Art de la Renaissance - Renaissance art

Jan van Eyck , Le Retable de Gand : L'Adoration de l'Agneau mystique (vue intérieure), 1432
Titien , Amour sacré et profane , v. 1513 – 1514, Galerie Borghèse , Rome

L'art de la Renaissance (1350 - 1620 après JC) est la peinture, la sculpture et les arts décoratifs de la période de l'histoire européenne connue sous le nom de Renaissance , qui a émergé comme un style distinct en Italie vers 1400 après JC, parallèlement aux développements de la philosophie , littérature , musique , science et technologie . L'art de la Renaissance a pris comme fondement l'art de l'Antiquité classique , perçu comme la plus noble des traditions anciennes, mais a transformé cette tradition en absorbant les développements récents de l'art de l'Europe du Nord et en appliquant les connaissances scientifiques contemporaines. Avec la philosophie humaniste de la Renaissance , elle s'est répandue dans toute l'Europe, affectant à la fois les artistes et leurs mécènes avec le développement de nouvelles techniques et de nouvelles sensibilités artistiques. Pour les historiens de l'art , l'art de la Renaissance marque la transition de l'Europe de la période médiévale à l'époque moderne .

L'ensemble de l'art, de la peinture, de la sculpture, de l'architecture, de la musique et de la littérature identifiés comme « art de la Renaissance » a été principalement produit au cours des XIVe, XVe et XVIe siècles en Europe sous les influences combinées d'une conscience accrue de la nature, d'un renouveau de l'art classique l'apprentissage et une vision plus individualiste de l'homme. Les érudits ne croient plus que la Renaissance ait marqué une rupture brutale avec les valeurs médiévales, comme le suggère le mot français renaissance , signifiant littéralement « renaissance ». Les sources historiques suggèrent plutôt que l'intérêt pour la nature, l'apprentissage humaniste et l'individualisme étaient déjà présents à la fin de la période médiévale et sont devenus dominants dans l'Italie des XVe et XVIe siècles, parallèlement à des changements sociaux et économiques tels que la sécularisation de la vie quotidienne, la l'essor d'une économie rationnelle de l'argent-crédit et une mobilité sociale considérablement accrue. Dans de nombreuses régions d'Europe, l'art de la première Renaissance a été créé en parallèle avec l'art de la fin du Moyen Âge .

Origines

De nombreuses influences sur le développement des hommes et des femmes de la Renaissance au début du XVe siècle ont été créditées de l'émergence de l'art de la Renaissance; ce sont les mêmes que ceux qui ont affecté la philosophie, la littérature, l'architecture, la théologie, la science, le gouvernement et d'autres aspects de la société. La liste suivante présente un résumé des changements dans les conditions sociales et culturelles qui ont été identifiés comme des facteurs ayant contribué au développement de l'art de la Renaissance. Chacun est traité plus en détail dans les principaux articles cités ci-dessus. Les érudits de la Renaissance se sont concentrés sur la vie actuelle et les moyens de faire évoluer et améliorer la vie humaine dans son intégralité. Ils ne prêtaient pas beaucoup d'attention à la philosophie ou à la religion médiévales. Au cours de cette période, des érudits et des humanistes comme Érasme, Dante et Pétrarque ont critiqué les croyances superstitieuses et les ont également remises en question. Le concept d'éducation a également élargi son spectre et s'est concentré davantage sur la création d'un «homme idéal» qui aurait une bonne compréhension des arts, de la musique, de la poésie et de la littérature et aurait la capacité d'apprécier ces aspects de la vie. Au cours de cette période, une perspective scientifique a émergé qui a aidé les gens à remettre en question les rituels inutiles de l'église.

