Rococo -Rococo

Rococo
Ca' rezzonico, salone da ballo, quadrature di pietro visconti e affreschi di gb crosato (caduta di febo e 4 continenti), 1753, 02.jpg
Charles Cressent, Commode, v.  1730 au manoir de Waddesdon.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
Plafond de la salle de bal de la Ca Rezzonico à Venise avec peinture quadratura illusionniste de Giovanni Battista Crosato (1753); Commode de Charles Cressent (1730) ; Résidence du Kaisersaal de Würzburg par Balthasar Neumann (1749-1751)
Années actives 1730 à 1760
Pays France, Italie, Europe Centrale

Rococo , moins communément Roccoco ( / r ə ˈ k k / rə- KOH -koh , États-Unis aussi / ˌ r k ə ˈ k / ROH -kə- KOH , français :  [ʁɔkɔko] ou [ʁokoko] ( écouter ) ), également connu sous le nom de baroque tardif , est un style d'architecture, d'art et de décoration exceptionnellement ornemental et dramatique qui combine asymétrie, volutes courbes, dorure, couleurs blanches et pastel, moulures sculptées et trompe- l'œil fresques pour créer la surprise et l'illusion du mouvement et du drame. Il est souvent décrit comme l'expression ultime du mouvement baroque .

Le style rococo a commencé en France dans les années 1730 en réaction contre le style Louis XIV plus formel et géométrique . Il était connu sous le nom de "style Rocaille ", ou "style Rocaille". Il s'est rapidement répandu dans d'autres parties de l'Europe, en particulier dans le nord de l'Italie, l'Autriche, le sud de l'Allemagne, l'Europe centrale et la Russie. Il a également influencé les autres arts, en particulier la sculpture, le mobilier, l'argenterie, la verrerie, la peinture, la musique et le théâtre. Bien qu'à l'origine un style profane principalement utilisé pour les intérieurs de résidences privées, le rococo avait un aspect spirituel qui a conduit à son utilisation généralisée dans les intérieurs d'églises, en particulier en Europe centrale, au Portugal et en Amérique du Sud.

Étymologie

Sculpture rococo intégrée, stuc et fresque à l'abbaye de Zwiefalten (1739-1745)

Le mot rococo a d'abord été utilisé comme une variation humoristique du mot rocaille . La rocaille était à l'origine une méthode de décoration , utilisant des galets, des coquillages et du ciment, qui était souvent utilisée pour décorer les grottes et les fontaines depuis la Renaissance. À la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, la rocaille est devenue le terme d'une sorte de motif décoratif ou d'ornement apparu à la fin du style Louis XIV , sous la forme d'un coquillage entrelacé de feuilles d'acanthe . En 1736, le dessinateur et joaillier Jean Mondon publie le Premier Livre de forme rocquaille et cartel , un recueil de dessins d'ornements de meubles et de décoration intérieure. C'était la première apparition imprimée du terme rocaille pour désigner le style. Le motif de coquillage sculpté ou moulé a été combiné avec des feuilles de palmier ou des vignes tordues pour décorer les portes, les meubles, les panneaux muraux et d'autres éléments architecturaux.

Le terme rococo a été utilisé pour la première fois dans l'imprimé en 1825 pour décrire une décoration « démodée et démodée ». Il fut utilisé en 1828 pour la décoration "qui appartenait au style du XVIIIe siècle, surchargé d'ornements torsadés". En 1829, l'auteur Stendhal décrit le rococo comme « le style rocaille du XVIIIe siècle ».

Chapiteau de l' abbaye d'Engelszell , d' Autriche (1754-1764)

Au XIXe siècle, le terme était utilisé pour décrire une architecture ou une musique excessivement ornementale. Depuis le milieu du XIXe siècle, le terme est accepté par les historiens de l'art . Bien qu'il y ait encore un débat sur la signification historique du style, le rococo est maintenant souvent considéré comme une période distincte dans le développement de l' art européen .

