arts scéniques vingt ans avant les événements liés à l'histoire du spectacle dans les années 1960. Le nom Bauhaus dérive des mots allemands Bau, construction et Haus, maison ; ironiquement, malgré son nom et le fait que son fondateur était architecte, le Bauhaus n'avait pas de département d'architecture les premières années de son existence.

Peinture d'action

Dans les années 1940 et 1950, la technique ou le mouvement de l'action painting a donné aux artistes la possibilité d'interpréter la toile comme une zone d'action, rendant les peintures comme des traces de la performance de l'artiste dans l'atelier. Selon le critique d'art Harold Rosenberg , c'était l'un des les processus d'initiation de l'art de la performance, ainsi que l'expressionnisme abstrait. Jackson Pollock est le peintre d'action par excellence, qui a réalisé nombre de ses actions en direct. Les noms à souligner sont Willem de Kooning et Franz Kline , dont le travail comprend la peinture abstraite et l'action.

Nouveau réalisme

Le nouveau réalisme est un autre des mouvements artistiques cités dans les débuts de l'art de la performance. Il s'agit d'un mouvement de peinture fondé en 1960 par le critique d'art Pierre Restany et le peintre Yves Klein , lors de la première exposition collective à la galerie Apollinaire de Milan. Le Nouveau réalisme était, avec Fluxus et d'autres groupes, l'une des nombreuses tendances d'avant-garde des années 1960. Pierre Restany a créé diverses assemblées d'art de la performance à la Tate Modern , entre autres espaces. Yves Klein est l'un des principaux représentants du mouvement. Il était clairement un pionnier de l'art de la performance, avec ses pièces conceptuelles comme Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) et le photomontage Saut dans le vide . Toutes ses œuvres ont un lien avec l'art de la performance, car elles sont créées comme une action en direct, comme ses œuvres les plus connues de peintures créées avec des corps de femmes. Les membres du groupe voyaient le monde comme une image dont ils tiraient des parties et les intégraient dans leur travail ; ils cherchaient à rapprocher la vie et l'art.

Gutaï

L'un des autres mouvements qui a anticipé l'art de la performance était le mouvement japonais Gutai , qui a fait de l'art d'action ou du happening . Elle est apparue en 1955 dans la région du Kansai ( Kyōto , Ōsaka , Kōbe ). Les principaux participants étaient Jirō Yoshihara , Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama et Atsuko Tanaka. Le groupe Gutai est né après la Seconde Guerre mondiale. Ils rejetaient le consumérisme capitaliste, réalisant des actions ironiques avec une agressivité latente (bris d'objets, actions avec fumée). Ils ont influencé des groupes comme Fluxus et des artistes comme Joseph Beuys et Wolf Vostell .

Land art et performance

À la fin des années 1960, divers artistes du land art tels que Robert Smithson ou Dennis Oppenheim ont créé des pièces environnementales qui ont précédé l'art de la performance dans les années 1970. Les œuvres d'artistes conceptuels du début des années 1980, tels que Sol LeWitt , qui a fait du dessin mural un acte de performance, ont été influencées par Yves Klein et d'autres artistes du land art. Le land art est un mouvement artistique contemporain dans lequel le paysage et l'œuvre d'art sont profondément liés. Il utilise la nature comme matériau (bois, terre, roches, sable, vent, feu, eau, etc.) pour intervenir sur lui-même. L'œuvre d'art est générée avec le lieu lui-même comme point de départ. Il en résulte tantôt une jonction entre la sculpture et l'architecture, tantôt une jonction entre la sculpture et le paysage qui prend une place de plus en plus déterminante dans les espaces publics contemporains. En intégrant le corps de l'artiste dans le processus créatif, il acquiert des similitudes avec les débuts de l'art de la performance.

années 1960

L'explosion du plastique inévitable par Ann Arbor

Dans les années 1960, dans le but de faire évoluer l'idée généralisée de l'art et avec des principes similaires à ceux originaires du Cabaret Voltaire ou du Futurisme , une variété de nouvelles œuvres, de nouveaux concepts et un nombre croissant d'artistes ont conduit à de nouveaux types d'art de la performance. Mouvements clairement différenciés de l'actionnisme viennois , de l' art de la performance d'avant-garde à New York, du process art , de l'évolution du Living Theater ou du happening , mais surtout de la consolidation des pionniers de l'art de la performance.

Pionniers de l'actionnisme viennois lors d'une exposition à la fondation Hermann Nitsch

Actionnisme viennois

Le terme d' actionnisme viennois ( Wiener Aktionismus ) englobe un mouvement artistique bref et controversé du 20e siècle, dont on se souvient pour la violence, le grotesque et le visuel de leurs œuvres. Il est situé dans l'avant-garde autrichienne des années 1960, et il avait pour objectif d'amener l'art sur le terrain de l'art de la performance, et est lié au Fluxus et au Body Art. Parmi leurs principaux représentants figurent Günter Brus , Otto Muehl et Hermann Nitsch , qui développèrent la plupart de leurs activités actionnistes entre 1960 et 1971. Hermann Nitsch présenta en 1962 son Théâtre d'Orgies et de Mystères (Théâtre Orgien und Mysterien), pionnier de l'art de la performance, proche aux arts scéniques.

New York et la performance avant-gardiste

Exposition de photographies au Velvet Underground et à Andy Warhol Factory

Au début des années 1960, la ville de New York abritait de nombreux mouvements, des événements mettant fin aux intérêts concernant l'art de la performance. Entre autres, Andy Warhol a commencé à créer des films et des vidéos, et au milieu de la décennie, il a parrainé le Velvet Underground et organisé des événements et des actions performatives à New York, tels que Exploding Plastic Inevitable (1966), qui comprenait de la musique rock en direct, des lumières explosives et des films.

Le théâtre vivant

Le Living Theater présente son travail The Brig au Myfest 2008 à Berlin-Kreuzberg

Les nouvelles formes de théâtre, incarnées par la San Francisco Mime Troupe et le Living Theater, ont eu une influence indirecte sur les performances du monde de l'art, en particulier aux États-Unis, et présentées dans des théâtres Off-Off Broadway à SoHO et à La MaMa à New York. Le Living Theatre est une compagnie théâtrale créée en 1947 à New York. C'est le plus ancien théâtre expérimental des États-Unis. Tout au long de son histoire, il a été dirigé par ses fondateurs : l'actrice Judith Malina , qui a fait des études de théâtre avec Erwin Piscator , avec qui elle a étudié la théorie de Bertolt Brecht et de Meyerhold ; et peintre et poète Julian Beck . Après la mort de Beck en 1985, le membre de la compagnie Hanon Reznikov est devenu co-directeur avec Malina. Parce que c'est l'un des plus anciens groupes de théâtre aléatoire ou de théâtre en direct de nos jours, il est considéré par les autres. Ils considéraient le théâtre comme un mode de vie et les acteurs vivaient en communauté selon des principes libertaires. Il s'agissait d'une campagne théâtrale dédiée à la transformation de l'organisation du pouvoir d'une société autoritaire et d'une structure hiérarchique. Le Living Theatre a principalement tourné en Europe entre 1963 et 1968, et aux États-Unis en 1968. Une œuvre de cette période, Paradise Now , était connue pour sa participation du public et une scène dans laquelle des acteurs récitaient une liste de tabous sociaux qui incluaient la nudité, en se déshabillant.

