Film sur les problèmes sociaux - Social problem film

À ne pas confondre avec Film social .

Un film à problèmes sociaux est un film narratif qui intègre un conflit social plus large dans le conflit individuel entre ses personnages. Dans le contexte des États-Unis et d' Hollywood , le genre est défini par des représentations romancées de crises sociales se déroulant dans des contextes domestiques ou institutionnalisés américains réalistes .

Comme de nombreux genres cinématographiques , la définition exacte est souvent dans l'œil du spectateur ; Cependant, Hollywood a produit et commercialisé un certain nombre de films d'actualité dans les années 1930 et, dans les années 1940, le terme film à « problème social » ou film à « message » était conventionnel dans son utilisation par l'industrie cinématographique et le public.

De nombreuses caractéristiques qui se sont développées pour définir le problème social du film tournent autour de la conscience perçue de la nation sur un certain problème social et de l'intégration de ce problème dans une structure narrative . Des problèmes sociaux tels que les horreurs de la guerre, la souffrance des pauvres, la toxicomanie, les droits des femmes et l'inhumanité d'un certain monde sont souvent mis en avant. Le problème avec la définition de ce type de film en tant que genre réside dans la capacité qu'il a de se séparer des films qui affichent un style similaire, car beaucoup de films abordent des problèmes sociaux. Cependant, le film à problèmes sociaux se différencie en se concentrant sur les problèmes dans le contexte historique de l'époque actuelle, traitant de la question sociale d'une certaine époque telle qu'elle s'applique à cette époque avec un style beaucoup plus didactique que ses contemporains. De plus, le film à problèmes sociaux permet une immersion plus poussée dans un certain problème que les autres films de genre. Par exemple, les films de gangsters et de prison refléteront certaines caractéristiques d'un problème social, mais n'exploreront pas réellement le problème de la manière qui le qualifierait pour ce genre.

Définir des caractéristiques

Contexte historique et caractère didactique

Un fait important du film à problèmes sociaux est sa capacité à réagir et à afficher un problème social qui est pertinent à l'époque actuelle dans laquelle il a été produit. Il aborde spécifiquement un problème alors que le problème fait toujours partie de la conscience nationale, formant souvent un argument. pour ce qui est réellement le problème à travers le développement narratif et du personnage. Les premiers films à problèmes sociaux mélangeaient souvent les sentiments idéologiques de l'époque dans un récit qui le traduisait en un message à absorber par le public. Cela peut être mis en évidence dans certaines expériences sociologiques qui se sont produites autour de la capacité d'un film à changer la perception du public. Un excellent exemple en est la représentation de l'antisémitisme dans le film Gentleman's Agreement (1947) et l'étude sociologique ultérieure de Russell Middleton qui a mesuré l'antisémitisme perçu avant et après avoir vu le film. Étonnamment, le film a semblé affecter positivement les sujets car la majorité des personnes qui ont participé à l'étude avaient nettement moins de sentiments antisémites qu'avant de voir le film. Bien qu'il y ait certains facteurs qui doivent être pris en compte, cette étude semble indiquer une fois de plus la nature didactique principale du film à problèmes sociaux ainsi que l'approche de sujets pertinents pour l'ère actuelle du film et comment le public de la période historique percevait un tel message.

Ce phénomène de contexte historique et de réaction du public a créé un équilibre intéressant entre la nature pédagogique du film et sa capacité à contenir un récit intéressant. Souvent, les premiers films de l'ère classique peuvent être considérés comme un peu moralisateurs, apparaissant souvent moins comme un long métrage de fiction que comme un message d'intérêt public. Cela se manifeste dans l'occurrence courante d'un moment d'enseignement souvent vers la fin du film où un personnage prononcera littéralement un discours faisant souvent référence au message social que le film tente de dépeindre. Des exemples peuvent être vus à travers les juges à la fin de Wild Boys of the Road (1933) et Where Are My Children? (1916), qui fournissent tous deux une leçon sous forme de monologue qui semble presque distincte du récit fictif présenté. Cette pertinence par rapport au problème de l'époque dans laquelle réside le film confère à ce type de film une sorte d'autorité didactique que d'autres n'ont peut-être pas. Par exemple, Où sont mes enfants ? a eu du mal à passer par le National Board of Review jusqu'à la diffusion publique, car les examinateurs pensaient que le public recevait des informations trompeuses concernant le contrôle des naissances. Ils pensaient que le film était de nature plus éducative qu'un récit fictif abordant un problème social.

