Symphonie n° 7 (Sibelius) - Symphony No. 7 (Sibelius)

Symphonie n°7
(en un seul mouvement)
par Jean Sibelius
Sibelius.gif
Sibelius en 1918, l'année où il conçut pour la première fois l'œuvre qui deviendra la Septième Symphonie
Clé Do majeur
Catalogue Op. 105
Composé 1924 ( 1924 )

Symphonie n° 7 en ut majeur , op. 105, était la dernière symphonie publiée du compositeur finlandais Jean Sibelius . Achevée en 1924, la Symphonie n° 7 est remarquable pour être une symphonie à un mouvement , contrairement à la formule symphonique standard de quatre mouvements. Il a été décrit comme "complètement original dans sa forme, subtil dans sa gestion des tempi , individuel dans son traitement de la clé et entièrement organique dans sa croissance" et "la réalisation compositionnelle la plus remarquable de Sibelius".

Après que Sibelius eut terminé sa composition le 2 mars 1924, l'œuvre fut créée à Stockholm le 24 mars sous le nom de Fantasia sinfonica No. 1 , une « fantaisie symphonique ». Le compositeur était apparemment indécis sur le nom à donner à la pièce et ne lui a accordé le statut de symphonie qu'après quelques délibérations. Pour sa publication le 25 février 1925, la partition s'intitulait "Symphonie n° 7 (en un seul mouvement)".

Composition

Le concept d'une symphonie continue en un seul mouvement n'était un concept auquel Sibelius n'est parvenu qu'après un long processus d'expérimentation. Sa Symphonie n° 3 , datant de 1907, contenait trois mouvements, un quatrième mouvement antérieur ayant été fusionné dans le troisième. Le résultat final a été suffisamment réussi pour que Sibelius utilise la même idée dans sa Symphonie n° 5 , achevée en 1915. Bien que sa première mention du n° 7 ait eu lieu en décembre 1918, la source de son matériel remonte à environ 1914, l'époque où il travaillait sur la Cinquième.

En 1918, Sibelius avait décrit ses plans pour cette symphonie comme impliquant « la joie de vivre et la vitalité avec des sections appassionato ». La symphonie aurait trois mouvements, le dernier étant un « rondo hellénique ». Les croquis survivants du début des années 1920 montrent que le compositeur travaillait sur une œuvre de quatre mouvements, et non de trois. La tonalité générale semble avoir été en sol mineur , tandis que le deuxième mouvement, un adagio en ut majeur , a fourni une grande partie de la matière pour les thèmes qui ont finalement constitué la symphonie. Le premier brouillon survivant d'une symphonie en un seul mouvement date de 1923, ce qui suggère que Sibelius a peut-être pris la décision de se passer d'une œuvre en plusieurs mouvements à cette époque. Au cours de l'été 1923, le compositeur produisit plusieurs autres ébauches, dont au moins une est dans un état jouable : cependant, la fin de la symphonie n'était pas encore complètement élaborée.

Alors que 1923 se transformait en 1924, Sibelius fut distrait de son travail sur la symphonie par un certain nombre d'événements extérieurs : l'attribution d'un grand prix en espèces d'une fondation d'Helsinki, les anniversaires de famille et la composition d'un certain nombre de brèves œuvres pour piano . À son retour à la symphonie, le compositeur a bu de grandes quantités de whisky afin, selon lui, de stabiliser sa main pendant qu'il écrivait sur le papier manuscrit.

Avec ses Symphonies n° 5 et n° 6 , n° 7 était la dernière maison de Sibelius pour le matériel de Kuutar , un poème symphonique jamais achevé dont le titre signifie à peu près "Moon Spiritess". Ce travail a contribué à façonner les premières parties du n ° 7, celles créées au cours de la composition de nos. 5 et 6. L' un des thèmes de Kuutar , appelé « Tähtölä » ( « où les étoiles Dwell »), a évolué dans une partie de No .7 ouverture de la section Adagio . ( [1] )

Importance

Bien que la symphonie ait apparemment d'abord existé sous forme embryonnaire en ré majeur , elle a finalement atteint la tonalité d' origine de ut majeur . Il fut un temps où composer en C était considéré comme infructueux - il n'avait « plus rien à offrir ». Mais en réponse à cette symphonie, le compositeur britannique Ralph Vaughan Williams a déclaré que seul Sibelius pouvait donner un son de do majeur complètement frais. Peter Franklin, écrivant la septième du cycle Segerstam – Chandos des symphonies de Sibelius, qualifie la conclusion dramatique de « la plus grande célébration de do majeur qui ait jamais existé ».