Manifeste Fluxus

Fluxus

Portrait de John Cage , 1988

Fluxus , un mot latin qui signifie flux , est un mouvement d'arts visuels lié à la musique, la littérature et la danse. Son moment le plus actif a eu lieu dans les années 1960 et 1970. Ils se sont proclamés contre l'objet artistique traditionnel en tant que marchandise et se sont déclarés un mouvement d'art sociologique. Fluxus a été organisé de manière informelle en 1962 par George Maciunas (1931-1978). Ce mouvement était représenté en Europe, aux États-Unis et au Japon. Le mouvement Fluxus, principalement développé en Amérique du Nord et en Europe sous l'impulsion de John Cage , ne considérait pas l'avant-garde comme une rénovation linguistique, mais il cherchait à faire un usage différent des principaux canaux artistiques qui se séparent du langage spécifique ; il essaie d'être interdisciplinaire et d'adopter des médiums et des matériaux de différents domaines. La langue n'est pas le but, mais le moyen d'une rénovation de l'art, vu comme un art global. Au même titre que Dada , Fluxus a échappé à toute tentative de définition ou de catégorisation. Comme l'a déclaré l' un des fondateurs du mouvement, Dick Higgins :

Fluxus a commencé par le travail, puis s'est réuni en appliquant le nom de Fluxus à un travail qui existait déjà. C'était comme si cela avait commencé au milieu de la situation, plutôt qu'au début.

Robert Filliou oppose Fluxus à l'art conceptuel pour sa référence directe, immédiate et urgente à la vie quotidienne, et tourne autour de la proposition de Duchamp, qui à partir du Ready-made introduisait le quotidien dans l'art, alors que Fluxus dissout l'art dans le quotidien, maintes fois avec petites actions ou performances.

John Cage était un compositeur, théoricien de la musique , artiste et philosophe américain. Pionnier de l' indétermination dans la musique , de la musique électroacoustique et de l'utilisation non standard des instruments de musique , Cage était l'une des figures de proue de l' avant-garde d' après-guerre . Les critiques l'ont salué comme l'un des compositeurs les plus influents du XXe siècle. Il a également joué un rôle déterminant dans le développement de la danse moderne , principalement grâce à son association avec le chorégraphe Merce Cunningham , qui a également été le partenaire romantique de Cage pendant la majeure partie de leur vie.

Traiter l'art

Le process art est un mouvement artistique où le produit final de l' art et de l' artisanat , l' objet d'art ( œuvre d'art / objet trouvé ), n'est pas l'objectif principal ; le processus de sa fabrication est l'un des aspects les plus pertinents sinon le plus important : la collecte, le tri, l'assemblage, l'association, la mise en forme, et surtout le lancement d'actions et de procédures. Les artistes de processus considéraient l'art comme une pure expression humaine. Le process art défend l'idée que le processus de création de l'œuvre d'art peut être une œuvre d'art en soi. L'artiste Robert Morris a affirmé "l'anti-forme", le processus et le temps sur un produit fini objectal.

Joseph Beuys dans un événement Documenta Kassel

Événement

Wardrip-Fruin et Montfort dans The New Media Reader , "Le terme 'Happening' a été utilisé pour décrire de nombreux spectacles et événements, organisés par Allan Kaprow et d'autres au cours des années 1950 et 1960, y compris un certain nombre de productions théâtrales qui étaient traditionnellement scénarisées et invité seulement une interaction limitée avec le public." Un happening permet à l'artiste d'expérimenter le mouvement du corps, des sons enregistrés, des textes écrits et parlés, voire des odeurs. L'une des premières œuvres de Kaprow est Happenings in the New York Scene , écrite en 1961. Les happenings d'Allan Kaprow transforment le public en interprète. Souvent, les spectateurs devenaient une partie active de l'acte sans s'en rendre compte. D'autres acteurs qui ont créé des happenings étaient Jim Dine , Claes Oldenburg , Robert Whitman et Wolf Vostell : Le théâtre est dans la rue (Paris, 1958).

Artistes principaux

Portrait de Joseph Beuys et Andy Warhol à Naples

Les œuvres des artistes de la performance après 1968 ont montré à plusieurs reprises les influences de la situation politique et culturelle de cette année-là. Barbara T. Smith avec Ritual Meal (1969) était à l'avant-garde de l'art féministe corporel et scénique dans les années 70, qui comprenait, entre autres, Carolee Schneemann et Joan Jonas . Ceux-ci, avec Yoko Ono , Joseph Beuys , Nam June Paik , Wolf Vostell , Allan Kaprow , Vito Acconci , Chris Burden et Dennis Oppenheim ont été des pionniers dans la relation entre l'art corporel et l'art de la performance, ainsi que le collectif Zaj en Espagne avec Esther Ferrer et Juan Hidalgo .

Carolee Schneemann , interprétant sa pièce Interior Scroll. Yves Klein en France et Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman et Yoko Ono à New York ont ​​été des pionniers des œuvres d'art basées sur la performance, qui impliquaient souvent la nudité.

Barbara Smith est une artiste et militante américaine. Elle est l'une des principales représentantes afro-américaines du féminisme et de l' activisme LGBT aux États-Unis. Au début des années 1970, elle a travaillé comme enseignante, écrivaine et défenseure du courant du féminisme noir. Elle a enseigné dans de nombreux collèges et universités au cours des cinq dernières années. Les essais, critiques, articles, nouvelles et critiques littéraires de Smith ont été publiés dans diverses publications, dont The New York Times , The Guardian , The Village Voice et The Nation .

Carolee Schneemann était une artiste visuelle expérimentale américaine , connue pour ses œuvres multimédias sur le corps, la narration, la sexualité et le genre . Elle a créé des pièces telles que Meat Joy (1964) et Interior Scroll (1975). Schneemann considérait son corps comme une surface de travail. Elle se décrit comme une "peintre qui a quitté la toile pour activer l'espace réel et le temps vécu".

Joan Jonas (née le 13 juillet 1936) est une artiste visuelle américaine et une pionnière de l' art vidéo et de la performance, qui est l'une des artistes féminines les plus importantes à émerger à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Les projets et les expériences de Jonas ont fourni la base sur laquelle une grande partie de l'art de la performance vidéo serait basée. Ses influences se sont également étendues à l'art conceptuel , au théâtre, à l'art de la performance et à d'autres médias visuels. Elle vit et travaille à New York et en Nouvelle-Écosse, Canada. Immergé dans la scène artistique du centre-ville de New York des années 1960, Jonas a étudié avec la chorégraphe Trisha Brown pendant deux ans. Jonas a également travaillé avec les chorégraphes Yvonne Rainer et Steve Paxton.

Yoko Ono faisait partie du mouvement d'avant-garde des années 1960. Elle faisait partie du mouvement Fluxus. Elle est connue pour ses pièces d'art performance à la fin des années 1960, des œuvres telles que Cut Piece , où les visiteurs pouvaient intervenir dans son corps jusqu'à ce qu'elle soit laissée nue. L'une de ses pièces les plus connues est Wall piece pour orchestre (1962).