Récit centré sur les personnages et les institutions

Le film sur les problèmes sociaux prend souvent un problème social plus large au cours de son époque respective et le présente de manière beaucoup plus ciblée. Le problème sera exprimé à travers un récit impliquant souvent quelques personnages, souvent une famille ou un individu qui traverse le monde du cinéma en faisant l'expérience du problème social perçu. Souvent, ils interagiront directement avec les institutions sociales censées afficher les problèmes sociaux. La typification de ces institutions est basée sur le message idéologique global du film, soit présenté comme inefficace, soit idéalisé comme une solution appropriée. Celles-ci peuvent être observées tout au long du développement du film à problèmes sociaux et même à l'époque contemporaine lorsque la forme du film à problèmes sociaux a changé. Des exemples de ce style de narration sont apparents dans des films tels que L'âme de la jeunesse (1920) dans lequel le problème plus vaste des enfants délinquants sans foyer est dépeint à travers l'inefficacité de l'orphelinat dans lequel réside le protagoniste juxtaposé à la vie idéalisée de la famille. du juge avec qui il finit par s'installer. Un autre exemple qui mérite d'être mentionné vient encore une fois de Wild Boys of the Road (1933) dans lequel le film atteint son apogée alors que les protagonistes sont traités par un juge, amenant le problème social plus large dans une lentille individualiste en appliquant la solution d'un problème à l'échelle nationale à quelques expériences individuelles.

Un autre film important de problèmes sociaux traitant des institutions est le thème de l' alcoolisme Days of Wine and Roses (1962). Le film suit la disparition progressive d'un couple en raison de son incapacité à contrôler sa consommation d'alcool, déléguant une fois de plus un problème de société plus large à un ensemble de personnages ciblés. Il offre cependant une solution sous la forme de l'institution des Alcooliques anonymes, qui constitue un moyen efficace de se soigner soi-même. Une étude sociologique menée par Elizabeth Hirschman a révélé que la représentation du film était en effet liée aux toxicomanes et aux alcooliques qui, après avoir vu le film, considéraient les AA comme une option viable pour résoudre leur problème. Cet effet sur la population réelle indique l'interaction que les films à problèmes sociaux espèrent avoir sur leur public par rapport aux films destinés à purement divertir tout en effleurant la surface de certains problèmes.

Un exemple plus contemporain du récit focalisé des personnages et des institutions dans le film sur les problèmes sociaux est l'inefficacité et la cruauté de l'hôpital militaire dans Coming Home (1978), un film sur le retour des anciens combattants du Vietnam. Les mauvais traitements et les comportements négligents affectant tous les vétérinaires de l'hôpital sont réduits aux expériences de deux ou trois personnages.

Insertions réelles et prise de vue en extérieur

Un aspect largement répandu dans le film à problèmes sociaux est l'utilisation de non-acteurs pour représenter des personnages de fond ou des voix de la raison dans le récit, ainsi que le désir de filmer des scènes sur place. Ces deux facteurs contribuent à conférer authenticité et relation avec le monde réel, ce qui est essentiel au genre. Quelques exemples notables sont l'inclusion du vrai juge Ben Lindsey se jouant dans le film mentionné précédemment L'âme de la jeunesse (1920). Cette insertion a créé un environnement dont le public savait qu'il était basé sur la réalité et a ainsi donné un sentiment d'authenticité à la nature didactique de ce genre. La présence d'une figure du monde réel confronte directement l'idée que les messages affichés dans les films à problèmes sociaux doivent être confirmés par des homologues de la vie réelle. Il donne un sentiment d'intégrité qui rappelle le journalisme ou un film documentaire.

Le tournage en extérieur est un facteur qui, bien qu'il ne se limite pas au film à problèmes sociaux, s'est développé pour illustrer certains facteurs au sein du genre. L'idée de tourner en dehors d'un studio et dans l'environnement réel renforce à nouveau l'authenticité des films au même titre que les non-acteurs. Un film qui a utilisé ce style de tournage afin d'acquérir ce sens du réalisme est Wild Boys of the Road (1933). Les scènes du film qui se déroulent dans la gare de triage dans laquelle les enfants résident temporairement sont tournées sur place dans une véritable gare de triage à Glendale, en Californie.