  • Des textes classiques, perdus pour les savants européens pendant des siècles, sont devenus disponibles. Ceux-ci comprenaient des documents de philosophie, de prose, de poésie, de théâtre, de science, une thèse sur les arts et la théologie chrétienne primitive.
  • L'Europe a eu accès aux mathématiques avancées, qui avaient leur origine dans les travaux des savants islamiques.
  • L'avènement de l' imprimerie à caractères mobiles au XVe siècle a permis de diffuser facilement les idées et un nombre croissant de livres ont été écrits pour un public plus large.
  • La création de la Banque Médicis et le commerce qu'elle a généré ont apporté une richesse sans précédent à une seule ville italienne, Florence .
  • Cosme de Médicis a établi une nouvelle norme pour le mécénat des arts, non associé à l'église ou à la monarchie.
  • La philosophie humaniste signifiait que la relation de l'homme avec l'humanité, l'univers et Dieu n'était plus le domaine exclusif de l'église.
  • Un regain d'intérêt pour les classiques a entraîné la première étude archéologique des vestiges romains par l'architecte Brunelleschi et le sculpteur Donatello . Le renouveau d'un style d'architecture basé sur des précédents classiques inspira un classicisme correspondant en peinture et en sculpture, qui se manifesta dès les années 1420 dans les peintures de Masaccio et d' Uccello .
  • L'amélioration de la peinture à l'huile et les développements de la technique de la peinture à l'huile par des artistes belges tels que Robert Campin , Jan van Eyck , Rogier van der Weyden et Hugo van der Goes ont conduit à son adoption en Italie à partir de 1475 environ et ont finalement eu des effets durables sur les pratiques picturales. à l'échelle mondiale.
  • La présence fortuite dans la région de Florence au début du XVe siècle de certains personnages de génie artistique, notamment Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti , Piero della Francesca , Donatello et Michelozzo forment un ethos dont sont issus les grands maîtres de la Haute Renaissance , ainsi que de soutenir et d'encourager de nombreux artistes de moindre importance à réaliser un travail d'une qualité extraordinaire.
  • Un héritage similaire de réalisations artistiques s'est produit à Venise à travers la talentueuse famille Bellini , leurs influents beaux- parents Mantegna , Giorgione , Titien et Tintoret .
  • La publication de deux traités de Leone Battista Alberti , De pictura ("Sur la peinture") en 1435 et De re aedificatoria ("Dix livres sur l'architecture") en 1452.

Histoire

Proto-Renaissance en Italie, 1280-1400

Fresque carrée.  Dans un espace peu profond comme un décor de scène, des personnages réalistes se rassemblent autour du corps mort de Jésus.  Tous sont en deuil.  Marie-Madeleine pleure sur ses pieds.  Un disciple masculin jette ses bras de désespoir.  Joseph d'Ariméthée tient le linceul.  Au Paradis, de petits anges hurlent et s'arrachent les cheveux.
Giotto : La Lamentation , v. 1305, la chapelle des Scrovegni , préfigure la Renaissance.

En Italie à la fin du XIIIe et au début du XIVe siècle, la sculpture de Nicola Pisano et de son fils Giovanni Pisano , travaillant à Pise , Sienne et Pistoia montre des tendances nettement classicisantes, probablement influencées par la familiarité de ces artistes avec les sarcophages romains antiques . Ses chefs-d'œuvre sont les chaires du baptistère et de la cathédrale de Pise .

Contemporain de Giovanni Pisano, le peintre florentin Giotto a développé une manière de peinture figurative qui était sans précédent naturaliste, tridimensionnelle, réaliste et classiciste, par rapport à celle de ses contemporains et professeur Cimabue . Giotto, dont la plus grande œuvre est le cycle de la Vie du Christ à la chapelle des arènes de Padoue , était considéré par le biographe du XVIe siècle Giorgio Vasari comme « sauvant et restaurant l'art » du « style brut, traditionnel et byzantin » répandu en Italie au XIIIe siècle.

Début de la Renaissance en Italie, 1400-1495

Donatello, David (années 1440 ?) Museo Nazionale del Bargello.

Bien que les Pisanos et Giotto aient eu des étudiants et des disciples, les premiers artistes véritablement de la Renaissance n'ont pas vu le jour à Florence avant 1401 avec le concours pour sculpter un ensemble de portes en bronze du baptistère de la cathédrale de Florence , qui a attiré les entrées de sept jeunes sculpteurs dont Brunelleschi , Donatello et le vainqueur, Lorenzo Ghiberti . Brunelleschi, le plus célèbre comme l'architecte du dôme de la cathédrale de Florence et de l' église de San Lorenzo , a créé un certain nombre d'œuvres sculpturales, dont un crucifix grandeur nature à Santa Maria Novella , réputé pour son naturalisme . Ses études de perspective auraient influencé le peintre Masaccio . Donatello est devenu célèbre comme le plus grand sculpteur du début de la Renaissance, ses chefs-d'œuvre étant sa statue humaniste et exceptionnellement érotique de David , l'une des icônes de la république florentine , et son grand monument à Gattamelata , le premier grand bronze équestre créé depuis l'époque romaine fois.