Sibelius vécut 33 ans après avoir terminé la septième, mais ce fut l'une des dernières œuvres qu'il composa. Il a terminé une autre œuvre orchestrale importante, son poème symphonique Tapiola . Cependant, malgré de nombreuses preuves de travail sur une Symphonie n° 8 , on pense que Sibelius a brûlé tout ce qu'il avait écrit. Il a laissé le n° 7 pour sa déclaration finale sur la forme symphonique.

Former

La forme de la symphonie est étonnamment originale. Depuis l'époque de Joseph Haydn , un mouvement dans une symphonie serait généralement unifié par un tempo à peu près constant et atteindrait la variété en utilisant des thèmes contrastés dans différentes tonalités . Sibelius a renversé ce plan. La symphonie est unifiée par la tonalité de do (chaque passage significatif de l'œuvre est en do majeur ou en do mineur ), et la variété est obtenue par un tempo presque constamment changeant , ainsi que par des contrastes de mode , d' articulation et de texture . Sibelius avait fait quelque chose de similaire dans le premier mouvement de la Symphonie n° 5 , qui combine des éléments d'un premier mouvement symphonique standard avec un scherzo plus rapide . Cependant, la septième symphonie contient une variété beaucoup plus large au sein d'un seul mouvement.

Instrumentation

La description

Son externe
Interprété par l' Orchestre philharmonique de Berlin sous la direction d' Herbert von Karajan
icône audio Adagio -
icône audio Vivacissimo - Adagio -
icône audio Allegro molto moderato - Allegro moderato -
icône audio Vivace - Presto - Adagio - Largamente molto

Adagio (mesures 1–92)

La symphonie commence par un roulement doux sur les timbales suivi d'une lente gamme ascendante de do majeur syncopé (commençant sur le sol des timbales) dans les cordes qui conduit à un accord inattendu dans la clé distante de la bémol mineur . L' intervalle d'un sixième mineur entre la note initiale de G et la note finale de E ♭ a été interprété comme une référence au début de Wagner de Tristan und Isolde : le passage est suivi d'accords tirés de ce travail.

{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c { \key c \major \time 3/2 \clef bass \tempo "Adagio" r4\p^"Strings" a4-- b4-- c4-- d4-- \< e4-- | f4-- g4-- a4-- b4-- \clef treble c4-- d4--\! | <es ces as>2\fz\>^"Vent, cornes" s16\! } \new Staff \relative c { \key c \major \time 3/2 \clef bass << { s4 r8^"Bass" a,4--^\< b4-- c4-- d4-- e8-- ~ | e8\! \stemUp f4-- g4--^\> a4-- b4-- c4--\! d8--^\p| } \\ { \stemDown s8_"Timp." \grace { \stemDown g,16 [g16] } g4^> s8 s2 s2 | s2 s4_"Timp." s8 g8~ \trill\p\< g2\! | es'4. \trill\mf r8 s16 } >> } >> }

Quelques mesures plus tard, à la mesure 11, un motif clé est annoncé tranquillement à la flûte et répété à la clarinette :

\relative c' { \clef treble \time 3/2 r8\mf^"Flûte" d'4.~(\< d8 c16)\! r16 d8( e16) r16 a,4.\> r8\! r8\mf^"Clarinette" c4.~(\< c8 bes16)\! r16 c8( d16) r16 g,4.\> r8\!}

Bientôt, un passage est arrivé auquel sonne plutôt comme un choral , avec les altos et les violoncelles chantant doucement un air d'hymne qui s'accumulera progressivement jusqu'au premier point culminant de la symphonie.

{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c' { \key c \major \time 3/2 \clef treble << { b'2\rest ^"Altos, Violons"_"mezza voce" g2-- a2 -- | b2. (a4) b2-- | c2-- d2-- a2-- | b2-- d2-- (g2--) | d1._"segue" | c1 d4 (c4) | b2._"poco a poco meno" c2 (e4)\p | g1 g,2 ~ (| g4 a4) bes2 a4 g4 | a1 } \\ { s2 b,2-- c2-- | d1. | e2-- fis2 -- c2-- | g'2 a1 ~| a1 g4. (a8) | g2 (c,2) c2 | f1 (e4) c4 ~ (| c4 d4) es4 f4 bes,2 ~ | bes2. bes2. | a2 s2 } >> } \new Staff \relative c { \key c \major \time 3/2 \clef bass << { d2\rest g2-- g2-- | f1. | g2-- a2-- fis2-- | g2 b1 | b1 b2 | c2. g2. ~ | g4 g2 g2 a4 ~ | a4 b4 c4 d4 <es es,>2 ~ | <es es,>1 <ff,>4 <es es,>4 | <jj,>4 s2. } \\ { s2 f,2-- e2-- | d2-- g2-- d2-- | c1 b4-- a4-- | g2-- f'1 ~| f2 g2 f2 | e2 f2 e2 | d2._"+ Basse" (c4) c4 <a' a,>4 | <gg,>4 <ff,>4 <es es,>2 es,2 | es4 f4 g2 f4 es4 | f4 s2. } >> } >> }