Caractéristiques

Le rococo présente une décoration exubérante, avec une abondance de courbes, contre-courbes, ondulations et éléments calqués sur la nature. Les extérieurs des bâtiments rococo sont souvent simples, tandis que les intérieurs sont entièrement dominés par leur ornement. Le style était très théâtral, conçu pour impressionner et impressionner à première vue. Les plans d'étage des églises étaient souvent complexes, avec des ovales imbriqués; Dans les palais, les grands escaliers deviennent des pièces maîtresses et offrent différents points de vue sur la décoration. Les principaux ornements du Rococo sont : les coquillages asymétriques, les acanthes et autres feuilles, les oiseaux, les bouquets de fleurs, les fruits, les instruments de musique, les anges et les chinoiseries ( pagodes , dragons, singes, fleurs bizarres et chinois).

Le style intégrait souvent la peinture, le stuc moulé, la sculpture sur bois et la quadratura , ou peintures de plafond illusionnistes, qui étaient conçues pour donner l'impression que ceux qui entraient dans la pièce regardaient le ciel, où des chérubins et d'autres personnages les regardaient. . Les matériaux utilisés comprenaient le stuc, peint ou laissé en blanc; combinaisons de bois de différentes couleurs (généralement chêne, hêtre ou noyer); bois laqué à la japonisante, ornementation en bronze doré, et dessus en marbre de commodes ou de tables. L'intention était de créer une impression de surprise, d'admiration et d'émerveillement à première vue.

Différences entre baroque et rococo

Le rococo a les caractéristiques suivantes, ce que le baroque n'a pas :

France

Le style Rocaille , ou Rococo français, est apparu à Paris sous le règne de Louis XV et s'est épanoui entre 1723 et 1759 environ. Le style a été utilisé en particulier dans les salons, un nouveau style de pièce conçu pour impressionner et divertir les invités. L'exemple le plus marquant est le salon de la princesse de l'hôtel de Soubise à Paris, conçu par Germain Boffrand et Charles-Joseph Natoire (1735-1740). Les caractéristiques du rococo français comprenaient un talent artistique exceptionnel, en particulier dans les cadres complexes fabriqués pour les miroirs et les peintures, qui étaient sculptés en plâtre et souvent dorés ; et l'utilisation de formes végétales (vignes, feuilles, fleurs) entrelacées dans des dessins complexes. Le mobilier présente également des courbes sinueuses et des motifs végétaux. Les principaux créateurs de meubles et artisans du style comprenaient Juste-Aurèle Meissonier , Charles Cressent et Nicolas Pineau .

Le style Rocaille a duré en France jusqu'au milieu du XVIIIe siècle, et s'il est devenu plus courbé et végétal, il n'a jamais atteint l'exubérance extravagante du Rococo en Bavière, en Autriche et en Italie. Les découvertes des antiquités romaines à partir de 1738 à Herculanum et surtout à Pompéi en 1748 orientent l'architecture française vers le néo-classicisme plus symétrique et moins flamboyant .

Italie

Les artistes en Italie, en particulier à Venise , ont également produit un style rococo exubérant. Les commodes vénitiennes imitaient les lignes courbes et l'ornement sculpté de la rocaille française, mais avec une variation vénitienne particulière; les pièces étaient peintes, souvent avec des paysages ou des fleurs ou des scènes de Guardi ou d'autres peintres, ou de Chinoiserie , sur un fond bleu ou vert, assorti aux couleurs de l' école vénitienne des peintres dont le travail décorait les salons. Parmi les peintres décoratifs notables figuraient Giovanni Battista Tiepolo , qui a peint les plafonds et les peintures murales des églises et des palais, et Giovanni Battista Crosato qui a peint le plafond de la salle de bal de la Ca Rezzonico à la manière quadraturo , donnant l'illusion de trois dimensions. Tiepelo s'est rendu en Allemagne avec son fils de 1752 à 1754, décorant les plafonds de la résidence de Würzburg , l'un des principaux monuments du rococo bavarois. Un ancien peintre vénitien célèbre était Giovanni Battista Piazzetta , qui a peint plusieurs plafonds d'église remarquables.

Le rococo vénitien présentait également une verrerie exceptionnelle, en particulier le verre de Murano , souvent gravé et coloré, qui était exporté dans toute l'Europe. Les travaux comprenaient des lustres multicolores et des miroirs aux cadres extrêmement ornés.