Le contemporain de Donatello, Masaccio, était le descendant pictural de Giotto et a commencé le début de la Renaissance dans la peinture italienne en 1425, favorisant la tendance à la solidité de la forme et au naturalisme du visage et du geste que Giotto avait commencé un siècle plus tôt. De 1425 à 1428, Masaccio a réalisé plusieurs peintures sur panneaux, mais est surtout connu pour le cycle de fresques qu'il a commencé dans la chapelle Brancacci avec l'artiste plus âgé Masolino et qui a eu une profonde influence sur les peintres ultérieurs, dont Michel-Ange . Les développements de Masaccio se sont poursuivis dans les peintures de Fra Angelico , en particulier dans ses fresques du couvent de San Marco à Florence.

Le traitement des éléments de perspective et de lumière dans la peinture préoccupait particulièrement les peintres florentins du XVe siècle. Uccello était tellement obsédé par la recherche d'une apparence de perspective que, selon Giorgio Vasari , cela a perturbé son sommeil. Ses solutions peuvent être vues dans son chef-d'œuvre de trois tableaux, la bataille de San Romano , qui aurait été achevée en 1460. Piero della Francesca a réalisé des études systématiques et scientifiques de la perspective lumineuse et linéaire, dont les résultats peuvent être vu dans son cycle de fresques de L'histoire de la Vraie Croix à San Francesco, Arezzo .

A Naples , le peintre Antonello da Messina a commencé à utiliser des peintures à l'huile pour des portraits et des peintures religieuses à une date qui a précédé d'autres peintres italiens, peut-être vers 1450. Il a porté cette technique vers le nord et a influencé les peintres de Venise . L'un des peintres les plus importants du nord de l'Italie était Andrea Mantegna , qui a décoré l'intérieur d'une pièce, la Camera degli Sposi pour son mécène Ludovico Gonzaga , plaçant des portraits de la famille et de la cour dans un espace architectural illusionniste .

La période de fin de la Première Renaissance dans l'art italien est marquée, comme son début, par une commande particulière qui a réuni des artistes, cette fois en coopération plutôt qu'en compétition. Le pape Sixte IV avait reconstruit la chapelle papale, nommée chapelle Sixtine en son honneur, et a chargé un groupe d'artistes, Sandro Botticelli , Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio et Cosimo Rosselli de décorer son mur avec des cycles de fresques représentant la vie du Christ et la vie de Moïse. Dans les seize grands tableaux, les artistes, bien que chacun travaillant dans son style individuel, se sont mis d'accord sur des principes de format et ont utilisé les techniques d'éclairage, de perspective linéaire et atmosphérique, d'anatomie, de raccourci et de caractérisation qui avaient été portées à un point culminant dans le grands studios florentins de Ghiberti, Verrocchio, Ghirlandaio et Perugino.

Jean Fouquet , autoportrait (1450). Le premier portrait miniature et peut-être le premier autoportrait formel .

Art primitif des Pays-Bas, 1425-1525

Rogier van der Weyden , La Descente de Croix (vers 1435), huile sur panneau de chêne, 220 cm × 262 cm (87 po × 103 po). Musée du Prado , Madrid.

Les peintres des Pays-Bas de cette période comprenaient Jan van Eyck , son frère Hubert van Eyck , Robert Campin , Hans Memling , Rogier van der Weyden et Hugo van der Goes . Leur peinture s'est développée en partie indépendamment de la peinture du début de la Renaissance italienne, et sans l'influence d'un effort délibéré et conscient pour faire revivre l'antiquité.

Le style de la peinture s'est développé directement à partir de la peinture médiévale à la détrempe , sur des panneaux et des manuscrits enluminés , et d'autres formes telles que le vitrail ; le support de la fresque était moins courant en Europe du Nord. Le médium utilisé était la peinture à l'huile , qui avait longtemps été utilisée pour peindre des boucliers et des accessoires de cérémonie en cuir, car elle était flexible et relativement durable. Les premières peintures à l'huile néerlandaises sont méticuleuses et détaillées comme des peintures à la détrempe. Le matériau se prêtait à la représentation des variations tonales et de la texture, facilitant ainsi l'observation de la nature dans ses moindres détails.