L'exemple le plus notable de l'idée d'insertions dans la vie réelle est peut-être la scène d'ouverture de Border Incident (1949), un film à problèmes sociaux sur l'immigration mexicaine à la suite de la mise en place du programme Bracero en 1942 destiné à pallier la pénurie de main-d'œuvre agricole. aux Etats-Unis. Le film s'ouvre sur un survol de terres agricoles alors qu'un narrateur invisible décrit le paysage, le manque de main-d'œuvre et la création ultérieure du programme bracero en réponse. Il s'agit d'une insertion d'un programme qui se déroulait activement pendant la production de ce film. Ce récit basé sur la réalité se combine avec la voix off, qui mentionne pas moins de cinq fois les frontières pour pousser subtilement une idéologie de dépendance mutuelle envers le public tout en se permettant l'apparence d'être une représentation authentique de la situation, montrant à nouveau l'effet de la vie réelle. les insertions peuvent avoir sur les films à problèmes sociaux la capacité d'affecter leurs téléspectateurs.

Transit et famille

De nombreux films de problèmes sociaux contiennent un thème de transit et l'importance des relations familiales. Ces facteurs confèrent une plus grande authenticité au genre car le public semble souvent suivre le protagoniste alors qu'il parcourt un voyage nécessaire pour arriver à une solution viable. Les voyages internes se reflètent souvent dans le transport littéral des personnages. Cela peut être vu dans le voyage à travers le pays dans Wild Boys of the Road (1933), le voyage au bureau du médecin dans Où sont mes enfants ? (1916) et la migration internationale des ouvriers agricoles dans Border Incident (1949). De même, l'idée de la famille est apparente dans ce genre, souvent l'idée de la famille est de la plus haute importance. Il y a une finalité en termes de descendance du protagoniste lorsqu'il a perdu la confiance et le soutien de sa famille, et ainsi le problème social est souvent résolu par un retour à ces idéaux. Bien que les sentiments de guerre puissent expliquer une partie de cela, il est important de noter que ce thème est maintenu tout au long du développement du genre. Même dans des films à problèmes sociaux plus contemporains tels que Coming Home (1978) et The Good Lie (2014), il existe un sentiment d'importance familiale, le premier en termes de ses « frères » qu'il soutient quoi qu'il arrive, et le second sous la forme des membres de leur tribu qui parcourent des milliers de kilomètres pour une nouvelle vie.

Histoire

Ère progressiste

Le genre est apparu pour la première fois à la fin des années 1910 et dans les années 1920 comme une tentative d'imprégner de la qualité et du réalisme dans le cinéma, un nouveau médium qui avait du mal à être pris au sérieux par la classe moyenne américaine .

L'historienne Kay Sloan a montré comment divers groupes réformistes ont réalisé des courts métrages et des longs métrages sur les problèmes sociaux à l' époque du cinéma muet . En général, ceux-ci portaient sur l' interdiction , les relations de travail et les préoccupations concernant « l'esclavage des blancs ». Les idéologies de ces productions d'avant la Première Guerre mondiale s'alignaient souvent sur les préoccupations concernant le travailleur et l'interaction que les cinéastes avaient avec les problèmes du monde réel. C'était important pour le développement du genre car c'était la première incursion dans l'affichage des problèmes de l'homme ordinaire, mais n'a pas réussi à offrir une solution viable. Au contraire, la nature didactique de ces films indiquait une solution de la classe moyenne supérieure aux problèmes du travail ; souvent, il faudrait la présence d'un négociateur non ouvrier pour résoudre les problèmes que les ouvriers dans les films traitaient.

