Primavera (Botticelli) - Primavera (Botticelli)

Primavera
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Artiste Sandro Botticelli
Année fin des années 1470 ou début des années 1480
Moyen Tempera sur panneau
Dimensions 202 cm × 314 cm (80 po × 124 po)
Emplacement Galerie des Offices , Florence

Primavera ( prononciation italienne:  [primavɛːra] ,signifie « printemps »), est un grand panneau peinture à tempera peinture par la Renaissance italienne peintre Sandro Botticelli fait dans les années 1470 oudébutannées 1480retard (datations varient). Il a été décrit comme « l'une des peintures les plus écrites et les plus controversées au monde », et aussi « l'une des peintures les plus populaires de l'art occidental ».

La peinture représente un groupe de personnages de la mythologie classique dans un jardin, mais aucune histoire n'a été trouvée qui rassemble ce groupe particulier. La plupart des critiques s'accordent à dire que la peinture est une allégorie basée sur la croissance luxuriante du printemps, mais les récits de toute signification précise varient, bien que beaucoup impliquent le néoplatonisme de la Renaissance qui fascinait alors les cercles intellectuels de Florence . Le sujet a été décrit pour la première fois comme Primavera par l'historien de l'art Giorgio Vasari qui l'a vu à la Villa Castello , juste à l'extérieur de Florence, vers 1550.

Bien que les deux soient maintenant connus pour ne pas être une paire, la peinture est inévitablement discutée avec l'autre très grande peinture mythologique de Botticelli, La Naissance de Vénus , également dans les Offices. Ils font partie des tableaux les plus célèbres au monde, et des icônes de la Renaissance italienne ; des deux, la Naissance est encore plus connue que la Primavera . En tant que représentations de sujets de la mythologie classique à très grande échelle, elles étaient pratiquement sans précédent dans l'art occidental depuis l'antiquité classique.

L'histoire de la peinture n'est certainement pas connue ; il peut avoir été commandé par un membre de la famille Médicis , mais la certitude de sa commission est inconnue. Il s'inspire d'un certain nombre de sources littéraires classiques et de la Renaissance, y compris les œuvres du poète romain antique Ovide et, moins certainement, Lucrèce , et peut également faire allusion à un poème de Poliziano , le poète de la maison Médicis qui a peut-être aidé Botticelli à concevoir la composition . Depuis 1919, le tableau fait partie de la collection de la Galerie des Offices à Florence , en Italie.

Composition

Vénus debout dans son arc.

Le tableau présente six figures féminines et deux hommes, ainsi qu'un cupidon, dans une orangeraie. Le mouvement de la composition se fait de droite à gauche, donc suivant cette direction l'identification standard des figures est : à l'extrême droite " Zephyrus , le vent mordant de mars, kidnappe et possède la nymphe Chloris , qu'il épouse plus tard et transforme en un divinité ; elle devient la déesse du Printemps, éternelle porteuse de vie, et répand des roses sur le sol. » Chloris la nymphe chevauche Flora , la déesse en laquelle elle se transforme.

Au centre (mais pas exactement) et un peu en retrait des autres personnages se tient Vénus, une femme drapée de rouge en bleu. Comme la cueilleuse de fleurs, elle renvoie le regard du spectateur. Les arbres derrière elle forment un arc brisé pour attirer le regard. Dans les airs au-dessus d'elle, un Cupidon aux yeux bandés pointe son arc vers la gauche. A gauche du tableau Les Trois Grâces , un groupe de trois femmes également en blanc diaphane, joignent les mains dans une danse. A l'extrême gauche Mercure , vêtu de rouge avec une épée et un casque, lève son caducée ou tige de bois vers quelques nuages ​​gris vaporeux.

Les interactions entre les personnages sont énigmatiques. Zephyrus et Chloris se regardent. Flore et Vénus regardent le spectateur, Cupidon a les yeux bandés et Mercure a tourné le dos aux autres et lève les yeux vers les nuages. La Grâce centrale regarde vers lui, tandis que les deux autres semblent se regarder. Le sourire de Flora était très inhabituel en peinture à cette date.