Les peintres néerlandais n'ont pas abordé la création d'une image à travers un cadre de perspective linéaire et de proportion correcte. Ils ont maintenu une vision médiévale de la proportion hiérarchique et du symbolisme religieux, tout en se délectant d'un traitement réaliste des éléments matériels, à la fois naturels et artificiels. Jan van Eyck, avec son frère Hubert, a peint Le Retable de l'Agneau mystique . Il est probable qu'Antonello da Messina se soit familiarisé avec l'œuvre de Van Eyck, alors qu'il était à Naples ou en Sicile. En 1475, le retable Portinari d' Hugo van der Goes arrive à Florence, où il va avoir une profonde influence sur de nombreux peintres, plus immédiatement Domenico Ghirlandaio , qui peint un retable imitant ses éléments.

Un peintre néerlandais très important vers la fin de la période était Hieronymus Bosch , qui utilisait le type de formes fantaisistes qui étaient souvent utilisées pour décorer les bordures et les lettres dans les manuscrits enluminés, combinant des formes végétales et animales avec des formes architectoniques. Prises du contexte de l'enluminure et peuplées d'humains, ces formes confèrent aux peintures de Bosch une qualité surréaliste qui n'a d'équivalent dans l'œuvre d'aucun autre peintre de la Renaissance. Son chef-d'œuvre est le triptyque Le Jardin des Délices .

Début de la Renaissance en France, 1375-1528

Jean Hey, Le Triptyque des Moulins , v. 1498, huile sur panneau, Cathédrale de Moulins.

Les artistes de France (y compris les duchés comme la Bourgogne ) étaient souvent associés aux cours, fournissant des manuscrits enluminés et des portraits pour la noblesse ainsi que des peintures de dévotion et des retables. Parmi les plus célèbres figuraient les frères Limbourg , enlumineurs flamands et créateurs de l' enluminure manuscrite des Très Riches Heures du Duc de Berry . Jean Fouquet , peintre de la cour royale, visite l'Italie en 1437 et témoigne de l'influence des peintres florentins comme Paolo Uccello. Bien que surtout connu pour ses portraits tels que celui de Charles VII de France , Fouquet a également créé des enluminures, et est considéré comme l'inventeur du portrait miniature . Il y avait un certain nombre d'artistes à cette date qui ont peint des retables célèbres, qui sont stylistiquement assez distincts de l'italien et du flamand. Il s'agit notamment de deux figures énigmatiques, Enguerrand Quarton , à qui est attribuée la Pietà de Villeneuve-lès-Avignon , et Jean Hey , autrement dit « le Maître de Moulins » d'après son œuvre la plus célèbre, le Retable de Moulins. Dans ces œuvres, le réalisme et l'observation attentive de la figure humaine, les émotions et l'éclairage sont combinés avec une formalité médiévale, qui comprend des fonds dorés.

Haute Renaissance en Italie, 1495-1520

Le "génie universel" Léonard de Vinci devait perfectionner davantage les aspects de l'art pictural (éclairage, perspective linéaire et atmosphérique, anatomie, raccourci et caractérisation) qui avaient préoccupé les artistes du début de la Renaissance, au cours d'une vie d'étude et d'enregistrement méticuleux de ses observations. du monde naturel. Son adoption de la peinture à l'huile comme support principal lui a permis de représenter la lumière et ses effets sur le paysage et les objets plus naturellement et avec un effet dramatique plus grand que jamais auparavant, comme le démontre la Joconde (1503-1506). Sa dissection de cadavres a fait progresser la compréhension de l'anatomie squelettique et musculaire, comme on le voit dans l'inachevé Saint Jérôme dans le désert (vers 1480). Sa représentation de l'émotion humaine dans La Dernière Cène , achevée de 1495 à 1498, a établi la référence pour la peinture religieuse.

