Carl Sprinhorn - Carl Sprinchorn
Carl Sprinhorn | |
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 Portrait de Carl Sprinchorn par Robert Henri, 1910
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| Née |
13 mai 1887 |
| Décédés | 6 septembre 1971 (84 ans) |
| Connu pour | Artiste |
Carl Sprinchorn (1887-1971) était un artiste américain d'origine suédoise qui a étudié auprès de Robert Henri et qui a adopté un style de modernisme réaliste que les critiques admiratifs considéraient à la fois comme abstrait et révolutionnaire. Ses peintures à l'huile et ses œuvres sur papier présentent un large éventail de sujets. Il a réalisé des paysages urbains et des scènes de rue, des paysages marins et des scènes de plage, des paysages bucoliques et des scènes de ferme. Il a dessiné des danseurs célèbres, des personnalités de la société et des hommes urbains et ruraux au travail. Comme l'a dit un critique, "Il a la rare qualité de rendre tout sujet qu'il essaie intéressant et inhabituel, qu'il s'agisse de bouquets de fleurs, de coureurs dans des courses cyclistes de six jours, de danseuses espagnoles ou de paysages américains purs et simples." Il a été acclamé pour les photos qu'il a réalisées alors qu'il vivait à New York et lors de nombreux voyages. En 1918, un critique a déclaré que ses dessins montraient le genre de « contour de stylo audacieux » et de don pour une « déclaration incisive » que l'on pouvait voir dans le travail du caricaturiste britannique, Thomas Rowlandson . Un autre critique a noté une « nostalgie sensuelle et aristocratique » dans les scènes urbaines de Sprinchorn, les décrivant comme « des impressions délicates et suggestives ». Pendant une grande partie de sa carrière, les peintures florales de Sprinchorn à l'huile, au pastel et à l'aquarelle ont également attiré l'attention de la critique. Passant en revue les aquarelles exposées en 1928, un critique a loué une « relation subtile des couleurs » dans une œuvre florale et a déclaré que « si les couleurs pouvaient chanter », celles-ci « chanteraient mélodieusement ». Sprinchorn a effectué de nombreuses visites dans les camps et les hameaux du nord du Maine Woods et les peintures et dessins qu'il y a réalisés sont devenus ses œuvres les plus célèbres. À propos d'un ensemble d'expositions posthumes organisées en 2002, un critique écrit : « Entre les mains de Sprinchorn, les bois du Maine prennent vie grâce aux actions des hommes qui sont les plus à l'aise parmi les arbres : chasseurs, trappeurs, bûcherons et conducteurs de rivière, pour la plupart. Ces grands , les images accidentées sont pleines de couleurs terreuses qui rappellent le froid bleu de l'hiver, la lueur orange flamboyant de l'automne et les scènes d'ombre qui accompagnent les feux de camp nocturnes..."
Écrivant en 2002, un biographe a écrit sur un contraste entre l'orientation urbaine sophistiquée d'une grande partie de l'œuvre de Sprinchorn et l'orientation rurale peu sophistiquée de sa production des forêts du Maine. Le qualifiant de "composite d'opposés", elle a déclaré qu'il était aussi à l'aise dans le monde de l'art new-yorkais avec ses artistes sophistiqués et ses riches mécènes que dans les pensions rurales et les camps de bûcherons.
Première vie et éducation
Dans une lettre de 1974 à un ami, Sprinchorn a déclaré qu'il avait décidé d'émigrer de Suède après avoir lu l'histoire d'un professeur inspirant nommé Robert Henri. Bien qu'il n'ait que quinze ans lorsqu'il part pour New York et qu'il ne parle que suédois, il sait qu'une de ses sœurs aînées, qui travaille alors comme femme de chambre dans une famille de Manhattan, l'aidera à faire la difficile transition après son arrivée. Il débarque à New York le 30 octobre 1903 et s'inscrit à la New York School of Art huit jours plus tard. Sprinchorn a déclaré plus tard que ses études auprès de Robert Henri étaient le facteur le plus important dans le développement de sa carrière. Bien qu'Henri ne connaisse pas le suédois, Sprinchorn avance rapidement dans ses études au moyen de gestes et de contacts visuels pour comprendre les critiques d'Henri sur son travail. De son côté, Henri considérait Sprinchorn comme l'un de ses meilleurs élèves. En 1909, il dit que Sprinchorn ne connaissait pratiquement rien à l'art à ses débuts, mais qu'il apprit rapidement à peindre avec « virilité et caractère ».