La découverte de l'effet et de l'utilisation de la « fin heureuse » a également été mise en œuvre pendant cette période. La fin heureuse a laissé un effet cathartique sur son public, les laissant satisfaits du message social fourni. C'est en soi un impératif pour le genre des problèmes sociaux en raison de sa démonstration du désir des réalisateurs et des cinéastes d'affecter le changement social à travers les films. En tant que genre, cependant, ces déclarations progressistes n'ont pas déclenché une préoccupation de longue date dans l'industrie cinématographique, qui se consolidait derrière le produit standardisé , l' oligopole et le star system .

années 1930

Warner Brothers , sous la direction de Darryl F. Zanuck , a commencé à faire des films d'actualité "arrachés aux gros titres". Ces « têtes d'affiche » étaient généralement fabriquées à bas prix, rugueuses dans leur esthétique réaliste et mettaient en avant un milieu ouvrier et des sympathies politiques pour le New Deal . Les films à problèmes sociaux de cette époque reflétaient la conscience nationale générale du New Deal. Beaucoup de ces films ont alimenté une forme de pensée populiste destinée à insuffler la confiance dans la nation à la suite de la Grande Dépression , soutenant la plate-forme de Franklin Delano Roosevelt , qui serait censé atténuer le problème du chômage auquel les États-Unis étaient confrontés à cette époque.

Ces films mettent également l'obligation de trouver du travail sur l'individu tout en montrant les avantages d'avoir une attitude de bon voisinage pour aider ceux qui en ont besoin à retrouver un mode de vie durable . Cela est particulièrement visible dans des films tels que Wild Boys of the Road (1933), dans lequel le protagoniste s'enfuit de chez lui avec des amis pour tenter de trouver du travail, pour finir arrêté et avoir besoin d'aide, qui est ensuite accordée par un juge. L'interaction du film avec les idéologies du New Deal se reflète dans le ton confiant du juge alors qu'il accorde de l'aide aux enfants sans-abri qui lui sont présentés, la nature progressive de l'entraide est imposée au public sans lui permettre de contempler le fait qu'il a fallu un figure de la classe moyenne pour sauver les chômeurs.

Tout comme le New Deal a donné confiance dans le court terme mais a pris du retard dans la croissance à long terme de l'emploi, les films sur les problèmes sociaux de cette époque dépeignaient un sentiment d'optimisme même lorsqu'ils étaient coincés dans le récit non progressiste d'un sauveur de la classe moyenne. .

Le plus remarquable travail du genre au cours de cette période était Mervy LeRoy de Je suis un fugitif recherché par une chaîne Gang (1932), dont le succès a conduit Warner Brothers et d' autres studios pour copier la formule.

Pendant ce temps, chez Columbia Pictures , Frank Capra s'est fait une réputation (auprès de l'industrie et du public cinéphile ; une rareté à cette époque) en développant son mélange signature de film à problèmes sociaux et de comédie loufoque . Travaillant avec l'écrivain Robert Riskin , il développera, répétera et affinera ce mélange dans des films comme Mr. Deeds Goes to Town (1936), Mr. Smith Goes to Washington (1939) et Meet John Doe (1941).

Films des années 40 et d'après-guerre

Les films sur les problèmes sociaux de la période d'après-guerre ont marqué un passage notable des problèmes économiques à ceux de l'ajustement social et psychologique. Cela est peut-être dû à l'idée de la capacité des anciens combattants de retour à se réintégrer dans la société civile. Le genre dans ce climat, dans les années 1950, était caractérisé par les œuvres de Samuel Fuller , Elia Kazan et Douglas Sirk .

Au fur et à mesure que les pensées et les sentiments de la nation passaient de l'inquiétude du chômage aux horreurs de la guerre et à la réhabilitation des personnes souffrant de toxicomanie, le film sur les problèmes sociaux s'adaptait à la conscience nationale de son époque. Une crainte nationale était que ces anciens combattants de retour soient amers à leur retour, changés par les horreurs qu'ils avaient vues, tout en ressentant également un manque de réciprocité appropriée chez eux. L'idée que la famille nucléaire avait été brisée était également prise en compte.