L'art du jeune contemporain de Léonard de Vinci, Michel-Ange, a pris une tout autre direction. Michel-Ange, ni dans sa peinture ni dans sa sculpture, ne montre aucun intérêt pour l'observation d'un objet naturel, à l'exception du corps humain. Il perfectionne sa technique en la représentant, alors qu'il a une vingtaine d'années, par la création de l'énorme statue en marbre de David et du groupe Pietà , dans la basilique Saint-Pierre de Rome. Il se lance alors dans une exploration des possibilités expressives de l'anatomie humaine. Sa commande par le pape Jules II de peindre le plafond de la chapelle Sixtine a abouti au chef-d'œuvre suprême de la composition figurative , qui devait avoir un effet profond sur chaque génération suivante d'artistes européens. Son œuvre ultérieure, Le Jugement dernier , peinte sur le mur de l'autel de la chapelle Sixtine entre 1534 et 1541, montre un style maniériste (également appelé Renaissance tardive) avec des corps généralement allongés qui a pris le relais du style Haute Renaissance entre 1520 et 1530.

Aux côtés de Léonard de Vinci et de Michel-Ange en tant que troisième grand peintre de la Haute Renaissance se trouvait le jeune Raphaël , qui, au cours d'une courte durée de vie, a peint un grand nombre de portraits réalistes et engageants, dont ceux du pape Jules II et de son successeur le pape Léon X , et de nombreuses représentations de la Vierge et de l'Enfant Jésus, dont la Vierge Sixtine . Sa mort en 1520 à l'âge de 37 ans est considérée par de nombreux historiens de l'art comme la fin de la période de la Haute Renaissance, bien que certains artistes aient continué à travailler dans le style de la Haute Renaissance pendant de nombreuses années par la suite.

En Italie du Nord, la Haute Renaissance est représentée principalement par des membres de l'école vénitienne, notamment par les dernières œuvres de Giovanni Bellini , notamment des peintures religieuses, qui comprennent plusieurs grands retables d'un type dit « Conversation sacrée », qui montrent un groupe de saints autour de la Madone intronisée. Son contemporain Giorgione , décédé vers l'âge de 32 ans en 1510, a laissé un petit nombre d'œuvres énigmatiques, dont La Tempête , dont le sujet est resté un sujet de spéculation. Les premières œuvres de Titien datent de l'époque de la Haute Renaissance, y compris un retable massif L'Assomption de la Vierge qui combine l'action humaine et le drame avec des couleurs et une atmosphère spectaculaires. Titien a continué à peindre dans un style généralement de la Haute Renaissance jusqu'à la fin de sa carrière dans les années 1570, bien qu'il ait de plus en plus utilisé la couleur et la lumière sur la ligne pour définir ses figures.

art de la Renaissance allemande

Lucas Cranach l'Ancien , Apollon et Diane .

L'art de la Renaissance allemande entre dans la catégorie plus large de la Renaissance en Europe du Nord, également connue sous le nom de Renaissance du Nord . Les influences de la Renaissance ont commencé à apparaître dans l'art allemand au 15ème siècle, mais cette tendance n'était pas répandue. L' art à travers les âges de Gardner identifie Michael Pacher , un peintre et sculpteur, comme le premier artiste allemand dont le travail commence à montrer des influences de la Renaissance italienne. Selon cette source, la peinture de Pacher, Saint Wolfgang force le diable à tenir son livre de prières (vers 1481), est de style gothique tardif, mais montre également l'influence de l'artiste italien Mantegna .

Dans les années 1500, l'art de la Renaissance en Allemagne est devenu plus courant car, selon Gardner, "L'art de l'Europe du Nord au XVIe siècle se caractérise par une prise de conscience soudaine des progrès réalisés par la Renaissance italienne et par un désir d'assimiler ce nouveau style le plus rapidement possible." L'un des praticiens les plus connus de l'art de la Renaissance allemande était Albrecht Dürer (1471-1528), dont la fascination pour les idées classiques l'a conduit en Italie pour étudier l'art. Gardner et Russell ont tous deux reconnu l'importance de la contribution de Dürer à l'art allemand en apportant les styles et les idées de la Renaissance italienne en Allemagne. Russell appelle cela « Ouvrir les fenêtres gothiques de l'art allemand », tandis que Gardner l'appelle « la mission de la vie » de Dürer. Fait important, comme le souligne Gardner, Dürer « a été le premier artiste du Nord à comprendre pleinement les objectifs fondamentaux de la Renaissance du Sud », bien que son style ne reflète pas toujours cela. La même source dit que Hans Holbein le Jeune (1497-1543) a réussi à assimiler les idées italiennes tout en conservant les « traditions nordiques d'un réalisme étroit ». Cela contraste avec la tendance de Dürer à travailler dans « son propre style allemand natif » au lieu de combiner les styles allemand et italien. D'autres artistes importants de la Renaissance allemande étaient Matthias Grünewald , Albrecht Altdorfer et Lucas Cranach l'Ancien .