Carrière dans l'art
La carrière de Sprinchorn a commencé alors qu'il était encore étudiant. Après un peu plus de deux ans d'études, il a reçu deux mentions honorables pour un dessin et des peintures qui ont été montrés dans une exposition de travaux scolaires à la New York School of Art. Au début de 1907, un de ses tableaux intitulé « A Winter Scene on the East Side, New York » a été accepté par les jurés pour l'exposition annuelle de la National Academy of Design, mais, à la suite d'une protestation d'Henri concernant d'autres tableaux qui avaient été rejetés, le l'académie a décidé de ne pas accrocher celui de Sprinchorn, en raison du manque d'espace. Irrité par la décision, Henri a déclaré que l'Académie ne devrait pas repousser les jeunes artistes innovants comme Sprinchorn. Il a félicité Sprinchorn pour avoir saisi "une grande nouvelle note" et l'avoir placée sur la toile "avec un effet obsédant" et a ajouté qu'il connaissait "peu de peintres plus prometteurs". Quelques mois plus tard, un critique du New York Sun a parlé des peintures de Sprinchorn qui ont été accrochées dans une autre exposition étudiante de la New York School. Il a fait l'éloge d'une peinture de Sprinchorn intitulée "Ferryboat in Snowstorm", affirmant qu'elle violait "tous les canons de l'art académique" en montrant "les choses telles qu'elles sont". Un autre critique a déclaré que Sprinchorn était un artiste prometteur dont le travail était "peint avec un sentiment d'ampleur". Au début de 1908, il a contribué des peintures à une exposition d'œuvres d'Henri et de ses élèves au National Arts Club . À propos d'un tableau de Sprinchorn intitulé « Winter Day », un critique a écrit : « C'est du réalisme poussé au onzième degré. Aucune pitié n'est montrée aux sentimentalistes optiques.
Sprinchorn suivit Henri lorsqu'en janvier 1909, il fonda sa propre école et la quitta l'année suivante pour poursuivre une carrière d'artiste professionnel. Entre 1907 et 1909, Sprinchorn avait été directeur de la New York School of Art et il a continué à remplir cette fonction pendant son séjour dans la nouvelle école Henri.
À cette époque, un critique considérait Sprinchorn comme « l'un des plus jeunes membres de la nouvelle école d'artistes « révolutionnaires », qui, en tant que corps, ont reçu si peu d'encouragement de la part des jurys de la National Academy of Design. » Au début de 1910, Sprinchorn fit accepter une peinture pour la 105e exposition annuelle de l' Académie des beaux-arts de Pennsylvanie et un peu plus tard, il exposa à la Rand School de New York avec Henri et des hommes qui avaient étudié avec Henri. La liste des participants comprenait George Bellows, George Luks et John Sloan .
Bien qu'il habite habituellement à New York, Sprinchorn a beaucoup voyagé tout au long de sa carrière. À la fin de 1912 et au début de 1913, il a vécu à Los Angeles, en Californie. Au cours de 1914 et 1915, il a vécu à Paris où il a suivi des cours de croquis à l' Académie Colarossi . Il passait souvent les mois d'été dans des colonies d'artistes près de l'eau : à Provincetown, Massachusetts, à Ogunquit, Maine et sur l'île Monhegan, Maine. Il revient de temps en temps en Scandinavie pour peindre et rendre visite à sa famille.
En 1910, il effectua sa première visite dans un endroit du centre-nord du Maine qui deviendrait bientôt un favori. Il a été invité par un ami de la famille à visiter Monson , une ville où il y avait une petite communauté d'immigrants suédois. Pendant les mois d'hiver, Monson abritait des camps de bûcherons qui profitaient de la crue des ruisseaux et des rivières pour transporter le bois vers les scieries plus au sud et à l'est. Déjà connu pour ses scènes de blizzards et de fortes chutes de neige dans les bidonvilles de Manhattan, Sprinchorn semble s'être senti à l'aise pour décrire le travail de ces bûcherons et l'environnement dans lequel ils passaient les mois les plus froids de l'année. Au fur et à mesure que sa carrière mûrissait, Sprinchorn reverrait Monson et d'autres endroits dans le nord du Maine Woods au cours des trois décennies suivantes et y passerait la plupart de son temps entre 1942 et 1952. Au moment de sa mort, les peintures, dessins de Sprinchorn , et les aquarelles des forêts du Maine seraient considérées comme ses sujets dominants et ses œuvres les plus populaires.