Joseph Beuys était un Fluxus allemand, happening , artiste de performance, peintre, sculpteur, médaillé et artiste d'installation . En 1962 débute son action aux côtés du mouvement néodadaïste Fluxus, groupe dont il finit par devenir le membre le plus important. Sa réalisation la plus marquante a été sa socialisation de l'art, le rendant plus accessible à tout type de public. Dans Comment expliquer des images à un lièvre mort (1965), il s'est couvert le visage de miel et de feuilles d'or et a expliqué son travail à un lièvre mort qui gisait dans ses bras. Dans cette œuvre, il associe des facteurs spatiaux et sculpturaux, linguistiques et sonores à la figure de l'artiste, à son geste corporel, à la conscience d'un communicateur dont le récepteur est un animal. Beuys a agi comme un chaman avec des pouvoirs de guérison et de sauvetage envers la société qu'il considérait comme morte. En 1974, il réalise les performances I Like America et America Likes Me où Beuys, un coyote et des matériaux tels que le papier, le feutre et le chaume constituent le véhicule de sa création. Il a vécu avec le coyote pendant trois jours. Il a empilé les journaux des États-Unis, symbole du capitalisme. Avec le temps, la tolérance entre Beuys et le coyote grandit et il finit par serrer l'animal dans ses bras. Beuys reprend de nombreux éléments utilisés dans d'autres œuvres. Des objets qui diffèrent des ready-made de Duchamp, non pour leur pauvreté et leur éphémère, mais parce qu'ils font partie de la propre vie de Beuys, qui les a placés après avoir vécu avec eux et les a marqués. Beaucoup ont une signification autobiographique, comme le miel ou la graisse utilisé par les tartares qui ont sauvé la Seconde Guerre mondiale. En 1970, il réalise son Felt Suit . Toujours en 1970, Beuys enseigne la sculpture à la Kunstakademie Düsseldorf. En 1979, le Solomon R. Guggenheim Museum de New York expose une rétrospective de son travail des années 1940 à 1970.

Nam June Paik était un artiste de performance, compositeur et vidéaste sud-coréen de la seconde moitié du 20e siècle. Il a étudié la musique et l'histoire de l'art à l'Université de Tokyo. Plus tard, en 1956, il voyage en Allemagne, où il étudie le solfège à Munich, puis poursuit à Cologne au conservatoire de Fribourg. Pendant ses études en Allemagne, Paik rencontre les compositeurs Karlheinz Stockhausen et John Cage et les artistes conceptuels Sharon Grace ainsi que George Maciunas , Joseph Beuys et Wolf Vostell et est à partir de 1962, membre du mouvement d'art expérimental Fluxus . Nam June Paik a ensuite commencé à participer au mouvement artistique Néo-Dada , connu sous le nom de Fluxus , qui a été inspiré par le compositeur John Cage et son utilisation des sons et des bruits de tous les jours dans sa musique. Il était copain avec Yoko Ono en tant que membre de Fluxus .

Wolf Vostell était un artiste allemand, l'un des plus représentatifs de la seconde moitié du 20e siècle, qui a travaillé avec divers médiums et techniques tels que la peinture, la sculpture, l' installation , le décollement , l' art vidéo , le happening et le fluxus .

Vito Acconci était un artiste américain influent de la performance, de la vidéo et de l' installation , dont la pratique diversifiée a finalement inclus la sculpture, la conception architecturale et la conception de paysage. Sa performance fondamentale et son art vidéo se caractérisaient par un « malaise existentiel », l'exhibitionnisme, l'inconfort, la transgression et la provocation, ainsi que l'esprit et l'audace, et impliquaient souvent de traverser des frontières telles que public-privé, consensuel-non consensuel et monde réel-monde de l'art. . Son travail est considéré comme ayant influencé des artistes tels que Laurie Anderson , Karen Finley , Bruce Nauman et Tracey Emin , entre autres. Acconci s'est d'abord intéressé à la poésie radicale, mais à la fin des années 1960, il a commencé à créer des performances d'influence situationniste dans la rue ou pour un petit public qui a exploré le corps et l'espace public. Deux de ses pièces les plus célèbres sont Follow Piece (1969), dans laquelle il sélectionne au hasard des passants dans les rues de New York et les suit aussi longtemps qu'il le peut, et Seedbed (1972), dans lequel il affirme s'être masturbé alors qu'il était sous un étage temporaire à la Sonnabend Gallery , alors que les visiteurs marchaient dessus et l'entendaient parler.

Chris Burden était un artiste américain travaillant dans le domaine de la performance , de la sculpture et de l' installation . Burden s'est fait connaître dans les années 1970 pour ses performances artistiques, dont Shoot (1971), dans laquelle il s'est arrangé pour qu'un ami lui tire dans le bras avec un fusil de petit calibre. Artiste prolifique, Burden a créé de nombreuses installations, œuvres d'art publiques et sculptures bien connues avant sa mort en 2015. Burden a commencé à travailler dans l'art de la performance au début des années 1970. Il a réalisé une série de performances controversées dans lesquelles l'idée de danger personnel en tant qu'expression artistique était centrale. Son premier travail de performance significatif, Five Day Locker Piece (1971), a été créé pour sa thèse de maîtrise à l'Université de Californie, Irvine, et impliquait qu'il soit enfermé dans un casier pendant cinq jours.

Dennis Oppenheim était un artiste conceptuel, artiste de performance, artiste de la terre , sculpteur et photographe américain. La première pratique artistique de Dennis Oppenheim est un questionnement épistémologique sur la nature de l'art, la fabrication de l'art et la définition de l'art : un méta-art qui est né lorsque les stratégies des minimalistes ont été élargies pour se concentrer sur le site et le contexte. En plus d'un agenda esthétique, le travail est passé des perceptions des propriétés physiques de la galerie au contexte social et politique, prenant largement la forme de sculptures publiques permanentes au cours des deux dernières décennies d'une carrière très prolifique, dont la diversité pourrait exaspérer son critiques.

Yayoi Kusama est une artiste japonaise qui, tout au long de sa carrière, a travaillé avec une grande variété de médias, notamment : la sculpture, l'installation, la peinture, la performance, le cinéma, la mode, la poésie, la fiction et d'autres arts ; la majorité d'entre eux ont manifesté son intérêt pour le psychédélisme, la répétition et les motifs. Kusama est une pionnière du pop art, du minimalisme et des mouvements artistiques féministes et a influencé ses contemporains, Andy Warhol et Claes Oldenburg . Elle a été reconnue comme l'une des artistes vivantes les plus importantes du Japon et une voix très pertinente dans l'art d'avant-garde.

années 1970

Installation de Bruce Nauman avec diverses performances vidéo
Gilbert et George à Londres, 2007

Dans les années 1970, les artistes issus d'œuvres liées à l'art de la performance ont évolué et se sont consolidés en tant qu'artistes avec l'art de la performance comme discipline principale, s'inspirant d'installations créées à travers la performance, la performance vidéo ou les actions collectives, ou dans le contexte d'un contexte historique et politique.

Performances vidéo

Au début des années 1970, l'utilisation du format vidéo par les artistes de la performance s'est consolidée. Certaines expositions de Joan Jonas et Vito Acconci étaient entièrement réalisées en vidéo, activées par des processus performatifs antérieurs. Au cours de cette décennie, divers livres qui parlaient de l'utilisation des moyens de communication, la vidéo et le cinéma par les artistes de la performance, comme Expanded Cinema , de Gene Youngblood, ont été publiés. L'un des principaux artistes ayant utilisé la vidéo et la performance, avec des installations audiovisuelles notoires, est l'artiste sud-coréen Nam June Paik , qui au début des années 1960 avait déjà été dans le mouvement Fluxus jusqu'à devenir un artiste médiatique et évoluer vers les installations audiovisuelles qu'il est. connu pour.