Les artisans tels que les graveurs sont devenus plus soucieux de l'esthétique que de simplement perfectionner leur artisanat. L'Allemagne avait des maîtres graveurs, tels que Martin Schongauer , qui réalisait des gravures sur métal à la fin des années 1400. Gardner relie cette maîtrise des arts graphiques aux progrès de l' imprimerie qui se sont produits en Allemagne, et dit que la gravure sur métal a commencé à remplacer la gravure sur bois à la Renaissance. Cependant, certains artistes, comme Albrecht Dürer, ont continué à faire des gravures sur bois. Gardner et Russell décrivent tous deux la belle qualité des gravures sur bois de Dürer, Russell déclarant dans The World of Dürer que Dürer « les a élevées au rang de grandes œuvres d'art ».

Grande-Bretagne

La Grande-Bretagne a développé très tard un style Renaissance distinct et la plupart des artistes de la cour des Tudor étaient des étrangers importés, généralement des Pays-Bas , dont Hans Holbein le Jeune , décédé en Angleterre. Une exception était le portrait miniature , que des artistes, dont Nicholas Hilliard, ont développé un genre distinct bien avant qu'il ne devienne populaire dans le reste de l'Europe. L'art de la Renaissance en Écosse dépendait également des artistes importés et se limitait en grande partie à la cour.

Thèmes et symbolisme

Sandro Botticelli , Magnificat Madonna , 1480-1481, tempera sur panneau, Offices , Florence

Les artistes de la Renaissance ont peint une grande variété de thèmes. Les retables religieux , les cycles de fresques et les petites œuvres de dévotion privée étaient très populaires. Pour l' inspiration, les peintres en Italie et en Europe du Nord tournés vers des Jacobus de Voragine de Légende dorée (1260), un livre de source très influente pour la vie des saints qui avaient déjà eu une forte influence sur les artistes médiévaux. La renaissance de l'Antiquité classique et de l'humanisme de la Renaissance a également donné lieu à de nombreuses peintures mythologiques et historiques . Les histoires ovidiennes , par exemple, étaient très populaires. L' ornement décoratif , souvent utilisé dans les éléments architecturaux peints, a été particulièrement influencé par les motifs romains classiques.

Technique

  • L'usage de la proportion – Le premier grand traitement du tableau comme fenêtre sur l'espace apparaît dans l'œuvre de Giotto di Bondone , au début du XIVe siècle. La véritable perspective linéaire a été formalisée plus tard, par Filippo Brunelleschi et Leon Battista Alberti . En plus de donner une présentation plus réaliste de l'art, cela a poussé les peintres de la Renaissance à composer plus de peintures.
  • Raccourcissement - Le terme raccourci fait référence à l'effet artistique de raccourcir les lignes d'un dessin afin de créer une illusion de profondeur.
  • Sfumato - Le terme sfumato a été inventé par l'artiste italien de la Renaissance Léonard de Vinci et fait référence à une technique de peinture d'art consistant à brouiller ou à adoucir les contours nets par un mélange subtil et progressif d'un ton dans un autre grâce à l'utilisation de glaçures minces pour donner l'illusion de profondeur ou tridimensionnalité. Cela vient du mot italien sfumare qui signifie s'évaporer ou disparaître. L'origine latine est fumare , fumer.
  • Clair - obscur - Le terme clair-obscur fait référence à l'effet de modélisation de la peinture d'art consistant à utiliser un fort contraste entre la lumière et l'obscurité pour donner l'illusion de la profondeur ou de la tridimensionnalité. Cela vient des mots italiens signifiant clair ( chiaro ) et sombre ( scuro ), une technique qui s'est largement répandue à l' époque baroque .

Liste des artistes de la Renaissance

Italie

Pays Bas

Allemagne

La France

Espagne et Portugal

Croatie

Travaux

Grandes collections

Voir également

Les références

Liens externes