Pendant son séjour dans le sud de la Californie entre 1912 et 1914, Sprinchorn a enseigné à l' Art Students League et en a été le directeur pendant un certain temps.
En 1915, il fut l'un des onze « peintres américains représentatifs » sélectionnés pour une exposition dans la galerie principale du bâtiment des beaux-arts de l' exposition Panama-California à San Diego, en Californie. Plus tard cette année-là, il a participé à une exposition de groupe au New York MacDowell Club et l'année suivante a montré des dessins dans une exposition solo parrainée par George S. Hellman. En examinant ce dernier, un critique du New York Sun a déclaré qu'il dessinait avec esprit et grâce, avec une qualité de jeunesse que le critique a trouvée rafraîchissante. En 1918, il montra à nouveau des dessins dans une exposition au Scandinavian Art Shop. À cette occasion, un critique a reconnu une affinité avec l'artiste anglais Thomas Rowlandson, mais a noté que Sprinchorn voyait les choses de manière plus fragmentaire, en angles plutôt qu'en courbes, et avec un humour plus mordant. Le critique a conclu en disant que Sprinchorn était « étonnamment habile à obtenir les résultats les plus riches et les plus splendides en retenant toute la force de son pigment et en suggérant des réserves de couleur derrière la peinture de surface ».
Sprinchorn a exposé trois fois en 1920, une fois avec d'autres artistes suédo-américains à la Fondation américano-scandinave , une fois avec un groupe qui comprenait Anne Rector au National Arts Club , et une fois dans une exposition de la Society of Independent Artists . En examinant le premier des trois, un critique du Times a déclaré que Sprinchorn avait contribué "deux grands tableaux de grande distinction" et des dessins encore plus forts. L'année 1922 fut fructueuse pour Sprinchorn. En janvier , le journal de Hamilton Easter Field , The Arts , a publié un article du théoricien littéraire Kenneth Burke intitulé « The Art of Carl Sprinchorn ». Burke a analysé en détail la technique de Sprinchorn. Attirant l'attention sur son utilisation de la métaphore visuelle, Burke a déclaré qu'il utilisait l'abstraction pour que ses sujets servent à plusieurs fins dans ses peintures. A titre d'exemple, il a dit "Carl Sprinchorn commence par la neige, et ajoute quelque chose d'autre, tandis que la neige reste. Il parvient à mettre sur sa toile à la fois l'objet et son interprétation de celui-ci." Ce mois-là et le suivant, Sprinchorn montra des aquarelles et des dessins dans la galerie Junior Art Painters et des peintures et des œuvres sur papier dans la galerie de Mme Sterner. Au cours des derniers mois, le Worcester Art Museum a présenté une exposition personnelle de son travail récent. A la fin de l'année, il participe à une exposition collective à la Nouvelle Galerie qu'il fait lui-même monter. L'exposition à la Sterner Gallery a suscité un examen critique approfondi du magazine The Arts , du Brooklyn Daily Eagle et des journaux New York Herald . Dans The Arts , le théoricien littéraire Kenneth Burke a déclaré qu'en éliminant les détails, Sprinchorn avait obtenu une « interprétation plus vraie » de ses sujets. Dans le Brooklyn Daily Eagle, Hamilton Easter Field a écrit qu'il partageait l'enthousiasme des « admirateurs les plus ardents » de Sprinchorn. Le critique du New York Herald a déclaré à propos du travail de Sprinchorn : "C'est abstrait, mais c'est sain et bien." Dans son introduction au catalogue de l'exposition, le critique d'art, conservateur et collectionneur, Christian Brinton, a décrit ce qu'il considérait comme « l'odyssée avide et incessante de Sprinchorn à la recherche d'un nouveau stimulus plastique et chromatique ».