Allemagne du Sud

Dans la construction d'églises, en particulier dans la région méridionale germano-autrichienne, de gigantesques créations spatiales sont parfois créées pour des raisons pratiques uniquement, qui, cependant, n'apparaissent pas monumentales, mais se caractérisent par une fusion unique d'architecture, de peinture, de stuc, etc., éliminant souvent les frontières entre les genres artistiques, et se caractérisent par une apesanteur lumineuse, une gaieté festive et du mouvement. Le style décoratif rococo atteint son apogée dans le sud de l'Allemagne et en Autriche des années 1730 aux années 1770. Là, il domine encore aujourd'hui le paysage ecclésiastique et y est profondément ancré dans la culture populaire. Il a d'abord été introduit de France à travers les publications et les travaux d'architectes et décorateurs français, dont le sculpteur Claude III Audran , l'architecte d'intérieur Gilles-Marie Oppenordt , l'architecte Germain Boffrand , le sculpteur Jean Mondon et le dessinateur et graveur Pierre Lepautre . Leur travail a eu une influence importante sur le style rococo allemand, mais n'atteint pas le niveau des bâtiments du sud de l'Allemagne.

Les architectes allemands ont adapté le style rococo mais l'ont rendu beaucoup plus asymétrique et chargé d'une décoration plus ornée que l'original français. Le style allemand se caractérisait par une explosion de formes qui tombaient en cascade sur les murs. Il comportait des moulures formées en courbes et contre-courbes, des motifs de torsion et de rotation, des plafonds et des murs sans angles droits et un feuillage en stuc qui semblait ramper sur les murs et à travers le plafond. La décoration était souvent dorée ou argentée pour lui donner un contraste avec les murs blancs ou pastel pâle.

L'architecte et designer d'origine belge François de Cuvilliés fut l'un des premiers à créer un édifice rococo en Allemagne, avec le pavillon d' Amalienburg à Munich, (1734-1739), inspiré des pavillons du Trianon et de Marly en France. Il a été construit comme un pavillon de chasse, avec une plate-forme sur le toit pour tirer sur les faisans. La galerie des glaces à l'intérieur, du peintre et sculpteur en stuc Johann Baptist Zimmermann , était bien plus exubérante que n'importe quel rococo français.

Un autre exemple notable du premier rococo allemand est la résidence de Würzburg (1737–1744) construite pour le prince-évêque de Würzburg par Balthasar Neumann . Neumann s'était rendu à Paris et avait consulté les artistes décoratifs rocaille français Germain Boffrand et Robert de Cotte . Alors que l'extérieur était de style baroque plus sobre, l'intérieur, en particulier les escaliers et les plafonds, était beaucoup plus léger et décoratif. Le prince-évêque a importé le peintre rococo italien Giovanni Battista Tiepolo en 1750-1753 pour créer une peinture murale au-dessus de l'escalier d'apparat à trois niveaux. Neumann a décrit l'intérieur de la résidence comme "un théâtre de lumière". L'escalier était également l'élément central d'une résidence que Neumann a construite au palais d'Augustusburg à Brühl (1743–1748). Dans ce bâtiment, l'escalier conduisait les visiteurs à travers une fantaisie de stuc de peintures, sculptures, ferronneries et décorations, avec des vues surprenantes à chaque tournant.

Dans les années 1740 et 1750, un certain nombre d'églises de pèlerinage notables ont été construites en Bavière , avec des intérieurs décorés dans une variante distinctive du style rococo. L'un des exemples les plus remarquables est la Wieskirche (1745-1754) conçue par Dominikus Zimmermann . Comme la plupart des églises de pèlerinage bavaroises, l'extérieur est très simple, avec des murs pastel et peu d'ornements. En entrant dans l'église, le visiteur découvre un étonnant théâtre de mouvement et de lumière. Il comporte un sanctuaire de forme ovale et un déambulatoire de la même forme, remplissant l'église de lumière de tous les côtés. Les murs blancs contrastaient avec les colonnes de stuc bleu et rose du chœur et le plafond en forme de dôme entouré d'anges en plâtre sous un dôme représentant les cieux peuplés de figures bibliques colorées. Parmi les autres églises de pèlerinage notables, citons la basilique des quatorze saints auxiliaires de Balthasar Neumann (1743–1772).

Johann Michael Fischer était l'architecte de l'abbaye d'Ottobeuren (1748–1766), un autre monument rococo bavarois. L'église présente, comme une grande partie de l'architecture rococo en Allemagne, un contraste remarquable entre la régularité de la façade et la surabondance de décoration à l'intérieur.

