Éléments et principes de conception visuelle - Visual design elements and principles

Les éléments et principes de conception visuelle décrivent des idées fondamentales sur la pratique de la conception visuelle .

Éléments de la conception de l'art

Les éléments de conception sont les unités de base de toute conception visuelle qui forment sa structure et véhiculent des messages visuels. Le peintre et théoricien du design Maitland E. Graves (1902-1978), qui a tenté de formuler les principes fondamentaux de l'ordre esthétique dans le design visuel, dans son livre, The Art of Color and Design (1941), a défini les éléments du design comme la ligne, direction, forme , taille , texture , valeur et couleur , concluant que « ces éléments sont les matériaux à partir desquels toutes les conceptions sont construites ».

Éléments d'art et de design
Étoile de couleur contenant les couleurs primaires, secondaires et tertiaires.

Couleur

La couleur est le résultat de la réflexion de la lumière d'un objet vers nos yeux. La couleur que nos yeux perçoivent est déterminée par le pigment de l'objet lui-même. La théorie des couleurs et la roue chromatique sont souvent évoquées lors de l'étude des combinaisons de couleurs dans la conception visuelle. La couleur est souvent considérée comme un élément important du design car c'est un langage universel qui présente les innombrables possibilités de communication visuelle.

La teinte , la saturation et la luminosité sont les trois caractéristiques qui décrivent la couleur.

  • La teinte peut simplement être appelée "couleur" comme dans le rouge, le jaune ou le vert.
  • La saturation donne une luminosité ou un aspect terne à la couleur, ce qui a un impact sur l'éclat de la couleur.
  • Les valeurs , les teintes et les nuances de couleurs sont créées en ajoutant du noir à une couleur pour une nuance et du blanc pour une teinte. La création d'une teinte ou d'une nuance de couleur réduit la saturation .

Théorie des couleurs dans la conception visuelle

La théorie des couleurs étudie le mélange et les combinaisons de couleurs. C'est l'une des premières choses qui a marqué une approche de conception progressive. Dans la conception visuelle, les concepteurs se réfèrent à la théorie des couleurs comme un ensemble de conseils pratiques pour obtenir certains impacts visuels avec des combinaisons de couleurs spécifiques. La connaissance théorique des couleurs est mise en œuvre dans les conceptions afin d'obtenir une conception de couleur réussie.

L'harmonie des couleurs , souvent appelée "mesure de l'esthétique", étudie quelles combinaisons de couleurs sont harmonieuses et agréables à l'œil, et quelles combinaisons de couleurs ne le sont pas. L'harmonie des couleurs est une préoccupation majeure pour les concepteurs étant donné que les couleurs existent toujours en présence d'autres couleurs dans la forme ou l'espace.

Lorsqu'un designer harmonise les couleurs, les relations entre un ensemble de couleurs sont améliorées pour augmenter la façon dont elles se complètent. Les couleurs sont harmonisées pour obtenir un effet équilibré, unifié et esthétique pour le spectateur.

L'harmonie des couleurs est obtenue de diverses manières, dont certaines consistent à combiner un ensemble de couleurs partageant la même teinte ou un ensemble de couleurs partageant les mêmes valeurs pour deux des trois caractéristiques de couleur (teinte, saturation, luminosité) . L'harmonie des couleurs peut également être obtenue en combinant simplement des couleurs considérées comme compatibles les unes avec les autres telles que représentées dans la roue chromatique .

Les contrastes de couleurs sont étudiés avec une paire de couleurs, par opposition à l'harmonie des couleurs, qui étudie un ensemble de couleurs. Dans le contraste des couleurs, deux couleurs avec des différences perceptibles d'aspects tels que la luminance ou la saturation, sont placées côte à côte pour créer un contraste.

Johannes Itten a présenté sept types de contrastes de couleurs : contraste de lumière et d'obscurité, contraste de teinte, contraste de température, contraste de saturation , contraste simultané, contraste de tailles et contraste de complémentaire. Ces sept types de contrastes de couleurs ont inspiré des travaux antérieurs impliquant des schémas de couleurs dans la conception.

Les schémas de couleurs sont définis comme l'ensemble des couleurs choisies pour un dessin. Ils sont souvent composés de deux couleurs ou plus qui semblent attrayantes l'une à côté de l'autre et qui créent une sensation esthétique lorsqu'elles sont utilisées ensemble. Les schémas de couleurs dépendent de l' harmonie des couleurs car ils indiquent quelles couleurs sont agréables les unes à côté des autres.