Le travail de Carolee Schneemann et Robert Whitman dans les années 1960 concernant leurs performances vidéo doit également être pris en considération. Tous deux ont été des pionniers de l'art de la performance, le transformant en une forme d'art indépendante au début des années soixante-dix.

Joan Jonas a commencé à inclure la vidéo dans ses performances expérimentales en 1972, tandis que Bruce Nauman a scénarisé ses actes pour qu'ils soient directement enregistrés sur vidéo. Nauman est un artiste multimédia américain, dont les sculptures, vidéos, travaux graphiques et performances ont contribué à diversifier et développer la culture à partir des années 1960. Ses œuvres troublantes mettent l'accent sur la nature conceptuelle de l'art et le processus de création. Sa priorité est l'idée et le processus créatif sur le résultat final. Son art utilise une incroyable palette de matériaux et surtout son propre corps.

Gilbert et George sont l'artiste italien Gilbert Proesch et l'artiste anglais George Passmore, qui ont développé leur travail dans l'art conceptuel, la performance et l'art corporel. Ils étaient surtout connus pour leurs actes de sculpture en direct. L'une de leurs premières créations a été The Singing Sculpture , où les artistes ont chanté et dansé "Underneath the Arches", une chanson des années 1930. Depuis, elles se sont forgées une solide réputation de sculptures vivantes, se faisant des œuvres d'art, exposées devant des spectateurs à travers des intervalles de temps divers. Ils apparaissent généralement vêtus de costumes et cravates, adoptant diverses postures qu'ils maintiennent sans bouger, bien que parfois ils bougent et lisent aussi un texte, et parfois ils apparaissent dans des assemblées ou des installations artistiques. Outre leurs sculptures, Gilbert et George ont également réalisé des œuvres picturales, des collages et des photomontages, où ils se sont représentés à côté d'objets divers de leur environnement immédiat, avec des références à la culture urbaine et un contenu fort ; ils ont abordé des sujets tels que le sexe, la race, la mort et le VIH, la religion ou la politique, critiquant à plusieurs reprises le gouvernement britannique et le pouvoir établi. Le travail le plus prolifique et le plus ambitieux du groupe était Jack Freak Pictures , où ils avaient une présence constante des couleurs rouge, blanc et bleu dans l'Union Jack. Gilbert et George ont exposé leur travail dans des musées et galeries du monde entier, comme le Stedelijk van Abbemuseum d' Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987) et la Tate Modern (2007). Ils ont participé à la Biennale de Venise. En 1986, ils remportent le Turner Prize.

L'art de l'endurance

L'art de la performance d'endurance approfondit les thèmes de la transe, de la douleur, de la solitude, de la privation de liberté, de l'isolement ou de l'épuisement. Certaines œuvres, basées sur le passage de longues périodes de temps, sont également appelées performances de longue durée. L'un des artistes pionniers était Chris Burden en Californie depuis les années 1970. Dans l'une de ses œuvres les plus connues, Cinq jours dans un casier (1971), il est resté cinq jours dans un casier d'école, dans Shoot (1971) il a été abattu avec une arme à feu et a habité pendant vingt-deux jours un lit à l'intérieur d'une galerie d'art. dans Morceau de lit (1972). Tehching Hsieh est un autre exemple d'artiste d'endurance. Lors d'une performance créée en 1980-1981 ( Time Clock Piece ), où il resta une année entière à répéter la même action autour d'une horloge métaphorique. Hsieh est également connu pour ses performances sur la privation de liberté ; il a passé une année entière enfermé. Dans The House With the Ocean View (2003), Marina Abramović a vécu en silence pendant douze jours sans nourriture. Les Neuf Confinements ou La Privation de Liberté est une œuvre d'art d'endurance conceptuelle au contenu critique réalisée dans les années 2013 et 2016. Tous ont en commun la privation illégitime de liberté.

Performance dans un contexte politique

Au milieu des années 1970, derrière le rideau de fer, dans les grandes villes d'Europe de l'Est telles que Budapest , Cracovie , Belgrade, Zagreb , Novi Sad et d'autres, les arts scéniques au contenu plus expérimental ont prospéré. Contre le contrôle politique et social, différents artistes qui ont fait des performances de contenu politique ont surgi. La série de performances d' Orshi Drozdik , intitulée Mythologie individuelle 1975/77 et le NudeModel 1976/77. Toutes ses actions étaient critiques du discours patriarcal dans l'art et du programme d'émancipation forcée et construites par l'État tout aussi patriarcal. Drozdik a montré un point de vue pionnier et féministe sur les deux, devenant l'un des précurseurs de ce type d'art critique en Europe de l'Est. Dans les années 1970, l'art de la performance, en raison de sa fugacité, avait une solide présence dans l'avant-garde de l'Europe de l'Est, notamment en Pologne et en Yougoslavie, où des dizaines d'artistes qui ont exploré le corps de manière conceptuelle et critique ont émergé.

Cellule où Tehching Hsieh a réalisé son œuvre d'art d'endurance; la pièce fait maintenant partie de la collection du Modern Art Museum of New York

L'autre

Ulay et Marina Abramović , The Other collectif dans une de leurs œuvres

Au milieu des années 1976, Ulay et Marina Abramović fondent le collectif The Other dans la ville d' Amsterdam . Quand Abramović et Ulay ont commencé leur collaboration. Les principaux concepts qu'ils ont explorés étaient l'ego et l'identité artistique. C'est le début d'une décennie de travail collaboratif. Les deux artistes s'intéressaient à la tradition de leur héritage culturel et au désir de l'individu pour les rituels. En conséquence, ils ont formé un collectif nommé L'Autre . Ils s'habillaient et se comportaient comme un seul, et créaient une relation de confiance absolue. Ils ont créé une série d'œuvres dans lesquelles leurs corps ont créé des espaces supplémentaires pour l'interaction du public. Dans Relation in Space, ils parcouraient la pièce, deux corps comme deux planètes, mêlant les énergies masculine et féminine en un troisième composant qu'ils appelaient « ce soi ». Relation in Movement (1976) a demandé au couple de conduire sa voiture à l'intérieur du musée, faisant 365 tours. Un liquide noir coulait de la voiture, formant une sculpture, et chaque tour représentait une année. Après cela, ils ont créé Death Self , où les deux ont uni leurs lèvres et ont inspiré l'air expiré par l'autre jusqu'à ce qu'ils aient épuisé tout l'oxygène. Exactement 17 minutes après le début de la représentation, tous deux sont tombés inconscients, leurs poumons se remplissant de dioxyde de carbone. Cette pièce a exploré l'idée de la capacité d'une personne à absorber la vie d'une autre, à la changer et à la détruire. En 1988, après quelques années d'une relation tendue, Abramović et Ulay décident de faire un voyage spirituel qui mettra fin au collectif. Ils ont marché le long de la Grande Muraille de Chine, commençant par des extrémités opposées et se trouvant à mi-chemin. Abramović a conçu cette promenade sur un rêve, et cela lui a donné ce qu'elle considérait comme une fin appropriée et romantique à la relation pleine de mysticisme, d'énergie et d'attraction. Ulay a commencé sur le dessert de Gobi et Abramovic dans la mer Jaune. Chacun d'eux a parcouru 2500 kilomètres, s'est retrouvé au milieu et s'est dit au revoir.