Grande-Bretagne

En Grande-Bretagne, le rococo s'appelait le «goût français» et avait moins d'influence sur le design et les arts décoratifs qu'en Europe continentale, bien que son influence se fasse sentir dans des domaines tels que l'argenterie, la porcelaine et la soie. William Hogarth a aidé à développer une base théorique pour la beauté rococo. Bien que ne mentionnant pas le rococo par son nom, il a soutenu dans son analyse de la beauté (1753) que les lignes ondulantes et les courbes en S proéminentes dans le rococo étaient à la base de la grâce et de la beauté dans l'art ou la nature (contrairement à la ligne droite ou au cercle dans le classicisme ) .

Le rococo tarda à arriver en Angleterre. Avant d'entrer dans le rococo, les meubles britanniques ont suivi pendant un certain temps le modèle palladien néoclassique sous le designer William Kent , qui a conçu pour Lord Burlington et d'autres mécènes importants des arts. Kent a voyagé en Italie avec Lord Burlington entre 1712 et 1720 et a ramené de nombreux modèles et idées de Palladio. Il a conçu les meubles pour Hampton Court Palace (1732), Lord Burlington's Chiswick House (1729), Londres, Thomas Coke's Holkham Hall , Norfolk, Robert Walpole's pile at Houghton , pour Devonshire House à Londres et à Rousham.

L'acajou a fait son apparition en Angleterre vers 1720 et est immédiatement devenu populaire pour les meubles, avec le bois de noyer . Le Rococo commença à faire son apparition en Angleterre entre 1740 et 1750. Le mobilier de Thomas Chippendale était le plus proche du style Rococo, En 1754 il publia "Gentleman's and Cabinet-makers' directory", un catalogue de dessins pour le rococo, la chinoiserie et même les meubles gothiques, qui ont atteint une grande popularité, traversant trois éditions. Contrairement aux designers français, Chippendale n'a pas utilisé de marqueterie ou d'incrustations dans ses meubles. Le concepteur prédominant de meubles incrustés était Vile et Cob, les ébénistes du roi George III. Une autre figure importante du mobilier britannique était Thomas Johnson , qui en 1761, très tard dans la période, publia un catalogue de dessins de meubles rococo. Ceux-ci incluent des meubles basés sur des motifs chinois et indiens plutôt fantastiques, y compris un lit à baldaquin couronné par une pagode chinoise (maintenant au Victoria and Albert Museum).

Parmi les autres personnalités notables du rococo britannique figuraient l'orfèvre Charles Friedrich Kandler.

Russie

L'impératrice russe Catherine la Grande était une autre admiratrice du rococo; Le Cabinet doré du Palais chinois dans le complexe palatial d' Oranienbaum près de Saint-Pétersbourg, conçu par l'Italien Antonio Rinaldi , est un exemple du rococo russe.

Rococo Fredericien

Frédéric le Grand , d'après Johann HC Franke, vers 1781

Frederician Rococo est une forme de rococo qui s'est développée en Prusse sous le règne de Frédéric le Grand et a combiné des influences de la France , de l'Allemagne (en particulier de la Saxe) et des Pays-Bas . Son adhérent le plus célèbre était l'architecte Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff . De plus, le peintre Antoine Pesne et même le roi Frédéric lui-même ont influencé les créations de Knobelsdorff. Parmi les bâtiments célèbres de style Frédéric, citons le palais de Sanssouci , le palais de la ville de Potsdam et certaines parties du palais de Charlottenburg .

Refuser et terminer

Comparaison entre une gravure du XVIIIe siècle , par Jacques de Lajoue , d'un cratère en calice rococo ; et un cratère calice romain du 1er siècle qui a exactement la même forme qu'un vase de jardin en pierre néoclassique

L'art de Boucher et d'autres peintres de l'époque, mettant l'accent sur la mythologie décorative et la galanterie, a rapidement suscité une réaction et une demande de thèmes plus «nobles». Alors que le rococo perdure en Allemagne et en Autriche, l' Académie française de Rome commence à enseigner le style classique. Cela fut confirmé par la nomination de De Troy comme directeur de l'académie en 1738, puis en 1751 par Charles-Joseph Natoire .