Un produit design satisfaisant s'accompagne souvent d'une palette de couleurs réussie. Au fil du temps, des outils de conception de couleurs avec la fonction de générer des schémas de couleurs ont été développés pour faciliter l'harmonisation des couleurs pour les concepteurs.

Utilisation de la couleur dans la conception visuelle

  • La couleur est utilisée pour créer l'harmonie, l'équilibre et le confort visuel dans un design
  • La couleur est utilisée pour évoquer l'humeur et l'émotion souhaitées sur le spectateur
  • La couleur est utilisée pour créer un thème dans la conception
  • La couleur a un sens et peut être symbolique. Dans certaines cultures, différentes couleurs peuvent avoir des significations différentes.
  • La couleur est utilisée pour mettre l'accent sur les éléments souhaités et créer une hiérarchie visuelle dans une œuvre d'art
  • La couleur peut créer une identité pour une certaine marque ou un produit design
  • La couleur permet aux téléspectateurs d'avoir différentes interprétations des conceptions visuelles. La même couleur peut évoquer différentes émotions ou avoir différentes significations pour différents individus et cultures
  • Les stratégies de couleur sont utilisées pour l'organisation et la cohérence d'un produit de conception
  • Dans la conception architecturale d'un environnement de vente au détail, les couleurs affectent la prise de décision qui motive les consommateurs à acheter des produits particuliers
De même, les étoiles d'une constellation reliées par des lignes imaginaires sont un exemple naturel d'utilisation de lignes dans une composition

Ligne

La ligne est un élément d'art défini par un point se déplaçant dans l'espace. Les lignes peuvent être verticales, horizontales, diagonales ou courbes. Ils peuvent être de n'importe quelle largeur ou texture, et peuvent être continus, implicites ou brisés. En plus de cela, il existe différents types de lignes en dehors de celles mentionnées précédemment. Par exemple, vous pouvez avoir une ligne horizontale et en zigzag ou une ligne verticale et en zigzag. Différentes lignes créent différentes ambiances, tout dépend de l'ambiance que vous utilisez pour créer la ligne.

Point

Un point est fondamentalement le début de « quelque chose » dans « rien ». Il oblige l'esprit à réfléchir à sa position et donne quelque chose sur quoi s'appuyer à la fois dans l'imagination et dans l'espace. Certains points abstraits dans un groupe peuvent provoquer l'imagination humaine pour le lier à des formes ou des formes familières.

Forme

Une forme est définie comme une zone bidimensionnelle qui se démarque de l'espace à côté ou autour d'elle en raison d'une limite définie ou implicite, ou en raison de différences de valeur, de couleur ou de texture. Les formes sont des objets et des formes reconnaissables et sont généralement composées d'autres éléments de conception.

Par exemple, un carré dessiné sur une feuille de papier est considéré comme une forme. Il est créé avec une série de lignes qui servent de frontière qui façonne le carré et le sépare de l'espace qui l'entoure et qui ne fait pas partie du carré.

Types de formes

Les formes géométriques ou les formes mécaniques sont des formes qui peuvent être dessinées à l'aide d'une règle ou d'un compas, telles que des carrés , des cercles , des triangles , des ellipses , des parallélogrammes , des étoiles , etc. Les formes mécaniques, qu'elles soient simples ou complexes, produisent un sentiment de contrôle et d'ordre.

Les formes organiques sont des formes irrégulières qui sont souvent complexes et ressemblent à des formes que l'on trouve dans la nature . Les formes organiques peuvent être dessinées à la main, c'est pourquoi elles sont parfois subjectives et n'existent que dans l'imaginaire de l'artiste.

Les formes curvilignes sont composées de lignes courbes et de bords lisses. Ils donnent une sensation plus naturelle à la forme. En revanche, les formes rectilignes sont composées d'arêtes vives et d' angles droits , et dégagent un sens de l'ordre dans la composition . Ils ont l'air plus créés par l'homme, structurés et artificiels . Les artistes peuvent choisir de créer une composition qui tourne principalement autour de l'un de ces styles de forme, ou ils peuvent choisir de combiner les deux.

Texture

Ce n'est qu'une image bidimensionnelle d'un arbre, mais semble avoir la texture d'une écorce tridimensionnelle.

La texture fait référence aux qualités physiques et visuelles d'une surface.