À l'approche du point culminant, l'orchestre ajoute du volume et de l'intensité. Au point culminant, le premier trombone annonce l'air principal de la symphonie (mesures 60-64), étiqueté « Aino » dans les sketches, d'après la femme du compositeur .

\relative c' { \time 3/2 \clef bass r4^"Trombone Solo"_"poco sonore" d4\f\< ~ d2 c2\! g4.\< c8 d2 e2\! ~ e1 d2 ~ d4. d8 d4-- e4-- c4-- g4-- << {c,1.} \new Voice {s2\> s2 s2\!}>> }

Ce thème réapparaît à des moments clés de la symphonie, réaffirmant à chaque fois le do comme tonalité .

Un pochett. meno adagio – poco affrett. – Poco a poco affrettando il Tempo al ... Vivacissimo – rallentando al ... (mesures 93-221)

À la mesure 93, le tempo est marqué Un pochett[ino] meno adagio (un peu moins lentement). Un nouveau thème en mode dorien , basé sur la gamme ascendante dans les premières mesures, apparaît bientôt au hautbois (mesures 94 et 95) :

\relative c'' {\key c \major \time 3/2 \clef treble r4^"Hautbois" c4\mp\< (d4 es4 f4 g4 | \times 2/3 {a4\! g4 f4} g4) }

Le tempo augmente progressivement ( affrettando ) dans un long passage séquentiel explorant plusieurs tonalités. À la mesure 134, la signature rythmique glisse de3
2 dans 6
4faire monter la tension. L'armure passe en do mineur :

\relative c''' { \key c \major \time 3/2 \stemUp \clef treble \partial 2*1 \times 4/5 {g8\<^"Flûte"^( a8 bes cd } | \times 2 /3 {e4\! ( dc\> } d\! ) \stemDown bes--\<^"Hautbois" (a-- g\!-- | fis2->\<~ \times 2/3 {fis4\ ! ga} g\> ) r8 \stemUp a^( | \time 6/4 \key c \minor bes2^\< c4 d\!) re~^( | edcd) r \stemDown d\mp^"Vln I "( | fis,2. ~ fis4 ga\> | g2. ~ g4\!) }

Bientôt, le tempo monte jusqu'à Vivacissimo (très vif), avec des accords rapides staccato échangés entre les cordes et les bois. La musique devient orageuse avec des gammes menaçantes ascendantes et descendantes sur les cordes, tandis que le thème " Aino " est à nouveau entendu dans les cuivres :

Sibelius Symphonie n° 7, mesures 214-223 (extrait)

Largamente molto – Affettuoso (mesures 496–521)

Cette section se termine par une progression d'accords de A♭ jusqu'à la tonalité principale de do majeur de la symphonie tirée directement de l'œuvre antérieure de Sibelius Valse triste de Kuolema .

Tempo I (mesures 522–525)

Les quatre dernières mesures reviennent au tempo initial de l' Adagio . Logiquement cela devrait être plus rapide que la musique précédente, qui était Adagio puis Largamente molto (élargir — c'est-à-dire ralentir — beaucoup), mais la plupart des chefs ralentissent. Les cordes jouent une version du thème des mesures 11-12 contre un grand accord de do majeur tenu par les cuivres et les bois. Lionel Pike décrit la progression des notes de D à C suivie de la progression de B ( enharmoniquement équivalente à C♭) à C dans les cordes comme étant la résolution finale de la dissonance tonale créée par l'accord frappant de A♭ mineur près du début de l'œuvre. (aussi par exemple la "dissonante" A♭ se résout en "consonne" G dans la section immédiatement précédente). La progression des notes de ré à do est également les deux premières notes du thème récurrent "Aino" du trombone. Arnold Whittall décrit cette fin comme « triomphalement abrupte ».

Conclusion (barres 522-525) (certaines parties sont omises pour plus de clarté)

Discographie

Article détaillé : discographie de la Symphonie n°7 de Sibelius

Les références

Sources

Liens externes