Madame de Pompadour , la maîtresse de Louis XV a contribué au déclin du style rococo. En 1750, elle envoie son frère, Abel-François Poisson de Vandières , en mission de deux ans pour étudier les développements artistiques et archéologiques en Italie. Il était accompagné de plusieurs artistes, dont le graveur Charles-Nicolas Cochin et l'architecte Soufflot . Ils reviennent à Paris avec une passion pour l'art classique. Vandières devient Marquis de Marigny, et est nommé directeur général des Bâtiments du Roi. Il a tourné l'architecture française officielle vers le néoclassique. Cochin est devenu un critique d'art important; il dénonce le petit style de Boucher et appelle à un grand style avec un nouvel accent sur l'antiquité et la noblesse dans les académies de peinture et d'architecture.

Le début de la fin du rococo est survenu au début des années 1760 lorsque des personnalités comme Voltaire et Jacques-François Blondel ont commencé à exprimer leur critique de la superficialité et de la dégénérescence de l'art. Blondel dénonce « le fouillis ridicule de coquillages, de dragons, de roseaux, de palmiers et de plantes » dans les intérieurs contemporains.

En 1785, le rococo était passé de mode en France, remplacé par l'ordre et le sérieux des artistes néoclassiques comme Jacques-Louis David . En Allemagne, le rococo de la fin du XVIIIe siècle a été ridiculisé sous le nom de Zopf und Perücke ("queue de cochon et perruque"), et cette phase est parfois appelée Zopfstil . Le rococo est resté populaire dans certains états provinciaux allemands et en Italie, jusqu'à ce que la deuxième phase du néoclassicisme, " style Empire ", arrive avec les gouvernements napoléoniens et balaye le rococo.

Meubles et décoration

Le style ornemental dit rocaille apparaît en France entre 1710 et 1750, principalement sous la régence et le règne de Louis XV ; le style s'appelait aussi Louis Quinze . Ses principales caractéristiques étaient le détail pittoresque, les courbes et les contre-courbes, l'asymétrie et une exubérance théâtrale. Sur les murs des nouveaux salons parisiens, les dessins sinueux et tortueux, généralement en stuc doré ou peint, s'enroulent autour des portes et des miroirs comme des vignes. L'un des premiers exemples est l' Hôtel Soubise à Paris (1704-1705), avec son célèbre salon ovale décoré de peintures de Boucher et de Charles-Joseph Natoire .

Le créateur de mobilier français le plus connu de l'époque est Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), également sculpteur, peintre. et orfèvre pour la maison royale. Il détenait le titre de dessinateur officiel de la Chambre et du Cabinet de Louis XV. Son travail est bien connu aujourd'hui en raison du nombre énorme de gravures faites de son travail qui a popularisé le style dans toute l'Europe. Il a conçu des œuvres pour les familles royales de Pologne et du Portugal.

L'Italie était un autre endroit où le rococo a prospéré, à la fois dans ses phases précoces et ultérieures. Les artisans de Rome, Milan et Venise produisaient tous des meubles et des objets de décoration richement décorés.

Le décor sculpté comprenait des fleurettes, des palmettes, des coquillages et des feuillages, sculptés dans du bois. Les formes rocailles les plus extravagantes se retrouvent dans les consoles, tables conçues pour s'adosser aux murs. Les Commodes, ou coffres, apparus sous Louis XIV, étaient richement décorés d'ornements rocailles en bronze doré. Ils ont été réalisés par des maîtres artisans dont Jean-Pierre Latz et comportaient également une marqueterie de bois de différentes couleurs, parfois placés dans des motifs cubiques en damier, composés de bois clairs et foncés. La période voit également l'arrivée des Chinoiseries , souvent sous forme de commodes laquées et dorées, appelées faucon de Chine de Vernis Martin , du nom de l'ébéniste qui introduisit la technique en France. L'ormolu , ou bronze doré, était utilisé par des maîtres artisans dont Jean-Pierre Latz . Latz a fait une horloge particulièrement ornée montée au sommet d'un cartonnier pour Frédéric le Grand pour son palais à Potsdam . Les pièces de porcelaine chinoise importée étaient souvent montées dans des décors rococo dorés (bronze doré) pour être exposées sur des tables ou des consoles dans les salons. D'autres artisans imitent l' art japonais des meubles laqués , et réalisent des commodes aux motifs japonais.

Le rococo britannique avait tendance à être plus sobre. Les conceptions de meubles de Thomas Chippendale ont conservé les courbes et la sensation, mais se sont arrêtées avant les hauteurs françaises de la fantaisie. L'exposant le plus réussi du rococo britannique était probablement Thomas Johnson , un sculpteur doué et un concepteur de meubles travaillant à Londres au milieu du XVIIIe siècle.