Le paysage pastoral est élaboré. Il y a 500 espèces végétales identifiées représentées dans la peinture, avec environ 190 fleurs différentes, dont au moins 130 peuvent être spécifiquement identifiées. L'apparence générale et la taille de la peinture sont similaires à celles des tapisseries flamandes millefleur ("mille fleurs") qui étaient des décorations populaires pour les palais à l'époque.

Ces tapisseries n'avaient pas rattrapé dans les années 1480 les développements artistiques de la Renaissance italienne, et la composition de la peinture a des aspects qui appartiennent à ce style encore gothique. Les personnages sont répartis en une ligne grossière sur le devant de l'espace photo, "mis côte à côte comme des perles sur un fil". On sait maintenant que dans le cadre pour lequel le tableau a été conçu, le fond était à peu près au niveau des yeux, ou légèrement au-dessus, ce qui explique en partie "le plan légèrement ascendant" sur lequel se tiennent les personnages.

Les pieds de Vénus sont considérablement plus hauts que ceux des autres, montrant qu'elle est derrière eux, mais elle est à la même échelle, sinon plus grande, que les autres figures. Le chevauchement d'autres personnages par l'épée de Mercure et les mains de Chloris montre qu'ils se tiennent légèrement devant Grace et Flora, respectivement, ce qui pourrait ne pas être évident autrement, par exemple de leurs pieds. Il a été avancé que les fleurs ne deviennent pas plus petites à l'arrière de l'espace de l'image, ce qui est certainement une caractéristique des tapisseries millefleurs.

Les costumes des personnages sont des versions de la robe de la Florence contemporaine, bien que le genre de "costumes quasi-théâtraux conçus pour les mascarades du genre que Vasari a écrit aient été inventés par Lorenzo de' Medici pour les festivals et tournois civiques". L'absence d'un récit évident peut concerner le monde des reconstitutions historiques et des tableaux vivants ainsi que des allégories gothiques typiquement statiques.

Sens

Les Trois Grâces

Diverses interprétations des figures ont été avancées, mais il est généralement admis qu'au moins à un niveau, la peinture est « une allégorie mythologique élaborée de la fertilité naissante du monde ». On pense que Botticelli a eu de l'aide pour concevoir la composition de la peinture et les significations qu'elle était censée contenir, car il semble que la peinture reflète une connaissance approfondie de la littérature et de la philosophie classiques qu'il est peu probable que Botticelli ait possédée. On pense généralement que Poliziano a été impliqué dans cela, bien que Marsilio Ficin , un autre membre du cercle de Lorenzo de Médicis et une figure clé du néoplatonisme de la Renaissance , ait également souvent été mentionné.

Un aspect de la peinture est une représentation de la progression de la saison du printemps, lisant de droite à gauche. Le vent du début du printemps souffle sur la terre et fait naître la croissance et les fleurs, présidé par Vénus, déesse d'avril, avec à gauche Mercure, le dieu du mois de mai dans un calendrier romain primitif, chassant les derniers nuages ​​avant l'été. En plus de faire partie d'une séquence au cours de la saison, Mercure en dissipant les nuages ​​agit comme le gardien du jardin, expliquant en partie sa tenue militaire et son orientation hors de l'espace de l'image. Un passage de l' Énéide de Virgile le décrit en train de nettoyer le ciel avec son caducée. Une vision néoplatonicienne plus positive des nuages ​​est qu'ils sont "les voiles bienfaisants à travers lesquels la splendeur de la vérité transcendante peut atteindre le spectateur sans le détruire".

Vénus préside le jardin – une orangeraie (symbole des Médicis). C'est aussi le Jardin des Hespérides du mythe classique, d'où provenaient les pommes d'or utilisées dans le Jugement de Paris ; les Grecs hellénistiques avaient décidé qu'il s'agissait d' agrumes , exotiques pour eux. Selon Claudian , aucun nuage n'y était autorisé. Vénus se tient devant les feuilles sombres d'un buisson de myrte . Selon Hésiode , Vénus était née de la mer après que la semence d' Uranus soit tombée sur les eaux. En arrivant à terre dans une coquille, elle avait vêtu sa nudité de myrte, et ainsi la plante est devenue sacrée pour elle. Vénus apparaît ici dans son personnage de déesse du mariage, vêtue et avec ses cheveux modestement couverts, comme les femmes mariées étaient censées apparaître en public.