Artistes principaux

En 1973, Laurie Anderson interprète Duets on Ice dans les rues de New York. Marina Abramović , dans la performance Rhythm 10 , incluait conceptuellement la violation d'un corps. Trente ans plus tard, le thème du viol, de la honte et de l'exploitation sexuelle sera réinventé dans les œuvres d'artistes contemporains tels que Clifford Owens , Gillian Walsh , Pat Oleszko et Rebecca Patek, entre autres. De nouveaux artistes aux actes radicaux se sont imposés comme les principaux précurseurs de la performance, comme Chris Burden , avec l'œuvre Shoot de 1971 , où un assistant lui a tiré dans le bras à une distance de cinq mètres, et Vito Acconci la même année avec Seedbed . L'œuvre Eye Body (1963) de Carolee Schneemann en 1963, était déjà considérée comme un prototype de l'art de la performance. En 1975, Schneemann renoue avec des actes solo innovants tels que Interior Scroll , qui montre le corps féminin en tant que média artistique.

L'une des principales artistes était Gina Pane , artiste française d'origine italienne. Elle a étudié à l' École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris de 1960 à 1965 et a été membre du mouvement des arts de la performance dans les années 1970 en France, appelé « Art Corporel ». Parallèlement à son art, Pane a enseigné à l'Ecole des Beaux-Arts du Mans de 1975 à 1990 et a dirigé un atelier dédié à l'art de la performance au Centre Pompidou de 1978 à 1979. L'une de ses œuvres les plus connues est Le Conditionnement (1973), dans laquelle elle était allongée dans un ressort de lit en métal sur une zone de bougies allumées. The Conditioning a été créé en hommage à Marina Abramović , dans le cadre de ses Seven Easy Pieces (2005) au Solomon R. Guggenheim Museum de New York en 2005. la plupart des autres femmes artistes dans les années 1970. Par la violence de se couper la peau avec des rasoirs ou d'éteindre des incendies à mains nues et pieds nus, Pane entend provoquer une véritable expérience chez le visiteur, qui se sentirait ému par son malaise. La nature percutante de ces premières pièces ou actions d'art de la performance, comme elle préférait les appeler, a éclipsé à plusieurs reprises son travail photographique et sculptural prolifique. Néanmoins, le corps était la principale préoccupation dans le travail de Panes, que ce soit au sens littéral ou conceptuel.


années 1980

La technique de l'art de la performance

Jusque dans les années 1980, l'art de la performance a démystifié le virtuose, c'est l'une de ses caractéristiques essentielles. Néanmoins, à partir des années 1980, il a commencé à adopter un certain génie technique. En référence à l'œuvre Présence et résistance de Philip Auslander, la critique de danse Sally Banes écrit : « ... à la fin des années 1980, l'art de la performance était devenu si largement connu qu'il n'était plus nécessaire de le définir ; la culture de masse, en particulier la télévision, était venue fournir à la fois la structure et le sujet de beaucoup d'art de la performance ; et plusieurs artistes de la performance, dont Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe et Ann Magnuson, étaient en effet devenus des artistes de croisement dans le divertissement grand public. » Au cours de cette décennie, les paramètres et les technicités construits pour purifier et perfectionner l'art de la performance ont été définis.

La critique et experte en performance RoseLee Goldberg lors d'un symposium à Moscou
Exposition Tehching Hsieh au Modern Art Museum de New York , où l'artiste réalise un autoportrait quotidien

Critique et investigation de l'art de la performance

Malgré le fait que de nombreuses performances se déroulent dans le cercle d'un petit groupe du monde de l'art, Roselee Goldberg note dans Performance Art: From Futurism to the Present que « la performance a été un moyen de faire appel directement à un large public, ainsi que de choquer à réévaluer leurs propres notions de l'art et de sa relation à la culture. À l'inverse, l'intérêt du public pour le médium, en particulier dans les années 1980, découle d'un désir apparent de ce public d'accéder au monde de l'art, d'être spectateur de son rituel et sa communauté distincte, et d'être surpris par les présentations inattendues, toujours peu orthodoxes, que les artistes conçoivent." Au cours de cette décennie, des publications et des compilations sur l'art de la performance et ses artistes les plus connus ont émergé.

L'art de la performance dans un contexte politique

Dans les années 1980, le contexte politique a joué un rôle important dans le développement artistique et surtout dans la performance, car presque toutes les œuvres créées avec un discours critique et politique appartenaient à cette discipline. Jusqu'au déclin du bloc de l'Est européen à la fin des années 1980, l'art de la performance avait été activement rejeté par la plupart des gouvernements communistes. A l'exception de la Pologne et de la Yougoslavie, la performance artistique était plus ou moins interdite dans les pays où tout événement public indépendant était redouté. En RDA, en Tchécoslovaquie, en Hongrie et en Lettonie, cela s'est produit dans des appartements, lors de rassemblements apparemment spontanés dans des studios d'artistes, dans des lieux contrôlés par l'église, ou a été couvert comme une autre activité, comme une séance photo. Isolé du contexte conceptuel occidental, dans différents contextes, cela pourrait être comme une protestation ludique ou un commentaire amer, utilisant des métaphores subversives pour exprimer une dissidence avec la situation politique. Parmi les œuvres d'art de performance les plus remarquables à contenu politique à cette époque figuraient celles de Tehching Hsieh entre juillet 1983 et juillet 1984, Art/Life: One Year Performance (Rope Piece).

Poésie performative

En 1982, les termes « poésie » et « performance » ont été utilisés pour la première fois ensemble. La poésie de performance semblait distinguer les performances vocales textuelles de l'art de la performance, en particulier le travail d'artistes de performance escéniques et musicaux, tels que Laurie Anderson, qui travaillait avec la musique à cette époque. Les poètes de la performance se sont davantage appuyés sur l'expression rhétorique et philosophique de leur poétique que les artistes de la performance, issus des genres d'art visuel de la peinture et de la sculpture. De nombreux artistes depuis John Cage fusionnent la performance avec une base poétique.

Art de la performance féministe

Portrait de Linda Benglis, 1974
Portrait de Pina Bausch , 1985

Depuis 1973, le Feminist Studio Workshop dans le Woman's Building de Los Ángeles a eu un impact sur la vague d'actes féministes, mais jusqu'en 1980, ils n'ont pas complètement fusionné. La conjonction entre le féminisme et l'art de la performance a progressé au cours de la dernière décennie. Au cours des deux premières décennies du développement de l'art de la performance, des œuvres qui n'avaient pas été conçues comme féministes sont désormais considérées comme telles.