Peinture

Des éléments du style rocaille apparaissent dans l'œuvre de certains peintres français, notamment le goût du pittoresque dans les détails ; courbes et contre-courbes ; et la dissymétrie qui a remplacé le mouvement du baroque par l'exubérance, bien que la rocaille française n'ait jamais atteint l'extravagance du rococo germanique. Le principal promoteur était Antoine Watteau , notamment dans Pèlerinage sur l'île de Cythère (1717), Louvre , dans un genre appelé Fête Galante représentant des scènes de jeunes nobles réunis pour célébrer dans un cadre pastoral. Watteau mourut en 1721 à l'âge de trente-sept ans, mais son œuvre continua d'avoir une influence tout au long du siècle. Le tableau Pèlerinage à Cythère a été acheté par Frédéric le Grand de Prusse en 1752 ou 1765 pour décorer son palais de Charlottenburg à Berlin.

Le successeur de Watteau et de la Féte Galante en peinture décorative est François Boucher (1703-1770), le peintre préféré de Madame de Pompadour . Son œuvre comprenait la sensuelle Toilette de Vénus (1746), qui devint l'un des exemples les plus connus du style. Boucher a participé à tous les genres de l'époque, dessinant des tapisseries, des modèles de sculpture sur porcelaine, des décors de décors pour l'opéra et l' opéra-comique de Paris , et des décors pour la Foire de Saint-Laurent. Parmi les autres peintres importants du style Fête Galante figurent Nicolas Lancret et Jean-Baptiste Pater . Le style influença particulièrement François Lemoyne , qui peignit le somptueux décor du plafond du Salon d'Hercule au château de Versailles , achevé en 1735. Des tableaux aux fétes galantes et aux thèmes mythologiques de Boucher, Pierre-Charles Trémolières et Charles-Joseph Natoire décorés le célèbre salon de l' Hôtel Soubise à Paris (1735-1740). Parmi les autres peintres rococo, citons: Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), ses deux fils Louis-Michel van Loo (1707–1771) et Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719– 1795), son jeune frère Charles-André van Loo (1705-1765), Nicolas Lancret (1690-1743) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806).

En Autriche et en Allemagne du Sud, la peinture italienne a eu le plus grand effet sur le style rococo. Le peintre vénitien Giovanni Battista Tiepolo , assisté de son fils Giovanni Domenico Tiepolo , est invité à peindre des fresques pour la résidence de Würzburg (1720-1744). Le peintre le plus éminent des églises rococo bavaroises était Johann Baptist Zimmermann , qui a peint le plafond de la Wieskirche (1745-1754).

Sculpture

La sculpture rococo était théâtrale, sensuelle et dynamique, donnant une impression de mouvement dans toutes les directions. On le trouvait le plus souvent à l'intérieur des églises, généralement étroitement intégré à la peinture et à l'architecture. La sculpture religieuse a suivi le style baroque italien, comme en témoigne le retable théâtral de la Karlskirche à Vienne.

La sculpture rococo ou rocaille ancienne en France était plus légère et offrait plus de mouvement que le style classique de Louis XIV. Elle fut notamment encouragée par Madame de Pompadour , maîtresse de Louis XV, qui commanda de nombreux travaux pour ses châteaux et jardins. Le sculpteur Edmé Bouchardon a représenté Cupidon en train de tailler ses fléchettes d'amour à partir de la massue d' Hercule . Des figures rococo ont également envahi les fontaines ultérieures de Versailles, comme la fontaine de Neptune de Lambert-Sigisbert Adam et Nicolas-Sébastien Adam (1740). Sur la base de leur succès à Versailles, ils ont été invités en Prusse par Frédéric le Grand pour créer une sculpture de fontaine pour le palais de Sanssouci , en Prusse (années 1740).

Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) était un autre sculpteur français de premier plan au cours de la période. Falconet était surtout célèbre pour sa statue de Pierre le Grand à cheval à Saint-Pétersbourg, mais il a également créé une série d'œuvres plus petites pour de riches collectionneurs, qui pouvaient être reproduites dans une série en terre cuite ou coulées en bronze. Les sculpteurs français Jean-Louis Lemoyne , Jean-Baptiste Lemoyne , Louis-Simon Boizot , Michel Clodion , Lambert-Sigisbert Adam et Jean-Baptiste Pigalle ont tous produit des sculptures en série pour les collectionneurs.