Les Trois Grâces sont sœurs et accompagnent traditionnellement Vénus. Dans l'art classique (mais pas dans la littérature), ils sont normalement nus et restent généralement immobiles lorsqu'ils se tiennent la main, mais la représentation ici est très proche d'une adaptation de Seneca par Leon Battista Alberti dans son De pictura (1435), que Botticelli connaissait certainement. De la gauche, ils sont identifiés par Edgar Wind comme Voluptas , Castitas et Pulchritudo (Plaisir, chasteté et beauté), bien que d'autres noms se trouvent dans la mythologie, et il est à noter que de nombreux écrivains, y compris Lightbown et les Ettlingers, s'abstiennent de nommer Botticelli Grâces du tout.

Pallas et le Centaure de Botticelli (1482) a été proposé comme pièce d'accompagnement de Primavera .

La flèche de Cupidon vise la grâce moyenne - la chasteté, selon Wind - et l'impact de l'amour sur la chasteté, conduisant à un mariage, figure dans de nombreuses interprétations. La chasteté se tourne vers Mercure, et certaines interprétations, en particulier celles identifiant les personnages comme modelés sur des individus réels, voient ce couple comme l'un pour correspondre à Chloris et Zephyrus de l'autre côté de la peinture.

Dans une interprétation différente, l'amour charnel terrestre représenté par Zéphyr à droite est renoncé par la figure centrale des Grâces, qui a tourné le dos à la scène, indifférente à la menace que lui représentait Cupidon. Elle se concentre sur Mercure, qui lui-même regarde au-delà de la toile ce que beaucoup croient accroché comme pièce d'accompagnement de Primavera : Pallas et le Centaure , dans lequel « l'amour orienté vers la connaissance » (incarné par Pallas Athéna ) s'avère triomphant de la luxure (symbolisé par le centaure ).

L'identification de base des figures est maintenant largement acceptée, mais dans le passé, d'autres noms ont parfois été utilisés pour les femmes de droite, qui sont deux étapes d'une même personne dans l'interprétation habituelle. La femme à la robe fleurie peut être appelée Primavera (une personnification du printemps), avec Flora la figure poursuivie par Zéphyr. Un universitaire a suggéré en 2011 que la figure centrale n'était pas du tout Vénus, mais Perséphone .

En plus de sa signification manifeste, le tableau a été interprété comme une illustration de l'idéal de l'amour néoplatonicien popularisé parmi les Médicis et leurs disciples par Marsilio Ficin. Les philosophes néoplatoniciens considéraient Vénus comme régnant à la fois sur l'amour terrestre et divin et affirmaient qu'elle était l'équivalent classique de la Vierge Marie ; cela est évoqué par la façon dont elle est encadrée dans un cadre semblable à un autel qui est similaire aux images contemporaines de la Vierge Marie. Le geste de bienvenue de la main de Vénus, probablement dirigé vers le spectateur, est le même que celui utilisé par Marie à l' archange Gabriel dans les peintures contemporaines de l' Annonciation .

Des allusions amusantes aux noms des Médicis incluent probablement les boules dorées des oranges, rappelant celles des armoiries des Médicis, les lauriers à droite, pour Lorenzo, et les flammes sur le costume des deux Mercure (pour qui elles sont un attribut régulier ) et Vénus, qui sont aussi un attribut de Saint Laurence (Lorenzo en italien). Mercure était le dieu de la médecine et des « médecins », medici en italien. De tels jeux de mots pour les Médicis, et dans Vénus et Mars le Vespucci, parcourent toutes les peintures mythologiques de Botticelli.