Chronique de trois anciens combattants de retour s'adaptant à la vie civile, The Best Years of Our Lives ( William Wyler , 1946) était particulièrement puissant en ce qu'il a permis d'apaiser les inquiétudes ressenties par de nombreux Américains à propos du retour des anciens combattants dans la société. Il a abordé les problèmes sociaux d'après-guerre à travers sa représentation optimiste de la lutte pour la normalisation, en utilisant un protagoniste qui avait perdu les deux mains dans la guerre, notamment joué par Harold Russell , un acteur non professionnel qui a eu la même expérience. Le film dépeint également de manière positive les liens masculins intenses qui se produisent en temps de guerre, montrant le soutien que chacun des hommes a l'un pour l'autre. Il montre également les luttes auxquelles ils sont confrontés lors de leur retour à leur vie d'avant-guerre, bien que dans une tentative d'atténuer l'anxiété nationale, le film se résout finalement en une fin heureuse dans laquelle tout est réconcilié. Alors que ce film suit les lignes directrices générales d'un film à problèmes sociaux de l' époque classique telles que l'utilisation de non-acteurs, l'importance du contexte historique, un sentiment mélodramatique et la nature didactique du genre, l'identification et la solution au problème social problème est moins un avertissement à la société et plus sur l'augmentation des sentiments positifs dans une nation ébranlée par les horreurs de la guerre.

Le film sur les problèmes sociaux a également abordé d'autres problèmes spécifiques qui ont tourmenté l'environnement d'après-guerre en Amérique. Par exemple, Billy Wilder de The Lost Weekend (1945) a porté sur l' alcoolisme , inaugurant un cycle de films traitant de la drogue et l' abus d' alcool ; et Gaslight (1944), basé sur une pièce antérieure, dramatisé et est devenu l'homonyme de la technique psychologiquement abusive connue plus tard sous le nom de gaslighting . Abordant la santé mentale, Bedlam (1946) a provoqué l'indignation des Américains, affectant l'attitude nationale déjà fragile de l'époque.

Une question sociale qui a été intégrée dans la société des États-Unis était la catégorisation des minorités en un seul groupe; Les Afro-Américains , les Américains d'origine asiatique , les Juifs et les homosexuels ont tous été discriminés sans distinction. Cependant, la prise de conscience de ce problème s'est considérablement accrue à travers les méfaits du nazisme et de l'Holocauste révélés au monde à la suite de ce type de haine. L'antisémitisme est devenu un sujet de discussion mondial après les souffrances endurées par le peuple juif, et le film sur le problème social a répondu par des tentatives pour représenter un tel problème. Certains films qui ont abordé l'antisémitisme et le racisme pendant cette période étaient Pinky (1949) et Home of the Brave (1949). Gentleman's Agreement (1947), notamment, suit un journaliste qui décide de se faire passer pour juif afin de comprendre leur expérience. Les efforts de Gentleman's Agreement ont été critiqués par les critiques juifs pour ne pas vraiment approfondir la culture juive et pour ne pas avoir suffisamment approfondi les effets de l'Holocauste. Le film a également été considéré comme décrivant l'antisémitisme comme une mauvaise habitude plutôt que comme une discrimination. Au niveau commercial, cependant, le film a réussi et a pu toucher le public d'une manière qui a réduit les sentiments préjudiciables envers les Juifs.

années 1950 et 1960

Alors que le maccarthysme , sous la forme du House Un-American Activities Committee , a freiné l'enthousiasme d'Hollywood pour les critiques de gauche de la société américaine, le genre s'est néanmoins poursuivi au cours des deux décennies suivantes. Le film de science-fiction de Robert Wise The Day the Earth Stood Still (1951) a exhorté la coopération internationale en matière de violence et de sécurité mondiale dans un environnement de méfiance de la guerre froide et de paranoïa nucléaire : le « message » est littéralement délivré à la Terre par un extraterrestre civilisé. Les divers exposés sur le racisme de Stanley Kramer – The Defiant Ones (1958), Pressure Point (1962) et Guess Who's Coming to Dinner (1967) – sont devenus synonymes du genre. De plus, les "films de délinquance juvénile" combinaient le ton de censure des films à problèmes sociaux avec le film d'exploitation et le mélodrame .

Une série d'articles journalistiques sur l'inefficacité des établissements de santé mentale a également permis de sensibiliser davantage le public au problème social des soins de santé mentale . L'attitude nationale de l'époque était déjà dans un état fragile en raison de la révélation publique des horreurs nazies. Ceci, combiné à l'environnement méfiant et aux tensions de la guerre froide, s'est reflété dans une multitude de films sur la santé mentale, l'inefficacité des traitements et la manière dont les personnes touchées peuvent être aidées.