En Italie, Antonio Corradini était parmi les principaux sculpteurs du style rococo. Vénitien, il a voyagé à travers l'Europe, travaillant pour Pierre le Grand à Saint-Pétersbourg, pour les cours impériales d'Autriche et de Naples. Il privilégie les thèmes sentimentaux et réalise plusieurs œuvres habiles de femmes au visage couvert de voiles, dont l'une se trouve aujourd'hui au Louvre .

Les exemples les plus élaborés de sculpture rococo ont été trouvés en Espagne, en Autriche et dans le sud de l'Allemagne, dans la décoration des palais et des églises. La sculpture était étroitement intégrée à l'architecture; il était impossible de savoir où l'un s'arrêtait et où commençait l'autre. Dans le palais du Belvédère à Vienne (1721-1722), le plafond voûté de la salle des Atlantes est soutenu par les épaules de figures musclées conçues par Johann Lukas von Hildebrandt . Le portail du palais du marquis de Dos Aguas à Valence (1715-1776) était entièrement recouvert de sculptures taillées dans le marbre, d'après les dessins d'Hipolito Rovira Brocandel.

L' autel El Transparente , dans la grande chapelle de la cathédrale de Tolède , est une imposante sculpture de marbre polychrome et de stuc doré, associée à des peintures, des statues et des symboles. Il a été fabriqué par Narciso Tomé (1721-1732). Sa conception laisse passer la lumière et, en changeant de lumière, il semble se déplacer.

Porcelaine

Une nouvelle forme de sculpture à petite échelle est apparue, la figurine en porcelaine , ou petit groupe de figurines, remplaçant initialement les sculptures en sucre sur les grandes tables de salle à manger, mais bientôt populaire pour être placée sur les cheminées et les meubles. Le nombre d'usines européennes a augmenté régulièrement au cours du siècle et certaines fabriquaient de la porcelaine que les classes moyennes en expansion pouvaient se permettre. La quantité de décoration colorée sur glaçure utilisée sur eux a également augmenté. Ils étaient généralement modelés par des artistes formés à la sculpture. Les sujets communs comprenaient des personnages de la commedia dell'arte , des vendeurs de rue de la ville, des amoureux et des personnages vêtus de vêtements à la mode et des couples d'oiseaux.

Johann Joachim Kändler était le modeleur le plus important de la porcelaine de Meissen , la première usine européenne, qui est restée la plus importante jusqu'en 1760 environ. Le sculpteur allemand d'origine suisse Franz Anton Bustelli a produit une grande variété de figures colorées pour la manufacture de porcelaine de Nymphenburg en Bavière, qui ont été vendus dans toute l'Europe. Le sculpteur français Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) a suivi cet exemple. Tout en réalisant également des œuvres de grande envergure, il devient directeur de la Manufacture de porcelaine de Sèvres et réalise des œuvres à petite échelle, généralement sur l'amour et la gaieté, pour des productions en série.

Musique

Une période rococo existait dans l'histoire de la musique , bien qu'elle ne soit pas aussi connue que les formes baroques antérieures et classiques ultérieures. Le style de musique rococo lui-même s'est développé à partir de la musique baroque à la fois en France, où le nouveau style était appelé style galant (style «galant» ou «élégant»), et en Allemagne, où il était appelé empfindsamer Stil («sensible style"). On peut la caractériser comme une musique légère et intime avec des formes d' ornementation extrêmement élaborées et raffinées . Les exemples incluent Jean Philippe Rameau , Louis-Claude Daquin et François Couperin en France; en Allemagne, les principaux partisans du style étaient CPE Bach et Johann Christian Bach , deux fils de JS Bach .

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, une réaction contre le style rococo s'est produite, principalement contre sa surutilisation perçue de l'ornementation et de la décoration. Dirigée par Christoph Willibald Gluck , cette réaction a inauguré l' ère classique . Au début du XIXe siècle, l'opinion catholique s'était retournée contre l'adéquation du style aux contextes ecclésiastiques car il n'était "en aucun cas propice aux sentiments de dévotion".