Entre 1922 et 1925, Sprinchorn était directeur artistique de la New Gallery qui exposait et vendait des œuvres d'artistes américains peu connus et d'artistes européens d'avant-garde. Ses œuvres ont été fréquemment montrées dans des expositions collectives au cours des années 1920 et au début des années 1930 : à la New Gallery en 1923 et 1924 ; au Whitney Studio Club en 1924; au Brooklyn Museum en 1925, 1926, 1928 et 1929 ; à la galerie Marie Sterner en 1928, 1930 et 1933 ; au Musée Roerich en 1929; et aux galeries de la Fifty-Sixth Street en 1930. Il a tenu des expositions personnelles au cours de ces années dans son propre studio (1924 et 1933), les Rhen Galleries (1927), la Ainslie Gallery en 1928, la Penthouse Gallery (1930) et le Galerie Sullivan (1936). L' American Swedish Historical Museum lui a offert une exposition personnelle en 1942. En 1930, la propriétaire de la Sullivan Gallery, Mme Cornelius Sullivan, a organisé une visite de son travail dans trois musées. Dans la décennie qui a suivi 1920, le magazine The Dial a publié plusieurs de ses dessins et il a également gagné un revenu pour les illustrations qu'il a produites pour la Ford Motor Company.
Sprinchorn a utilisé ses revenus de son travail à la New Gallery et d'autres sources pour financer un an et demi de voyage à Porto Rico et à Saint-Domingue en 1926 et 1927. Par la suite, il est retourné en Suède à la fin de 1930 et au début de 1931. Il est resté à New York la plupart du temps entre 1931 et 1937. Son travail faisait partie de l' événement de peinture du concours d'art aux Jeux olympiques d'été de 1932 . Son travail est également apparu au Whitney Museum dans la deuxième exposition biennale en 1936 et dans l'exposition annuelle d'art contemporain en 1938. Utilisant l'argent qu'il a reçu des ventes de son art, il a passé une partie ou toute l'année dans le Maine entre 1937 et 1943, vivant principalement à Patten ou à Shin Pond . En janvier 1943, Sprinchorn écrit au collectionneur et directeur du musée Duncan Phillips , lui demandant de voir l'exposition de ses œuvres à la Macbeth Gallery. Phillips a ensuite acheté l'une des peintures, « Snow Winged Horses » (1920), aidant ainsi à financer les hivers suivants dans les bois du Maine. Au cours de ces années, il a montré peu fréquemment, notamment dans des expositions personnelles à la galerie Macbeth (1943, 1947 et 1950), la galerie Bertha Schaeffer (1944). Alors que sa santé déclinait après 1950, il a continué à montrer des œuvres des décennies précédentes, mais a peint moins fréquemment. Il a vécu à Manhattan de 1950 à 1956 quand il a déménagé dans une ferme à Selkirk, New York . Les galeries dans lesquelles il a exposé pendant cette période comprennent les galeries Bertha Schaefer, Passedoit, Zabriske et Knoedler à New York. Il cesse d'exposer en 1963 et meurt huit ans plus tard.
En 1984, le musée d'art de Rutgers, l'Université d'État du New Jersey, a organisé une rétrospective intitulée "Carl Sprinchorn: Realist Impulse and Romantic Vision". En 1994, la Galerie Veilleux à Farmington, Maine, a exposé 60 peintures et œuvres sur papier des bois du Maine. Selon un article de presse, 44 des 60 ont trouvé des acheteurs, ce qui en fait l'exposition la plus réussie que son travail ait jamais reçue. La galerie, qui représentait la succession de Sprinchorn, a organisé une deuxième rétrospective en 1996. Une exposition intitulée "The Art of Carl Sprinchorn: The Katahdin Collection" est apparue au Ogunquit Museum of American Art en 1998. Trois expositions ont eu lieu dans le Maine au cours de l'été de 2002 : "Carl Sprinchohn: King of the Woods" au Bates College Museum of Art, Lewiston, "Carl Sprinchorn: The Maine Woods and Beyond" à la Veilleux Gallery à Farmington, et "The Four Seasons: Carl Sprinchorn in Maine" à la Galerie New O'Farrell, Brunswick.