Le genre des problèmes sociaux reflétait particulièrement bien les problèmes de santé mentale et de toxicomanie à travers des films comme Bigger Than Life (1956), qui était par conséquent basé sur un article intitulé "Ten Feet Tall" publié dans The New Yorker ' . Le film suit un protagoniste dans une relation familiale saine et heureuse qui est obligé de prendre de la cortisone pour une maladie rare, finissant par abuser du médicament, ce qui entraîne alors des problèmes de santé mentale. L'hôpital et les médecins dans le film sont présentés comme incompétents et peu disposés à croire tout ce que le patient leur dit, lui fournissant même plus de cortisone lorsqu'il manifeste un comportement de recherche de drogue .

Bigger Than Life montre également un changement marqué par rapport aux films à problèmes sociaux d' Hollywood classique qui a été causé par une myriade de facteurs. En 1948, les décrets Paramount ont été institués après une affaire antitrust historique menée par les États-Unis contre les grands studios de l'époque. Ce qui a suivi était une restriction sur de nombreuses formes de distribution, de marketing et de temps entre les projections de films. Cela a entraîné un transfert de pouvoir des grands studios de l'époque, qui devaient donc trouver une nouvelle façon de commercialiser leurs films. La création de Cinemascope , qui a élargi le rapport hauteur/largeur permettant une visualisation sur grand écran , et a été considérée comme le début de la fin de l'ère classique d'Hollywood. Ayant accès à ces nouvelles technologies que le film sur le problème social allait également adapter, Bigger Than Life présentait un discours moins didactique , permettant au contraire plus d'interprétation du public quant à la nature du problème social.

années 1970

Un grand thème parmi les films des années 1970 était la guerre du Vietnam ; des films tels que The Deer Hunter (1978) et Apocalypse Now (1979) se sont concentrés sur l'exposition des conditions extrêmes, à la fois mentales et physiques, auxquelles les soldats sont confrontés lors d'un déploiement.

Le film sur les problèmes sociaux, en revanche, est revenu à son thème commun des anciens combattants de retour, illustré par le film acclamé par la critique Coming Home (1978), qui suivait une femme dont le mari était en tournée alors qu'elle faisait du bénévolat à l'hôpital pour vétérans et se lie d'amitié un soldat infirme. La manière dont le film interagit avec la narration et avec son public, cependant, a démontré un changement de forme qui reflétait les attitudes de l'époque. La période des années 1960 et 1970 a été celle où le féminisme de la deuxième vague est devenu apparent, sensibilisant aux inégalités concernant de nombreux problèmes sociaux, bien qu'il se soit principalement concentré sur le féminisme blanc de la classe supérieure . Cette conscience nationale des idéaux féministes, combinée à un environnement de guerre qui a été en grande partie un échec, ainsi qu'à l'incapacité de s'occuper pleinement des anciens combattants, s'exprime à travers le récit et les personnages de Coming Home tout en conservant certains facteurs du film classique à problèmes sociaux. . La féminisation de l'expérience vietnamienne peut être vue à travers le protagoniste Luke, qui est capable de permettre à Sally de transcender son rôle d'épouse militaire stéréotypée, tout en se féminisant au fur et à mesure qu'il progresse dans son retour à la société. Plus il devient passif et stéréotypé féminin, plus il est autorisé à laisser les horreurs du Vietnam derrière lui. Ce type de caractérisation diffère grandement des personnages vus dans les films à problèmes sociaux des anciens combattants précédents, qui dépeignaient souvent l'ancien combattant comme ultra-masculin et sa femme comme une femme au foyer traditionnelle .

De plus, le récit de Coming Home dépeint une différence marquée par rapport aux films à problèmes sociaux antérieurs. Plutôt que de pousser un thème didactique sur le public, l'histoire va et vient entre le didactisme et suit plus une formule romanesque de feuilleton . (En conséquence, il est parfois difficile de discerner sur quoi le film veut que nous nous concentrions.) Cependant, le film conserve certaines caractéristiques du film à problèmes sociaux, telles qu'un récit ciblé, se terminant sur un discours didactique et l'utilisation de non -des acteurs pour représenter les anciens combattants à l'hôpital.