Le compositeur russe de l'époque romantique Piotr Ilitch Tchaïkovski a écrit Les Variations sur un thème rococo , op. 33, pour violoncelle et orchestre en 1877. Bien que le thème ne soit pas d'origine rococo, il est écrit dans le style rococo.

Mode

Robe et jupon à dos sac, 1775-1780 V&A Museum no. T.180&A-1965

La mode rococo était basée sur l'extravagance, l'élégance, le raffinement et la décoration. La mode féminine du XVIIe siècle s'opposait à la mode du XVIIIe siècle, ornée et sophistiquée, le véritable style rococo. Ces modes se sont répandues au-delà de la cour royale dans les salons et les cafés de la bourgeoisie ascendante. Le style de décoration et de design exubérant, ludique et élégant que nous connaissons aujourd'hui sous le nom de « rococo » était alors connu sous le nom de style rocaille, le style moderne, le gout.

Un style apparu au début du XVIIIe siècle est la robe volante , une robe fluide, devenue populaire vers la fin du règne du roi Louis XIV. Cette robe avait les caractéristiques d'un corsage à larges plis descendant du dos jusqu'au sol sur un jupon arrondi. La palette de couleurs était composée de tissus riches et sombres accompagnés de caractéristiques de conception élaborées et lourdes. Après la mort de Louis XIV, les styles vestimentaires ont commencé à changer. La mode a pris un virage vers un style plus léger et plus frivole, passant de la période baroque au style bien connu du rococo. La dernière période était connue pour ses couleurs pastel, ses robes plus révélatrices et la pléthore de volants, de volants, de nœuds et de dentelles comme garnitures. Peu de temps après l'introduction de la robe rococo typique des femmes, la robe à la française , une robe avec un corsage serré qui avait un décolleté bas, généralement avec un grand ruban s'incline au centre devant, de larges sacoches et était richement garnie de grandes quantités de dentelle, ruban et fleurs.

Les plis Watteau sont également devenus plus populaires, du nom du peintre Jean-Antoine Watteau, qui a peint les détails des robes jusqu'aux points de dentelle et autres garnitures avec une immense précision. Plus tard, le « sacoche » et le « mantua » sont devenus à la mode vers 1718. Ils étaient de larges cerceaux sous la robe pour étendre les hanches sur le côté et ils sont rapidement devenus un incontournable des vêtements de cérémonie. Cela a donné à la période rococo la robe emblématique des hanches larges combinée à la grande quantité de décoration sur les vêtements. De larges sacoches étaient portées pour des occasions spéciales et pouvaient atteindre jusqu'à 16 pieds (4,9 mètres) de diamètre, et des cerceaux plus petits étaient portés pour les réglages de tous les jours. Ces caractéristiques provenaient à l'origine de la mode espagnole du XVIIe siècle, connue sous le nom de guardainfante , initialement conçue pour cacher l'estomac de la femme enceinte, puis repensée plus tard sous le nom de sacoche. 1745 est devenu l'âge d'or du rococo avec l'introduction d'une culture orientale plus exotique en France appelée à la turque . Cela a été rendu populaire par la maîtresse de Louis XV, Madame Pompadour, qui a chargé l'artiste, Charles André Van Loo, de la peindre en sultane turque.

Dans les années 1760, un style de robes moins formelles a émergé et l'un d'eux était la polonaise , inspirée de la Pologne. Elle était plus courte que la robe française, laissant voir le jupon et les chevilles, ce qui facilitait les déplacements. Une autre robe qui est devenue à la mode était la robe à l'anglais , qui comprenait des éléments inspirés de la mode masculine; une veste courte, des revers larges et des manches longues. Il avait également un corsage bien ajusté, une jupe ample sans sacoches mais toujours un peu longue dans le dos pour former une petite traîne, et souvent une sorte de foulard en dentelle porté autour du cou. Une autre pièce était la « redingote », à mi-chemin entre la cape et le pardessus.

Les accessoires étaient également importants pour toutes les femmes à cette époque, car ils ajoutaient à l'opulence et au décor du corps pour correspondre à leurs robes. Lors de toute cérémonie officielle, les dames devaient se couvrir les mains et les bras avec des gants si leurs vêtements étaient sans manches.

Galerie

Architecture

Gravures

Peinture

Peinture de l'époque rococo

Voir également

Notes et citations

Bibliographie

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Lectures complémentaires

Liens externes