Malgré son affection pour les paysages enneigés et les images d'occupations hivernales, Sprinchorn n'a jamais été complètement à l'aise dans le Maine rural. Un résident local, Caleb Scribner, est devenu un ami, mais Scribner était une exception. Ils se sont rencontrés en 1937 lorsque Sprinchorn est resté comme pensionnaire dans la maison de la famille Scribner à Patten, près de Shin Pond. Artiste amateur, Scribner pouvait converser avec Sprinchorn sur des sujets qui n'intéressaient pas les autres locaux. Dans une lettre de 1946 à un ami, Sprinchorn a admis qu'il avait peu en commun « avec ces gens qui, après tout, ne sont pas importants dans ma vie au-delà de l'accident de partager un arbre et une planche de toit avec eux ; partager mes intérêts, mes problèmes ou autre." Écrivant en 1988, la biographe de Sprinchorn, Mary Towley Swanson, l'a qualifié de "composite d'opposés". Il aimait la vie urbaine et développait des amitiés durables avec des artistes et des mécènes du monde de l'art new-yorkais. Tout au long de la majeure partie de sa carrière, les critiques ont accordé la plus grande partie de leur attention à ses natures mortes et à d'autres sujets d'intérieur et les quelques enregistrements existants de ses ventes d'art montrent le plus grand intérêt pour ce travail. Pourtant, tout au long de sa carrière, il a passé de longues périodes en milieu rural et, après sa mort, les critiques et les conservateurs ont montré une forte préférence pour ses peintures rurales. Vers la fin de sa carrière, Sprinchorn a abordé ce double aspect de son travail. Dans une lettre à son ami Richard Sprague, il a écrit : "Eh bien, je suis un garçon de la ville. Je veux dire que je suis né à la campagne, mais j'ai l'esprit de la ville." En 1953, il écrit à un ami : « On m'a traité de mystique. Je pense que j'ai un esprit panthéiste envers la nature qui empêche la simple copie de la nature. Je n'ai jamais réussi à copier la nature, même si sincèrement, je me suis vite las. aime sélectionner et interpréter la nature après avoir vécu au plus près des sources de la nature - mais à l'inverse, je me suis intéressé à la vie des critiques, aux aspects sophistiqués de la vie en général - en un mot, j'ai essayé de beaucoup englober. "
Style artistique
Après avoir accepté Robert Henri comme professeur et mentor, Sprinchorn adopte un style réaliste qui est alors considéré comme révolutionnaire. Au mépris de l'art académique décent et de l' art impressionniste évadé , les peintres qui ont étudié sous Henri ont choisi des sujets du monde urbain graveleux qui les entourait, peints avec une liberté audacieuse et un coup de pinceau rapide, et se sont efforcés d'une immédiateté de l'expression émotionnelle. En passant en revue une exposition dans laquelle ses premières peintures ont été montrées, un critique a déclaré que le "Ferryboat in Snowstorm" de Sprinchorn avait offensé les autorités artistiques en violant "tous les canons de l'art académique". Un autre a déclaré une peinture de ses "sentimentalistes" offensés en poussant le réalisme "au onzième degré". La peinture de 1906, "Après une tempête" également appelée "Après une tempête de neige" (à droite), montre le style de Sprinchorn à cette époque. Au début de sa carrière, les œuvres sur papier de Sprinchorn ont attiré au moins autant d'attention que ses peintures à l'huile. Comme déjà mentionné, il a reçu une mention honorable pour un dessin en 1906, a montré des dessins dans une exposition collective de 1908 et en 1916 a eu sa première exposition personnelle consacrée aux dessins. Quelques années plus tard, il rappelle l'accueil favorable de la presse new-yorkaise à cette œuvre et dit que l'exposition personnelle a suscité un grand nombre d'achats. Sprinchorn a suivi Henri dans son style de dessin autant que dans ses peintures à l'huile. Henri a dit à ses étudiants de faire des dessins non pas en tant que dessinateurs impartiaux, mais de manière expressive et avec une conscience profonde de l'ensemble du sujet. En 1916, un critique du New York Sun a attiré l'attention sur les lignes abrégées et l'utilisation de la simplification de Sprinchorn et a noté "l'esprit et la grâce" de ses dessins. Notant dans les dessins de Sprinchorn « une vision fine et une analyse pleine d'esprit », un critique du New York Times a déclaré en 1918 que l'artiste était « étonnamment habile à obtenir les résultats les plus riches et les plus splendides en retenant toute la force de son pigment, et suggérant des réserves de couleur derrière la peinture de surface." Au début des années 1920, les critiques ont continué à souligner sa simplicité, sa franchise et l'intensité de ses sentiments. Ils ont reconnu un rejet de la présentation strictement figurative en faveur des éléments de composition de son travail. L'un a vu dans sa technique une « véritable sensibilité esthétique » et un autre a cité sa capacité à transformer des sujets en symboles significatifs.