Sources

Parmi les très nombreuses sources littéraires qui ont pu alimenter la peinture, la plus claire a été notée pour la première fois à l'époque moderne par Aby Warburg en 1893, dans sa thèse fondamentale sur la peinture. Le groupe à droite du tableau s'inspire d'une description par le poète romain Ovide de l'arrivée du printemps ( Fasti , livre 5, 2 mai). La nymphe des bois Chloris raconte comment ses charmes nus ont attiré le premier vent du printemps, Zéphyr. Zéphyr la poursuivit et alors qu'elle était ravie, des fleurs jaillirent de sa bouche et elle se transforma en Flore, déesse des fleurs. Dans l'œuvre d'Ovide, il est dit au lecteur que « jusqu'alors la terre n'avait été que d'une seule couleur ». D'après le nom de Chloris, on peut supposer que la couleur était verte - le mot grec pour vert est khloros , la racine de mots comme la chlorophylle - et c'est peut-être pourquoi Botticeli a peint Zephyr dans des tons de bleu-vert.

D'autres éléments spécifiques peuvent avoir été dérivés d'un poème de Poliziano . Comme le poème de Poliziano, "Rusticus", a été publié en 1483 et que la peinture est généralement considérée comme achevée vers 1482, certains chercheurs ont soutenu que l'influence s'est inversée, en gardant à l'esprit que Poliziano est généralement considéré comme ayant aidé à concevoir le allégorie dans la peinture.

Une autre source d'inspiration pour la peinture semble avoir été le poème de Lucrèce " De rerum natura ", qui comprend les vers, " Le printemps et Vénus viennent, et le garçon de Vénus, / Le signe avant-coureur ailé, marche avant, / Et dur sur Les empreintes de pas de Zéphyr Mère Flore, / Arrosant les chemins devant eux, remplissent tout / De couleurs et d'odeurs excellentes."

Là où il existe une pléthore de sources littéraires, dont la plupart ne sont probablement pas connues directement par Botticelli, ou présentées pour lui par des conseillers, les sources visuelles sont une autre affaire :

Mais d'où, au sens visuel plutôt que littéraire, la vision est-elle venue ? C'est le mystère du génie. De sarcophages antiques, de quelques pierres précieuses et reliefs, et peut-être de quelques fragments de céramique arétine ; de ces dessins de vestiges classiques d'artistes contemporains qui circulaient dans les ateliers florentins, comme les cahiers d'architectes du XVIIIe siècle ; à partir de matériaux aussi rares et médiocres, Botticelli a créé l'une des évocations les plus personnelles de la beauté physique dans l'ensemble de l'art, les Trois Grâces de la Primavera . ( Kenneth Clark )

Histoire

Mercure peut avoir été modelé d'après Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici , ou peut-être son cousin Giuliano de' Medici .

L'origine de la peinture n'est pas claire. Botticelli était absent à Rome pendant de nombreux mois en 1481/82, peignant dans la chapelle Sixtine , et les dates suggérées ces dernières années sont pour la plupart postérieures à celle-ci, mais parfois encore antérieures. La pensée a quelque peu changé par la publication en 1975 d'un inventaire de 1499 de la collection de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici.

L'inventaire de 1499 l'enregistre suspendu dans le palais de la ville de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici et de son frère Giovanni "Il Popolano" . Ils étaient les cousins ​​de Lorenzo de' Medici ("Lorenzo il Magnifico"), qui était effectivement le souverain de Florence, et après la mort prématurée de leur père avait été ses pupilles. Il était suspendu à un grand lettucio , un meuble élaboré comprenant une base surélevée, un siège et un panneau arrière, probablement surmonté d'une corniche . Le bas du tableau était probablement à la hauteur des yeux du spectateur, donc un peu plus haut qu'il n'est accroché aujourd'hui.

Dans la même pièce se trouvait la Pallas et le Centaure de Botticelli , ainsi qu'un grand tondo avec la Vierge à l'Enfant . Le tondo est maintenant non identifié, mais c'est un type de peinture particulièrement associé à Botticelli. Cela a été donné la valeur la plus élevée des trois peintures, à 180 lires. Un autre inventaire de 1503 enregistrements que le Primavera avait un grand cadre blanc.