Films contemporains à problèmes sociaux

Au fur et à mesure que les États-Unis sont entrés dans l' ère contemporaine , les problèmes sociaux qui englobaient le pays se sont adaptés pour se concentrer sur différents aspects des problèmes, en particulier dans le cas de l' immigration et de l' expérience des anciens combattants , qui figurent tous deux fortement dans le film classique sur les problèmes sociaux. . Par exemple, le thème de Border Incident (1949) était l'immigration de travailleurs agricoles migrants du Mexique. Les films sur les problèmes sociaux des anciens combattants de retour Les meilleures années de notre vie (1946) et Coming Home (1978) se sont concentrés sur le traitement ainsi que sur la réadaptation des anciens combattants.

Aux États-Unis contemporains, une question sociale de l'immigration qui est d'actualité depuis des années est l'idée de l' asile des réfugiés , alors que les intrigues des anciens combattants de retour se concentrent désormais souvent sur la dépendance à la guerre et l'incapacité de fonctionner normalement sans elle.

Les réfugiés soudanais , en particulier, sont au centre de l'attention car leur pays est en proie à la guerre civile, mais l'asile aux États-Unis a été bloqué en raison de craintes terroristes. Un film contemporain sur les problèmes sociaux qui aborde cette question est The Good Lie (2014), qui suit la vie d'un groupe d'enfants soudanais alors qu'ils s'échappent de leur village vers un camp de réfugiés et arrivent en Amérique à l'âge adulte. Le début du film fait un travail décent en représentant la lutte à laquelle plus de 25 000 enfants ont été confrontés lors d'une randonnée à travers l'Afrique en endurant les éléments, les animaux et les soldats essayant de les tuer alors qu'il suit les protagonistes alors qu'ils font le voyage eux-mêmes, en perdant certains en cours de route . Il utilise des techniques classiques telles que le tournage dans le camp de réfugiés et l'utilisation de vrais réfugiés comme personnages d'arrière-plan. Cependant, le film a beaucoup plus en commun avec la forme de films à problèmes sociaux tels que Coming Home . Il met non seulement en vedette une actrice célèbre, Reese Witherspoon , mais utilise en fin de compte l'engagement avec le récit bien plus que d'essayer de prêcher à son public. Alors que le groupe protagoniste arrive en Amérique, le film passe de l'affichage du sort de ces réfugiés à une sorte de choc culturel alors qu'ils luttent pour s'adapter aux coutumes américaines et réalisent l'inefficacité des systèmes bureaucratiques destinés à les aider. Comme Coming Home , le public n'est pas placé dans un espace où le film se veut purement éducatif, mais plutôt encouragé à discerner le problème social du drame présenté. Cela se voit dans la frustration de certains critiques qui prétendent que l'intrigue semble fabriquée et ne se concentre pas suffisamment sur certains problèmes sociaux. Cet aspect particulier de la forme changeante du film à problèmes sociaux est en grande partie dû au désir du public de se divertir et de se rassasier d'une histoire bien formulée dans laquelle s'engager.

Un autre exemple où cela devient palpable est la représentation changeante des anciens combattants de retour. Les effets de la guerre sur la société américaine sont fluides selon la situation et les sentiments nationaux de l'époque. Cela est évident, car les films d'après-guerre se sont souvent concentrés sur un retour à la maison pour les anciens combattants, encourageant la vie de famille et le soutien du conjoint, ainsi que la révélation de la capacité des humains à commettre le mal, entraînant des incursions dans la résolution de ces problèmes. Puis, au Vietnam, le mouvement féministe combiné à des sentiments nationaux de regret a créé à la fois des films hyper-masculins illustrant l'horreur de la bataille, mais aussi le sort des anciens combattants de retour et une approche narrative plus stéréotypée que didactique . L'ère actuelle est donc centrée sur le conflit international au Moyen-Orient qui a créé une division en termes d'idéologie aux États-Unis. Le film à problèmes sociaux s'est adapté pour englober ces sentiments à travers des films tels que Green Zone (2010), qui aborde l'idée de fausses motivations pour entrer dans la guerre contre l'Irak .