En 1920, un critique du Times écrivit que Sprinchorn montrait clairement son talent dans ses dessins. Le critique les a qualifiés de « croquis vifs et syncopés », qui racontaient « à l'intérieur de leurs limites étroites plus de vérités sur la couleur et la forme que la plupart des artistes trouvent possible de dire sur leurs plus grandes toiles ». En 1922, un critique déclara que les dessins étaient "exprimés par des lignes vives et des passages subtilement modulés de bleu, violet, jaune pâle et vert. Pleins d'une véritable sensibilité esthétique, ainsi que d'une certaine nostalgie sensuelle et aristocratique". La même année, écrivant dans le magazine The Arts , un critique écrivait qu'il appréciait « la composition pour elle-même » et qu'il avait « presque un dédain pour le sujet. , des hommes sans destin ni destination. » La « Dame à l'éventail » de Sprinchorn (illustrée à gauche), montre sa technique de dessin au trait avec lavis à l'aquarelle.
Le style de Sprinchorn a peu changé pendant le reste de sa carrière, si peu que les critiques écrivant en 2002 pouvaient faire écho à ce que les critiques avaient écrit au début des années 1920. Les deux groupes de critiques ont vu la liberté et l'audace dans sa sensibilité artistique et une approche qui était expressive et abstraite plutôt qu'objective et représentative. Ils ont utilisé des termes comme « libre et audacieux » ou « libre et réactif » pour décrire son style. Au début et à la fin de sa carrière, il était considéré comme donnant ce qu'un critique a appelé « l'accent symbolique » dans son travail. Tôt et tard, il était considéré comme un coloriste subtil et était fréquemment cité pour une force qu'un critique appelait « la vigueur et la motivation ». A toutes les époques, les critiques ont vu dans son œuvre un contenu émotionnel que l'on a appelé « l'expressionnisme avec des éléments abstraits ». Dans un résumé post-carrière de son travail, un critique a déclaré que ce qui distinguait le style de Sprinchorn était sa « capacité à définir une image avec une honnêteté personnelle brutale, comme s'il ne pouvait rien faire d'autre ». Un autre a écrit que même s'il « était attaché à l'authenticité de son sujet, il utilisait des moyens similaires à ceux employés par un artiste abstrait, y compris des relations entre la figure et le sol qui divergent de la perspective normale ; l'utilisation expressive de la couleur ; et une application picturale de la peinture. qui démontre le goût pour l'acte de peindre." Les peintures de Sprinchorn, "Hunter's Luck II" (illustrées à droite) et "Gloria October" (illustrées à gauche, illustrent ces aspects de son style.
Tout au long de sa carrière, les supports de Sprinchorn étaient des peintures à l'huile sur toile et des œuvres sur papier à l'aquarelle, au crayon, à la plume, au lavis, au crayon et au fusain.
Ses sujets étaient très variés : paysages urbains de New York et paysages des bois du Maine et décors tropicaux ; des figures humaines, y compris des ouvriers urbains et des bûcherons ruraux, ainsi que des citadins sophistiqués; scènes de ferme scandinaves; natures mortes florales. Bien que ses images des bois du Maine aient attiré le plus d'attention après sa mort, il était mieux connu pour ses natures mortes et ses dessins pendant la majeure partie de sa carrière. "Sunflowers and Tritoma" de Sprinchorn (illustré à droite) illustre la manipulation d'une nature morte florale. En 1936, un critique a déclaré que cette peinture était la plus vivante des « peintures de fleurs vives » qu'il présentait à la galerie Sullivan.
Vie personnelle et familiale
Sprinchorn est né dans le village de Broby , près de Kristianstad , en Suède, le 13 mai 1887. Son père était Claes Sprinchorn (1845-1907), un ébéniste qui faisait de la menuiserie et restaurait des meubles. Sa mère était Johanna Rudolphsson (Andreasdotter) Sprinchorn (1844-1932). Il était le plus jeune de sept enfants. Enfant, il aimait dessiner et, comme nous l'avons déjà noté, déterminé à émigrer à New York afin d'étudier auprès de Robert Henri.
En 1956, alors que sa mauvaise santé limitait sa capacité à peindre et à dessiner, il s'installa chez sa sœur, Mme Anna Johnson, à Selkirk, New York. À sa mort en 1971, ses seuls survivants connus étaient Mme Johnson et une nièce, Mme Ruth Olson, également de Selkirk.