Pourtant, ce n'est qu'en 1980 que les artistes se sont autodéfinies comme féministes. Groupes d'artistes dans lesquels les femmes influencées par le mouvement étudiant de 1968 ainsi que le mouvement féministe se démarquent. Cette connexion a été traitée dans la recherche en histoire de l'art contemporain. Certaines des femmes dont l'apport innovant dans les représentations et les spectacles était le plus pertinent étaient Pina Bausch et les Guerrilla Girls qui ont émergé en 1985 à New York, collectif d'art anonyme féministe et antiraciste. Ils ont choisi ce nom parce qu'ils ont utilisé des tactiques de guérilla dans leur activisme pour dénoncer la discrimination contre les femmes dans l'art à travers l'art politique et la performance. Leur première performance consistait à placer des affiches et à faire des apparitions publiques dans des musées et des galeries à New York, pour critiquer le fait que certains groupes de personnes étaient discriminés en raison de leur sexe ou de leur race. Tout cela a été fait de manière anonyme; dans toutes ces apparitions, ils se couvraient le visage de masques de gorilles (cela était dû à la prononciation similaire des mots « gorille » et « guérilla »). Ils utilisaient comme surnoms les noms d'artistes femmes décédées. Des années 1970 aux années 1980, parmi les œuvres qui remettent en cause le système et leurs stratégies habituelles de représentation, les principales mettent en scène des corps de femmes, comme les œuvres d' Ana Mendieta à New York où son corps est outragé et maltraité, ou l'art représentations de Louise Bourgeois au discours plutôt minimaliste qui émergent à la fin des années 70 et 80. Mention spéciale aux œuvres créées avec la corporéité féminine et féministe comme Lynda Benglis et ses actions performatives phalliques, qui ont reconstruit l'image féminine pour en faire plus qu'un fétiche. À travers l'art de la performance féministe, le corps devient un espace pour développer ces nouveaux discours et significations. L'artiste Eleanor Antin , créatrice dans les années 1970 et 1980, a travaillé sur les thèmes du genre, de la race et de la classe. Cindy Sherman , dans ses premières œuvres dans les années 70 et déjà dans sa maturité artistique dans les années 80, poursuit sa ligne critique de renversement de soi imposé, à travers son utilisation du corps comme objet de privilège.

Exposition de Cindy Sherman aux États-Unis

Cindy Sherman est une photographe et artiste américaine. Elle est l'une des artistes d'après-guerre les plus représentatives et a exposé plus que le travail de trois décennies de son travail au MoMA . Même si elle apparaît dans la plupart de ses photographies performatives, elle ne les considère pas comme des slef-portraits. Sherman s'utilise comme véhicule pour représenter un large éventail de sujets du monde contemporain, tels que le rôle des femmes dans notre société et la façon dont elles sont représentées dans les médias ainsi que la nature de la création artistique. En 2020, elle a reçu le prix Wolf en arts .

Judy Chicago est une artiste et pionnière de l'art féministe et de la performance aux États-Unis. Chicago est connue pour ses grandes installations artistiques collaboratives sur des images de naissance et de création, qui examinent le rôle des femmes dans l'histoire et la culture. Dans les années 1970, Chicago a fondé le premier programme d'art féministe aux États-Unis. Le travail de Chicago intègre une variété de compétences artistiques telles que la couture, contrairement à des compétences qui nécessitaient beaucoup de main-d'œuvre, comme la soudure et la pyrotechnie. L'œuvre la plus connue de Chicago est The Dinner Party , qui a été installée en permanence au Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum . Le dîner a célébré les réalisations des femmes à travers l'histoire et est largement considéré comme la première œuvre d'art féministe épique. D'autres projets remarquables incluent International Honor Quilt , The Birth Project, Powerplay et The Holocaust Project.

Expansion en Amérique latine

Au cours de cette décennie, l'art de la performance s'est répandu jusqu'à atteindre l'Amérique latine à travers les ateliers et les programmes offerts par les universités et les institutions académiques. Elle s'est principalement développée au Mexique, en Colombie -avec des artistes comme Maria Teresa Hincapié- , au Brésil et en Argentine.

Femmes interagissant avec l'œuvre Écouter les sons de la mort de Teresa Margolles au Museo de la Memoria y la Tolerancia de Mexico

Ana Mendieta était une artiste conceptuelle et performeuse née à Cuba et élevée aux États-Unis. Elle est surtout connue pour ses œuvres d'art et ses pièces de performance dans le land art. Le travail de Mendieta était surtout connu dans le milieu des critiques d'art féministes. Des années après sa mort, en particulier depuis la rétrospective du Whitney Museum of American Art en 2004 et la rétrospective à la Haywart Gallery à Londres en 2013, elle est considérée comme une pionnière de l'art de la performance et d'autres pratiques liées à l'art corporel et au land art, à la sculpture et à la photographie. Elle a décrit son propre travail comme un art du corps de la terre .

Tania Bruguera est une artiste cubaine spécialisée dans l'art de la performance et l'art politique. Son travail consiste principalement en son interprétation de sujets politiques et sociaux. Elle a développé des concepts tels que « conduct art » pour définir ses pratiques artistiques en mettant l'accent sur les limites du langage et du corps face à la réaction et au comportement des spectateurs. Elle a aussi imaginé « l'art utile », qui doit transformer certains aspects politiques et juridiques de la société. Le travail de Brugera tourne autour de sujets de pouvoir et de contrôle, et une grande partie de son travail questionne l'état actuel de son pays d'origine, Cuba. En 2002, elle crée la Cátedra Arte de Conducta à La Havane.

L'Argentine Marta Minujín lors d'une performance artistique

Regina José Galindo est une artiste guatémaltèque spécialisée dans l'art de la performance. Son travail se caractérise par son contenu politique et critique explicite, utilisant son propre corps comme outil de confrontation et de transformation sociale. Sa carrière artistique a été marquée par la guerre civile guatémaltèque qui a eu lieu de 1960 à 1996, qui a déclenché un génocide de plus de 200 000 personnes, dont beaucoup d'indigènes, d'agriculteurs, de femmes et d'enfants. Avec son travail, Galindo dénonce la violence, le sexisme (un de ses sujets principaux est le fémicide), les standards de beauté occidentaux, la répression des successions et les abus de pouvoir, notamment dans le contexte de son pays, même si son langage transgresse les frontières. . Depuis ses débuts elle n'a utilisé son corps que comme support, qu'elle amène parfois à des situations extrêmes (comme dans Himenoplasty (2004) où elle passe par une reconstruction d'hymen, œuvre qui a remporté le Lyon d'Or à la Biennale de Venise ), pour avoir plus tard des bénévoles ou embauché des personnes pour interagir avec elle, de sorte qu'elle perd le contrôle de l'action.

années 90

Représentation dans le pavillon roumain de la Biennale de Venise
Exposition de l'artiste chinois Tehching Hsieh avec documentation de ses premières œuvres d'art

Les années 1990 ont été une période d'absence pour la performance européenne classique, les artistes de la performance ont donc gardé un profil bas. Néanmoins, l'Europe de l'Est a connu un pic. D'autre part, la performance latino-américaine a continué à exploser, ainsi que l'art de la performance féministe. Il y a eu aussi un apogée de cette discipline dans les pays asiatiques, dont la motivation a émergé de la danse Butō dans les années 1950, mais à cette époque, ils se sont professionnalisés et de nouveaux artistes chinois sont apparus, gagnant une grande reconnaissance. Il y a eu aussi une professionnalisation générale dans la multiplication des expositions dédiées à l'art de la performance, à l'ouverture de la Biennale d'art de Venise à l'art de la performance, où divers artistes de cette discipline ont remporté le Leone d'Oro, dont Anne Imhof , Regina José Galindo ou encore Santiago Sierra .