Utilisations de la texture dans la conception

  • La texture peut être utilisée pour attirer ou repousser l'intérêt pour un élément, selon le degré d'agréabilité de la texture.
  • La texture peut également être utilisée pour ajouter des détails complexes dans la composition d'un dessin.
  • Dans la conception théâtrale, les qualités de surface d'un costume sculptent l'apparence et la sensation d'un personnage, ce qui influence la façon dont le public réagit au personnage.
Types de textures

La texture tactile , également connue sous le nom de "texture réelle", fait référence à la texture physique tridimensionnelle d'un objet. La texture tactile peut être perçue par le sens du toucher. Une personne peut ressentir la texture tactile d'une sculpture en passant sa main sur sa surface et en sentant ses arêtes et ses bosses.

  • Les peintres utilisent des empâtements pour créer des pics et créer de la texture dans leur peinture.
  • La texture peut être créée par collage . C'est à ce moment que les artistes assemblent des objets tridimensionnels et les appliquent sur une surface bidimensionnelle, comme un morceau de papier ou une toile, pour créer une composition finale.
  • Le papier collé est une autre technique de collage dans laquelle les artistes collent du papier sur une surface pour créer différentes textures sur sa surface.
  • L'assemblage est une technique qui consiste à assembler divers objets en trois dimensions en une sculpture, qui peut également révéler des textures au spectateur.

La texture visuelle , également appelée "texture implicite", n'est pas détectable par notre sens du toucher, mais par notre sens de la vue. La texture visuelle est l'illusion d'une texture réelle sur une surface bidimensionnelle. Toute texture perçue dans une image ou une photographie est une texture visuelle. Une photographie d'écorce d'arbre rugueuse est considérée comme une texture visuelle. Il crée l'impression d'une vraie texture sur une surface bidimensionnelle qui resterait lisse au toucher, quelle que soit la rugosité de la texture représentée.

En peinture, différentes peintures sont utilisées pour obtenir différents types de textures. Les peintures telles que l' huile , l' acrylique et l' encaustique sont plus épaisses et plus opaques et sont utilisées pour créer des impressions en trois dimensions sur la surface. D'autres peintures, telles que l' aquarelle , ont tendance à être utilisées pour les textures visuelles, car elles sont plus fines et transparentes, et ne laissent pas beaucoup de texture tactile sur la surface.

Modèle

De nombreuses textures semblent répéter le même motif . Lorsqu'un motif est répété maintes et maintes fois sur une surface, il en résulte un motif . Les motifs sont fréquemment utilisés dans le design de mode ou le design textile , où les motifs sont répétés pour créer des motifs décoratifs sur du tissu ou d'autres matériaux textiles . Les motifs sont également utilisés dans la conception architecturale , où des éléments structurels décoratifs tels que des fenêtres , des colonnes ou des frontons sont intégrés à la conception du bâtiment.

Espacer

Dans la conception, l'espace est concerné par la zone profonde au moment de la conception désignée, la conception aura lieu. Pour une conception en deux dimensions, l'espace concerne la création de l'illusion d'une troisième dimension sur une surface plane :

  • Le chevauchement est l'effet où les objets semblent être les uns sur les autres. Cette illusion rend l'élément supérieur plus proche de l'observateur. Il n'y a aucun moyen de déterminer la profondeur de l'espace, seulement l'ordre de proximité.
  • L'ombrage ajoute des marques de gradation pour faire paraître un objet d'une surface bidimensionnelle en trois dimensions.
  • Highlight, Transitional Light, Core of the Shadow, Reflected Light et Cast Shadow donnent à un objet un aspect tridimensionnel.
  • La perspective linéaire est le concept relatif à la façon dont un objet semble plus petit à mesure qu'il s'éloigne.
  • La perspective atmosphérique est basée sur la façon dont l'air agit comme un filtre pour modifier l'apparence des objets distants.

Former

Dans la conception visuelle, la forme est décrite comme la façon dont un artiste organise les éléments dans l'intégralité d'une composition. Il peut également être décrit comme tout objet tridimensionnel . La forme peut être mesurée de haut en bas (hauteur), d'un côté à l'autre (largeur) et d'arrière en avant (profondeur). La forme est également définie par la lumière et l'obscurité. Elle peut être définie par la présence d'ombres sur les surfaces ou les faces d'un objet. Il existe deux types de formes, géométriques (artificielles) et naturelles (formes organiques). La forme peut être créée par la combinaison de deux ou plusieurs formes. Il peut être amélioré par le ton, la texture ou la couleur. Il peut être illustré ou construit.