Dans la première édition de sa Vie de Botticelli , publiée en 1550, Giorgio Vasari dit qu'il avait vu ce tableau, ainsi que la Naissance de Vénus , accroché dans le pays des Médicis à Villa di Castello . Avant que l'inventaire ne soit connu, on croyait généralement que les deux peintures avaient été réalisées pour la villa, probablement peu de temps après son acquisition en 1477, soit commandées par Lorenzo di Pierfrancesco, soit peut-être données par son cousin aîné et tuteur Lorenzo de' Medici . Assez curieusement, Vasari dit que les deux peintures contenaient des nus féminins, ce qui n'est pas strictement le cas ici.

Chloris et Zéphyr

La plupart des érudits relient maintenant la peinture au mariage de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici . Les tableaux et les meubles étaient souvent offerts en cadeau pour célébrer les mariages. Le mariage eut lieu le 19 juillet 1482, mais avait été reporté après la mort de la mère de Lorenzo aîné le 25 mars. Il était initialement prévu pour le mois de mai. Les datations récentes ont tendance à préférer le début des années 1480, après le retour de Botticelli de Rome, suggérant qu'il a été directement commandé dans le cadre de ce mariage, un point de vue soutenu par beaucoup.

Une autre théorie plus ancienne, en supposant une date précoce, suggère que l'aîné Lorenzo a commandé le portrait pour célébrer la naissance de son neveu Giulio di Giuliano de' Medici (qui est devenu plus tard le pape ), mais a changé d'avis après l'assassinat du père de Giulo, son frère Giuliano en 1478, l'ayant plutôt complété comme cadeau de mariage pour Lorenzo di Pierfrancesco.

Il est fréquemment suggéré que Lorenzo di Pierfrancesco est le modèle de Mercure dans le portrait, et son épouse Semirande représentée comme Flore (ou Vénus). Dans des théories plus anciennes, plaçant la peinture dans les années 1470, il a été proposé que le modèle de Vénus était Simonetta Vespucci , épouse de Marco Vespucci et selon la légende populaire la maîtresse de Giuliano de' Medici (qui est aussi parfois dit avoir été le modèle pour Mercure); ces identifications dépendent en grande partie d'une date précoce, dans les années 1470, car les deux étaient morts en 1478. Simonetta était la tante de l'épouse de Lorenzo, Semirande. Résumant les nombreuses interprétations de la peinture, Leopold Ettlinger comprend "descendre au ridicule - une pantomime wagnérienne adoptée à la mémoire de Giuliano de' Medici assassiné et de sa bien-aimée Simonetta Vespucci avec les Nornes germaniques déguisés en grâces méditerranéennes".

Chaque fois que ce tableau et la Naissance de Vénus ont été réunis à Castello, ils sont restés ensemble depuis. Ils sont restés à Castello jusqu'en 1815, date à laquelle ils ont été transférés aux Offices. Pendant quelques années jusqu'en 1919, ils ont été conservés dans la Galleria dell'Accademia , un autre musée gouvernemental à Florence. Depuis 1919, il est exposé à la Galerie des Offices à Florence. Pendant la campagne d'Italie de la Seconde Guerre mondiale, la photo a été déplacée au château de Montegufoni à environ dix miles au sud-ouest de Florence pour le protéger des bombardements de guerre.

Il a été rendu à la Galerie des Offices où il est encore aujourd'hui. En 1978, le tableau a été restauré . L'œuvre s'est considérablement assombrie au fil du temps.

  • Flore , la déesse des fleurs et la saison du printemps.

  • Détail de la robe de Flora.

Remarques

Les références

  • Lucrèce. Sur la nature des choses , William Ellery Leonard, trnsl. au Projet Gutenberg
  • Snow-Smith, Joanne (1993). La Primavera de Sandro Botticelli : une interprétation néoplatonicienne . Peter Lang International Academic Publishers. ISBN 978-0820417363.
  • Steinmann, Ernst (1901). Botticelli . Velhagen & Klasing. p. 78 . Récupéré le 16 juillet 2010 .
  • Vasari , sélectionné & éd. George Bull, Artistes de la Renaissance , Pingouin 1965 (page nos de BCA edn, 1979). Vasari Life en ligne (dans une autre traduction)
  • Vent, Edgar , Mystères païens à la Renaissance , 1967 éd., Peregrine Books

Liens externes

Vidéo externe
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