Musée et centre spécialisé dans l'art de la performance à l'Université de Taitung

Performance avec contexte politique

Alors que le bloc soviétique se dissolvait, certaines œuvres d'art de la performance interdites ont commencé à se répandre. De jeunes artistes de l'ancien bloc de l'Est, dont la Russie, se sont consacrés à l'art de la performance. Les arts scéniques ont émergé à la même époque à Cuba, dans les Caraïbes et en Chine. « Dans ces contextes, l'art de la performance est devenu une nouvelle voix critique avec une force sociale similaire à celle de l'Europe occidentale, des États-Unis et de l'Amérique du Sud dans les années 60 et au début des années 70. Il faut souligner que l'essor de l'art de la performance dans les années 90 en L'Europe de l'Est, la Chine, l'Afrique du Sud, Cuba et d'autres endroits ne doivent pas être considérés comme secondaires ou comme une imitation de l'Occident".

Professionnalisation des arts de la scène

Dans le monde occidental, dans les années 1990, l'art de la performance a rejoint la culture dominante. Diverses œuvres d'art de la performance, en direct, photographiées ou à travers la documentation, ont commencé à faire partie de galeries et de musées qui ont commencé à comprendre l'art de la performance comme une discipline artistique. Néanmoins, ce n'est qu'au cours de la décennie suivante qu'une institutionnalisation majeure s'est produite, lorsque chaque musée a commencé à incorporer des œuvres d'art de la performance dans leurs collections et à consacrer de grandes expositions et rétrospectives, des musées tels que la Tate Modern à Londres, le MoMA à New York. ou le Centre Pompidou à Paris. À partir des années 1990, de nombreux autres artistes de la performance ont été invités à des biennales importantes comme la Biennale de Venise , la Biennale de Sao Paulo et la Biennale de Lyon .

Performances en Chine

À la fin des années 1990, l'art contemporain chinois et l'art de la performance ont reçu une grande reconnaissance internationale, alors que 19 artistes chinois ont été invités à la Biennale de Venise. L'art de la performance en Chine et son histoire se sont développés depuis les années 1970 en raison de l'intérêt entre l'art, le processus et la tradition dans la culture chinoise, mais il a été reconnu à partir des années 1990. En Chine, l'art de la performance fait partie du programme d'enseignement des beaux-arts et devient de plus en plus populaire. Au début des années 1990, l'art de la performance chinois était déjà plébiscité sur la scène artistique internationale.

Depuis les années 2000

Performances des nouveaux médias

Art de la performance des nouveaux médias, 2009

À la fin des années 1990 et dans les années 2000, un certain nombre d'artistes ont incorporé des technologies telles que le World Wide Web, la vidéo numérique, les webcams et les médias en continu dans leurs œuvres d'art. Des artistes tels que Coco Fusco , Shu Lea Cheang et Prema Murthy ont produit des performances artistiques qui ont attiré l'attention sur le rôle du genre, de la race, du colonialisme et du corps en relation avec Internet. D'autres artistes, tels que Critical Art Ensemble , Electronic Disturbance Theatre et Yes Men , ont utilisé les technologies numériques associées à l' hacktivisme et à l' interventionnisme pour soulever des questions politiques concernant les nouvelles formes de capitalisme et de consommation.

Dans la seconde moitié de la décennie, des formes d'art de la performance assistées par ordinateur ont commencé à apparaître. Beaucoup de ces travaux menés au développement de l' art algorithmique , art génératif , et l' art robotique , dans lequel l'ordinateur lui - même, ou un robot commandé par ordinateur, devient l'interprète.

Coco Fusco est une artiste, écrivaine et commissaire interdisciplinaire cubano-américaine qui vit et travaille aux États-Unis. Sa carrière artistique a commencé en 1988. Dans son travail, elle explore des sujets tels que l'identité, la race, le pouvoir et le genre à travers la performance. Elle réalise également des vidéos, des installations interactives et de l'écriture critique.

Des performances radicales

Petr Pavlensky se coupant l'oreille dans une action politique sur la Place Rouge de Moscou
Manifestation pour la libération des Pussy Riot
Pussy Riot lors d'une performance avec Tania Bruguera

Au cours de la première et de la deuxième décennie des années 2000, divers artistes ont été poursuivis, judiciarisés, détenus ou emprisonnés pour leurs œuvres à contenu politique. Des artistes tels que Pussy Riot , Tania Bruguera et Petr Pavlensky ont été jugés pour diverses actions artistiques créées dans l'intention de dénoncer et de rendre visible.

Le 21 février 2012, dans le cadre de leur protestation contre la réélection de Vladimir Poutine , plusieurs femmes du collectif artistique Pussy Riot sont entrées dans la cathédrale du Christ-Sauveur de Moscou de l' Église orthodoxe russe . Ils ont fait le signe de la croix, se sont inclinés devant le sanctuaire et ont commencé à interpréter une performance composée d'un chant et d'une danse sous la devise « Vierge Marie, éloignez Poutine ». Le 3 mars, ils ont été arrêtés. Le 3 mars 2012, Maria Alyokhina et Nadezhda Tolokonnikova , membres des Pussy Riot, ont été arrêtées par les autorités russes et accusées de vandalisme. Au début, ils ont tous deux nié être membres du groupe et ont entamé une grève de la faim pour avoir été incarcérés et séparés de leurs enfants jusqu'au début des procès en avril. Le 16 mars, une autre femme, Yekaterina Samutsévitch, qui avait déjà été interrogée en tant que témoin, a également été arrêtée et accusée. Le 5 juillet, des accusations formelles contre le groupe et une accusation de 2800 pages ont été déposées. Le même jour, ils ont été informés qu'ils avaient jusqu'au 9 juillet pour préparer leur défense. En réponse, ils ont annoncé une grève de la faim, arguant que deux jours étaient un délai inapproprié pour préparer leur défense. Le 21 juillet, le tribunal a prolongé leur prison préventive pour qu'elle dure encore six mois. Les trois membres détenus ont été reconnus comme prisonniers politiques par l'Union de solidarité avec les prisonniers politiques. Amnesty International les considère comme des prisonniers d'opinion pour « la sévérité de la réponse des autorités russes ».

L'artiste Abel Azcona pendant Les Pères au musée de Madrid , 2018

Depuis 2012, l'artiste Abel Azcona est poursuivi pour certaines de ses œuvres. La demande qui a eu le plus de retentissement a été celle réalisée par l' archevêché de Pampelune et Tudela , en représentation de l' Église catholique . L'Église a demandé à Azcona des crimes de profanation et de blasphème, des crimes de haine et des attaques contre la liberté religieuse et les sentiments pour son travail Amen ou The Pederasty . Dans les derniers procès, les pétitionnaires ont inclus le crime d'entrave à la justice. En 2016, Azcona était dénoncé pour avoir vanté le terrorisme pour son exposition Natura Morta , dans laquelle l'artiste recréait des situations de violence, de mémoire historique, de terrorisme ou de conflits de guerre à travers des performances et des sculptures et installations hyperréalistes. En 2018, il a été dénoncé par la Fondation Francisco Franco pour avoir exposé une installation composée de douze documents qui constituaient un examen technique pour la détonation du monument de la Valle de los Caídos signé par un architecte. Il a également été critiqué par l'État d'Israël pour son œuvre The Shame , dans laquelle il a installé des fragments du mur de Berlin le long du mur de Cisjordanie en tant qu'installation performative critique. La même année, il a représenté l'Espagne à la Biennale d'art asiatique à Daca, au Bangladesh. Azcona a installé des chaises dans le pavillon avec des enfants des rues de Daca en situation de désespoir assis dessus. Sa représentation a été annulée en raison des protestations, qui étaient contre l'image que le pavillon dépeint de la Biennale et du pays.