Cependant, l'idée du retour des anciens combattants est plus pertinente pour le genre des films à problèmes sociaux; alors que le traitement des anciens combattants a été affiché à l'écran, le problème social contemporain dépasse ce cadre, et plutôt dans la psyché des soldats eux-mêmes et les systèmes qui perpétuent leur situation. Cela se fait à travers la représentation de la guerre comme une dépendance, un autre type de problème social, une manière que les films du 20e siècle n'ont pas envisagée. C'est le cas dans The Hurt Locker (2009), qui met en scène une équipe de neutralisation des explosifs et munitions en Irak. Bien qu'il ait tourné sur place en Jordanie , ait utilisé des non-acteurs et se soit concentré sur un petit groupe de personnes, le film est beaucoup plus conforme aux récents films à problèmes sociaux en ce sens qu'il se concentre sur la caractérisation , la narration et la stylisation du tournage pour décrire son question sociale plus qu'une simple prédication. Le film est à la fois cinématographique et viscéral, entrelaçant des aspects de la guerre dans un style documentaire juxtaposé à l'utilisation du son et des avancées technologiques pour créer un récit intense et encapsulé. Encore une fois, le spectateur est censé voir la vie familiale banale du protagoniste par rapport à son expérience en tournée, où il semble plus à l'aise. Le film commence sur une citation qui assimile la guerre à une drogue, et se termine sur la réinitialisation du compteur de « jours en tournée » du protagoniste à 0, indiquant à la fois les difficultés rencontrées par le personnel militaire et la façon dont il les transforme en machines construites dans un but. plutôt que des soldats purement motivés. Ces scènes montrent un changement palpable de dire au public comment se sentir via un monologue de fin, à afficher le problème et à laisser le public l'interpréter par lui-même.

Télévision et réseaux sociaux

Avec le développement de nouvelles technologies telles que la télévision, il était inévitable que la programmation sur les questions sociales devienne évidente. Des documentaires pour la justice sociale à la diffusion publique sur les problèmes locaux, la télévision est accessible d'une manière que les films ne peuvent pas. Certaines émissions comme The Biggest Loser abordent un problème social précis comme l'obésité dans un cadre présenté comme une réalité. Cependant, en réalité, le tout est à peu près scénarisé. Les concurrents renoncent à leur droit de créer leur propre scénario et sont formés au point de s'effondrer, ce qui n'est pas une façon saine de gérer la perte de poids. Cette pseudo-réalité est problématique dans la mesure où elle présente un certain problème social, ainsi qu'une solution viable, comme l'alimentation et l'exercice, mais elle ne parle pas des problèmes culturels et des facteurs systématiques comme la restauration rapide bon marché dans les zones pauvres.

L'essor des médias sociaux a entraîné une transformation de nombreux systèmes établis, tels que la publicité, les informations, les manifestations, les campagnes et l'exposition à d'autres cultures. La possibilité de se connecter instantanément à un événement qui se produit et de partager instantanément quelque chose avec le public a conduit à un nouveau développement de réseaux accessibles d'un simple clic de souris. Ainsi, tout comme ces autres aspects de la vie ont été affectés, l'idée du film à problèmes sociaux l'est également. La possibilité pour les utilisateurs d'obtenir, via YouTube , des vidéos réelles d'événements se produisant dans le monde, rend plus difficile pour les représentations cinématographiques de devenir l'entité didactique dont elles ont besoin pour s'intégrer dans le genre. Par exemple, avec plus de 100 000 résultats pour une recherche sur des séquences de guerre en Irak, il devient difficile de dépeindre un sens de la réalité dans lequel le spectateur peut s'identifier purement, donc l'influence artistique du cinéaste devient plus apparente. Ceci combiné avec le développement de programmes d'information via la télévision a créé une sorte d'environnement où le film à problèmes sociaux a été contraint de changer de forme, l'approche didactique majoritaire n'était plus satisfaisante car les gens ont accès à des images réelles, donc la mise en œuvre d'une caractérisation plus profonde et des récits plus riches sont devenus pertinents dans les entrées plus contemporaines de ce genre.

Exemples

Les problèmes sociaux touchés par ce genre peuvent inclure :

Voir également

Les références

Bibliographie

  • Roffman, Peter et Jim Purdy. Le film sur les problèmes sociaux d'Hollywood . ISBN  0-253-12707-6
  • Sloan, Kay. 1988. The Loud Silents: Origins of the Social Problem Film . Presse de l'Université de l'Illinois. ISBN  0-252-01544-4