Principes de la conception de l'art

Principes appliqués aux éléments de conception qui les rassemblent en une seule conception. La façon dont on applique ces principes détermine le succès d'une conception.

Unité/harmonie

Selon Alex White, auteur de The Elements of Graphic Design , atteindre l'unité visuelle est un objectif principal de la conception graphique. Lorsque tous les éléments sont en accord, une conception est considérée comme unifiée. Aucune pièce individuelle n'est considérée comme plus importante que l'ensemble de la conception. Un bon équilibre entre unité et variété doit être établi pour éviter une conception chaotique ou sans vie.

Méthodes

  • Perspective : sens de la distance entre les éléments.
  • Similarité : capacité à sembler répétable avec d'autres éléments.
  • Continuation : le sentiment d'avoir une ligne ou un motif qui s'étend.
  • Répétition : éléments copiés ou imités de nombreuses fois.
  • Rythme : est obtenu lorsque la position, la taille, la couleur et l'utilisation récurrentes d'un élément graphique ont une interruption de point focal.
  • La modification du thème de base réalise l'unité et aide à maintenir l'intérêt.

Équilibre

C'est un état de tension et d'équilibre égalisé, qui n'est pas toujours calme.

Types d'équilibre dans la conception visuelle

L'image du haut a un équilibre symétrique et l'image du bas a un équilibre asymétrique
  • Symétrie
  • L' équilibre asymétrique produit un équilibre informel qui attire l'attention et dynamique.
  • L'équilibre radial est disposé autour d'un élément central. Les éléments placés dans un équilibre radial semblent « rayonner » à partir d'un point central de manière circulaire.
  • L'ensemble est une forme d'équilibre en mosaïque qui résulte normalement d'un trop grand nombre d'éléments mis sur une page. En raison du manque de hiérarchie et de contraste, cette forme d'équilibre peut sembler bruyante mais parfois silencieuse.

Hiérarchie/Dominance/Emphase

Une bonne conception contient des éléments qui guident le lecteur à travers chaque élément dans l'ordre de son importance. Le type et les images doivent être exprimés du plus important au moins important. La dominance est créée en contrastant la taille, le positionnement, la couleur, le style ou la forme. Le point focal doit dominer le design avec échelle et contraste sans sacrifier l'unité de l'ensemble.


Échelle/proportion

L'utilisation de la taille relative des éléments les uns par rapport aux autres peut attirer l'attention sur un point focal. Lorsque les éléments sont conçus plus grands que nature, l'échelle est utilisée pour montrer le drame.

Similitude et contraste

La planification d'un design cohérent et similaire est un aspect important du travail d'un designer pour rendre visible son point focal. Trop de similitude est ennuyeuse mais sans similitude, les éléments importants n'existeront pas et une image sans contraste est sans incident, la clé est donc de trouver l'équilibre entre similitude et contraste.

Environnement similaire

Il existe plusieurs manières de développer un environnement similaire :

  • Construire une structure d'organisation interne unique.
  • Manipulez les formes des images et du texte pour les mettre en corrélation.
  • Exprimez la continuité de page en page dans les publications. Les éléments à surveiller incluent les en-têtes, les thèmes, les bordures et les espaces.
  • Élaborez un manuel de style et respectez-le.

Contrastes

  • Espacer
    • Rempli / Vide
    • Près loin
    • 2D / 3D
  • Position
    • Gauche droite
    • Isolé / Groupé
    • Centré / Décentré
    • Haut / Bas
  • Former
    • Simple / Complexe
    • Beauté / Moche
    • Entier / Cassé
  • Direction
    • Stabilité / Mouvement
  • Structure
    • Organisé / Chaotique
    • Mécanique / Dessiné à la main
  • Taille
    • Grand petit
    • Faible profondeur
    • Graisses mince
  • Couleur
    • Niveaux de gris / Couleur
    • Noir & Blanc / Couleur
    • Clair / Sombre
  • Texture
    • Fin / Grossier
    • Lisse rugeux
    • Sharp / terne
  • Densité
    • Transparent / Opaque
    • Épais / Mince
    • Liquide / Solide
  • La gravité
    • Léger / Lourd
    • Stable/Instable

Le mouvement est le chemin que l'œil du spectateur emprunte à travers l'œuvre d'art, souvent jusqu'à des zones focales. Un tel mouvement peut être dirigé le long des bords des lignes, de la forme et de la couleur de l'œuvre d'art, etc.

Voir également

Remarques

Les références

Liens externes