En décembre 2014, Tania Bruguera a été détenue à La Havane pour l'empêcher d'effectuer de nouveaux travaux de rappel. Ses pièces d'art de la performance lui ont valu de sévères critiques et elle a été accusée de promouvoir la résistance et les troubles publics. En décembre 2015 et janvier 2016, Bruguera a été arrêté pour avoir organisé une représentation publique sur la plaza de la Revolución de La Habana. Elle a été détenue avec d'autres artistes, militants et journalistes cubains qui ont participé à la campagne Yo También Exijo , qui a été créée après les déclarations de Raúl Castro et de Barack Obama en faveur du rétablissement de leurs relations diplomatiques. Lors de la représentation El Susurro de Tatlin #6, elle a installé des microphones et des haut-parleurs sur la Plaza de la Revolución afin que les Cubains puissent exprimer leurs sentiments concernant le nouveau climat politique. L'événement a eu une grande répercussion dans les médias internationaux, y compris une présentation d' El Susurro de Tatlin #6 à Times Square, et une action dans laquelle divers artistes et intellectuels se sont exprimés en faveur de la libération de Bruguera en envoyant une lettre ouverte à Raúl Castro signée par des milliers de personnes à travers le monde demandant le retour de son passeport et affirmant une injustice criminelle, car elle n'a donné un micro aux gens que pour qu'ils puissent donner leur avis.

En novembre 2015 et octobre 2017, Petr Pavlensky a été arrêté pour avoir réalisé une performance artistique radicale dans laquelle il a mis le feu à l'entrée du bâtiment Loubianka, siège du Service fédéral de sécurité de Russie et d'une succursale de la Banque de France. Dans les deux cas, il a aspergé d'essence l'entrée principale; dans la deuxième représentation, il a également pulvérisé l'intérieur et l'a allumé avec un briquet. Les portes de l'immeuble ont été partiellement brûlées. Les deux fois Pavlenski a été arrêté sans résistance et accusé de débauche. Quelques heures après les actions, plusieurs vidéos de rappel politique et artistique sont apparues sur internet.

Institutionnalisation de l'art de la performance

Marina Abramović interprétant The Artist Is Present , MoMA , Nueva York, 2010

Depuis les années 2000, grands musées, institutions et collections soutiennent l'art de la performance. Depuis janvier 2003, la Tate Modern de Londres propose un programme d'art et de performances en direct. Avec des expositions d'artistes comme Tania Bruguera ou Anne Imhof . En 2012, The Tanks at Tate Modern a ouvert ses portes : les premiers espaces dédiés à la performance, au cinéma et à l'installation dans un grand musée d'art moderne et contemporain.

Le Musée d'art moderne a organisé du 14 au 31 mars 2010 une grande rétrospective et recréation de l'œuvre de Marina Abramović , la plus grande exposition d'art de la performance de l'histoire du MoMA. L'exposition comprenait plus de vingt pièces de l'artiste, la plupart d'entre eux des années 1960-1980. Beaucoup d'entre eux ont été réactivés par d'autres jeunes artistes de plusieurs nationalités sélectionnés pour le spectacle. Parallèlement à l'exposition, Abramovic a interprété The Artist is Present , une pièce statique et silencieuse de 726 heures et 30 minutes, dans laquelle elle était assise immobile dans l'atrium du musée, tandis que les spectateurs étaient invités à s'asseoir à tour de rôle en face d'elle. L'œuvre est une reproduction actualisée d'une des pièces de 1970, présentée dans l'exposition, où Abramovic est resté des jours entiers à côté d'Ulay, qui était son compagnon sentimental. La performance a attiré des célébrités telles que Björk , Orlando Bloom et James Franco qui ont participé et ont reçu une couverture médiatique.

L'art de la performance collective de revendication

Un violeur sur votre chemin dans la rue principale de Mexico

En 2014, l'œuvre d'art de performance Carry That Weight est créée, également connue sous le nom de « la performance du matelas ». L'artiste derrière cette pièce est Emma Sulkowicz qui, pendant sa thèse de fin d'études en arts visuels à l' Université Columbia de la ville de New York. En septembre 2014, la pièce de Sulkowicz a commencé, alors qu'elle commençait à transporter son propre matelas sur le campus de l' Université de Columbia . Cette œuvre a été créée par l'artiste dans le but de dénoncer son viol dans ce même matelas des années auparavant, dans son propre dortoir, qu'elle a signalé et n'a pas été entendu par l'université ou la justice, elle a donc décidé de porter le matelas avec elle pendant tout le semestre, sans le quitter à aucun moment, jusqu'à sa cérémonie de remise des diplômes en mai 2015. La pièce a suscité une grande controverse, mais a été soutenue par un groupe de ses compagnons et militants qui ont rejoint Sulkowicz à plusieurs reprises en portant le matelas, faisant du travail un relance internationale. Le critique d'art Jerry Saltz a considéré l'œuvre d'art comme l'une des plus importantes de l'année 2014.

En novembre 2018, lors d'une conférence et d'une performance en direct de l'artiste Abel Azcona au Musée d'art contemporain de Bogotá , a commencé l'œuvre L' Espagne demande pardon ( España os Pide Perdón ), un élément au contenu critique et anticolonialiste. Dans la première action, Azcona a lu un texte où "L'Espagne demande pardon" a été répété en continu. Deux mois plus tard, au Musée de la ville de Mexico, il a installé une toile à voile avec la même phrase dessus. Quelques jours plus tard, le président du Mexique Andrés Manuel López Obrador lors d'une conférence de presse a demandé publiquement des excuses à l'Espagne. Depuis lors jusqu'à la mi-2020, l'œuvre a réussi à devenir un mouvement collectif dans des villes telles que La Havane , Lima , Caracas , Ciudad de Panama , Tegucigalpa ou Quito , à travers divers médias.

En 2019, l'œuvre d'art de performance collective A Rapist in Your Path a été créée par un groupe féministe de Valparaíso , au Chili, nommé Lastesis, qui consistait en une manifestation contre les violations des droits des femmes dans le contexte des manifestations chiliennes de 2019-2020 . Il a été joué pour la première fois devant le deuxième commissariat des carabiniers du Chili à Valparaíso le 18 novembre 2019. Une deuxième représentation réalisée par 2000 femmes chiliennes le 25 novembre 2019, dans le cadre de la Journée internationale pour l'élimination de la violence contre les femmes , a été filmé et est devenu viral sur les réseaux sociaux. Sa portée est devenue mondiale après que des mouvements féministes dans des dizaines de pays ont adopté et traduit la performance pour leurs propres protestations et demandes de cessation et de punition du fémicide et de la violence sexuelle, entre autres.

Voir également

Les références

Bibliographie

Liens externes